Quatrocentos anos desde a criação da sua primeira ópera, Monteverdi é ainda considerada a figura mais poderosa e inovadora na história da música.
Claudio Monteverdi foi um dos maiores visionários da música. Tal como Beethoven cerca de 200 anos mais tarde, ele rapidamente dominou e esgotou a tradição musical que herdou – as obras-primas corais do estilo polifónico renascentista, ou “prima prattica” – e acelerou o ritmo da mudança estilística em direcção às glórias do barroco, ou “seconda prattica”.
O seu impacto no estabelecimento da forma emergente da ópera foi incalculável, tal como a sua escrita orquestral revolucionária e as inúmeras texturas e efeitos inéditos que concebeu. Também expandiu o vocabulário harmónico da música para níveis de dissonância quase inéditos. Quando Monteverdi veio compor as suas célebres Vésperas em 1610, tudo foi atirado, como Berlioz, para o cadinho para produzir música numa escala sem precedentes, correndo a gama de emoções desde a espiritualidade incandescente até às sugestões do erótico.
A partir de 1600, as tendências “modernistas” de Monteverdi tinham sido castigadas pelo eminente teórico de Bolonha, Giovanni Artusi, que publicou um panfleto que ridicularizava as técnicas progressistas de Monteverdi.
Monteverdi respondeu no prefácio ao seu Quinto Livro de Madri, assegurando aos seus ouvintes que podem “descansar satisfeitos com o conhecimento de que, no que diz respeito a consonâncias e dissonâncias… o meu ponto de vista justifica-se pela satisfação que dá tanto ao ouvido como à inteligência”.
Monteverdi não foi um mero baluarte iconoclasta na tradição, como é evidenciado pelas suas cartas sobreviventes, que revelam um homem que se preocupava profundamente com a sua arte e era altamente sensível à crítica. As suas cartas mostram também que a perda da sua primeira esposa, Claudia, em 1607 tornou-se quase demasiado para ele suportar, e que ele levou muito a sério os seus deveres parentais resultantes.
Foi isto, mais do que tudo, que impulsionou a genialidade de Monteverdi para tão grandes alturas – enquanto lutava para enfrentar a paternidade e a depressão, encontrou a sua saída na música.
Nascido filho de um barbeiro-cirurgião cremona, Monteverdi começou a compor na infância e teve o seu primeiro livro de motets de três partes publicado em Veneza quando tinha apenas 15 anos. Dois anos mais tarde teve um volume de canzonettas publicado, seguido em 1587 pelo primeiro de nove livros de madrigais (oito foram publicados sob a supervisão de Monteverdi, o nono foi publicado postumamente).
Esta série de sucesso foi limitada pela sua nomeação no Tribunal de Mântua em 1592, como violador. Este foi um empreendimento mais perigoso do que poderia parecer, porque o Duque de Mântua partiu para conquistar os turcos em 1595 e Monteverdi foi forçado a acompanhar para levantar o moral das tropas.
Sobreviveu às várias escaramuças e quatro anos mais tarde casou com uma das cantoras da corte, Claudia de Cattaneis, por quem teve dois filhos e uma filha – esta última morreu na infância.
Na altura em que foi nomeado maestro di cappella em Mântua, em 1601, Monteverdi já estava firmemente estabelecido como uma das estrelas musicais em ascensão da Itália. No entanto, foi a publicação do seu Quarto e Quinto Livro dos Madrigais, em 1603 e 1605 respectivamente, que realmente colocou o gato entre os pombos.
As regras académicas foram levadas para fora da água, à medida que Monteverdi evoluía em novas progressões harmónicas que davam vida às palavras como nunca antes. Cópias ilícitas circularam amplamente, inspirando excitação entre os educados musicalmente da época.
Esta fase criativa inicial atingiu um clímax com a estreia da primeira ópera de Monteverdi, L’Orfeo. L’Orfeo viajou para além da obsessão florentina com a recitativa seca, abraçando o canto madrigal, alaúde e todo o tipo de novas sonoridades orquestrais e efeitos teatrais ao longo do caminho.
Num só golpe, Monteverdi tinha revolucionado um género ainda na sua infância. Situações dramáticas que anteriormente poderiam ter excitado pouco mais do que um aceno de cabeça passageiro começaram a envolver seriamente as emoções do público. A música nunca mais seria a mesma.
O talento de Monteverdi para traduzir espectáculo visual em música de qualidade duradoura também pode ser ouvido com efeito espantoso nos seus ballets, sobretudo Il Ballo Delle Ingrate (1608). No papel pode não parecer o mais cativante dos cenários – Vénus, Eros e Plutão libertam várias mulheres dissolutas do inferno a fim de mostrar às pessoas na terra aquilo em que estão metidas se se desviarem do recto e estreito.
