Isso pode ser estranho, mas penso sempre nos concertos como uma espécie de consumação – como finalmente ter a oportunidade de estar sozinho com aquele aperto especial que se tem estado a suar’ há algum tempo. A relação entre si, uma banda, e uma canção é finalmente a mais íntima, quer esteja no canto de um bar ou nos campos lamacentos de Glastonbury. E por todo o tempo que passou a descascar as camadas de uma faixa, analisando cada nota, cada palavra, cada minuto de detalhe até ao último comprimento de onda, em concerto a pressão está agora sobre a banda. Parecem-se mesmo com o seu perfil pic?
É de partir os nervos quando chega o momento. Algumas bandas têm ansiedade de desempenho, ou estavam apenas a mentir sobre o que estavam realmente a embalar. A maioria das bandas são satisfatoriamente WYSIWYG, e permanecem fiéis às suas promessas. Estas bandas e estas canções abaixo, contudo, representam os momentos mais poderosos numa ligação entre o público e o intérprete – momentos de expansão dinâmica que abrem partes totalmente novas da canção que nem sequer se sabia que existiam. Na altura é uma revelação, e em retrospectiva pode ser uma redescoberta, mas é sempre algo único.
Tentamos compilar uma lista de canções que ressoaram a vários níveis. Há pontos de viragem culturais, favoritos dos fãs, referências canónicas e, o mais importante, experiências pessoais. Cite outra forma de arte onde lhe é permitido sentir algo tão pessoal, tão comovente, tão bonito na companhia de centenas ou milhares de outras pessoas possivelmente sentindo e relacionando-se exactamente com a mesma coisa que você é (níveis MDMA não obstante). A subjectividade de uma actuação ao vivo é quase mais adequada do que uma gravação em estúdio, mas estas são canções que sentimos transcender a preferência pessoal e chegar até àqueles que não estavam lá (Ou: provavelmente vai sentir arrepios ao ver estes vídeos).
mas há mais memórias do que há vídeos do YouTube
. Haverá concertos de uma banda desconhecida no meio do nada que deixarão uma impressão mais forte do que estar na primeira fila no Radiohead ou nos bastidores do The Boss, e isso é um facto. Estas canções dão às suas experiências pessoais uma corrida pelo seu dinheiro, e embora não acredite que alguma vez algo irá superar o tempo que o vocalista dos Ulterior Motifs incendiou a sua guitarra e suprimiu o baixista para o tom do chão, esperamos que passe algum tempo a co-optar a magia que foi criada com estas actuações – actuações ao vivo que aprofundem, exponham, e sejam directamente proprietárias das versões de estúdio.
-Jeremy D. Larson
Joy Division – “Transmission”
Em gravação, estavam limpas. No palco, estavam limpos. Então, qual é a diferença? Com “Transmissão”, Curtis não cospe a letra, mas sim uma corda frágil mas magnífica, da qual ele balança em volta e ao redor. Ninguém jamais rejeitará a mistura intemporal e pouco ortodoxa de Martin Hannett em “Unknown Pleasures”, é um exemplo indefectível de trabalho de produção de diamantes. Mas, em retrospectiva, o produtor radical simplesmente aprisionou as tendências carnais do grupo. Dentro do álbum existia o que apenas alguns poucos sabiam na altura: Este quarteto de Manchester estava a trabalhar com algo de outro mundo, e ver “Transmissão” ao vivo prova-o. É apenas um pouco assustador, só isso. -Michael Roffman
The Flaming Lips – “Race For the Prize”
Balões, máquinas de fumo, confetes, ecrãs de projecção de 40 pés, luzes coloridas, e dançarinos de fundo com trajes de animais de pelúcia – “Race for the Prize” não só marcou um ponto de viragem na carreira de gravação da banda, mas também a transformação das suas actuações ao vivo no grande espectáculo de sobrecarga de sensores que são conhecidos por serem hoje. Depois do The Soft Bulletin, já não parecia que estávamos apenas a ver uma banda actuar com ácido, mas como se toda a audiência estivesse a tropeçar juntamente com eles. Agora, como se toda a audiência estivesse a tropeçar com eles. Agora, como se fosse uma peça básica nas suas setlists, não há uma canção no catálogo de The Flaming Lips mais adequada para dar o tom aos seus espectáculos lunáticos ao vivo do que o “Race for the Prize”. -Austin Trunick
Tool – “Third Eye”
“Pense por si próprio…questione a autoridade”, o monólogo de abertura implora aos seus ouvintes, mesmo antes de um dos mais prestigiados e assombrosos números musicais de Tool abafar uma audiência ao vivo. “Third Eye” é a faixa de encerramento de 1996 Ænima, e a partir desta gravação de concerto de 1998, os fãs podem recordar os dias em que Maynard James Keenan conseguia