Yet com os feiticeiros de efeitos especiais a puxar todas as paragens – à medida que a cortina subia a audiência era transfixada por palas de fumo representando as mandíbulas do inferno – e o uso por Monteverdi de novos e emocionantes dispositivos musicais, incluindo um glissando assustador para baixo como Plutão descreve a descida ao inferno, tornou-se o bilhete mais quente da cidade.
P>A partir da morte da sua esposa em 1607, Monteverdi tinha vindo a desencantar cada vez mais a vida em Mântua, e as coisas chegaram agora a um ponto de encontro entre o compositor e os seus opressivos senhores.
Em 1610, na esperança de assegurar um posto em Roma, Monteverdi dedicou ao Papa um magnífico novo volume de música de igreja. Este monumental esforço criativo foi produzido durante um período angustiante da sua vida; ele ainda estava de luto pela perda da sua esposa e tinha ficado tão doente que os médicos tinham recorrido à sangria.
Apesar dos seus melhores esforços, a abertura de Monteverdi a Roma foi em vão, e não foi até à morte do Duque Vincenzo de Mântua em 1612 que lhe foi apresentada uma saída; o sucessor de Vincenzo não tinha necessidade dos seus serviços e despediu-o. No ano seguinte, o posto de maestro di cappella em St Mark’s, em Veneza, tornou-se disponível. Monteverdi não precisou de ser persuadido, e aí causou tal impacto que o seu salário inicial quase duplicou em três anos.
O período de serviço de Monteverdi em Veneza provou ser um clímax adequado à sua longa e ilustre carreira. Em 1619 publicou o Sétimo Livro de Madrigals, que se desenvolveu ainda mais com a audácia harmónica dos seus volumes anteriores, e cinco anos mais tarde o seu entretenimento híbrido, Il Combattimento Di Tancredi E Clorinda (um cenário de estrofes de um famoso poema da época), criou uma sensação na sua estreia.
Esta peça inovadora de “batalha” – um predecessor de Wellington’s Victory de Beethoven e de Tchaikovsky’s 1812 Overture – teve audiências enfeitiçadas.
Pela primeira vez a orquestra apareceu como um corpo independente com todo o tipo de técnicas no seu arsenal – sobretudo, stile concitato, que se caracteriza por notas rápidas e repetidas que sugerem um estado agitado ou bélico. Quando os dois combatentes finalmente se enfrentam, golpes bruscos de pizzicato da orquestra sugerem inequivocamente o som de espadas, enquanto o galope dos cavalos é brilhantemente realizado por uma repetição do mesmo acorde a um ritmo de saltar no triplo tempo.
Sadly, nem toda a melhor música de Monteverdi deste período sobreviveu. Só existe um trio da sua ópera de 1630 Proserpina Rapita, e a Gloria é tudo o que resta de uma missa de acção de graças escrita especificamente para St Mark’s. O Oitavo Livro dos Madrigais (1638) assinalou outro ponto de viragem para Monteverdi, que aparentemente o utilizou como retrospectiva da sua música e teorias dos últimos 30 anos.
Além de obras mais antigas, este volume também contém composições que demonstram o desenvolvimento contínuo de Monteverdi nas suas técnicas musicais e teorização. Quase a virar as costas às complexidades contrapunísticas de cinco partes que tanto tinha feito para desenvolver, começou a pensar mais em termos de pura harmonia, com vozes que se moviam juntas em bloco. Também confiou mais na resposta das vozes a solo de outros membros do coro, quase à maneira do canto medieval.
Monteverdi pode muito bem ter posto a sua caneta de ópera para sempre se não fosse a abertura das primeiras casas de ópera públicas em Veneza a partir de 1637, para a qual escreveu três obras-primas finais: Il Ritorno D’Ulisse In Patria (1640), Le Nozze D’Enea Con Lavinia (1641, perdido), e L’incoronazione Di Poppea (1642). Embora uma obra-prima por direito próprio, não é de todo certo que esta última tenha sido inteiramente escrita por Monteverdi.
É agora geralmente aceite, no entanto, que compôs uma parte substancial da mesma, com música adicional escrita, reescrita ou transposta por outros. O enredo envolve o imperador romano, Nero, que deseja substituir a sua esposa, Octavia, pela sua amante calculista, Poppea. Planos de Otho (que ama Poppea) e Octavia para matar Nero por contra-ataque e a ópera termina com a coroação de Poppea.
Quem quer que tenha sido as mãos de Otho a maior obra-prima da ópera italiana do século XVII, o seu impacto foi incalculável, não só em termos do seu alcance expressivo mas também do seu estilo inovador como ópera “histórica”.
Monteverdi morreu no ano seguinte, com 76 anos de idade, pouco depois de uma última visita à sua terra natal, Cremona. Foi colocado para descansar na igreja do Frari em Veneza, tendo ditado sozinho a direcção que a música italiana iria tomar nos 400 anos seguintes.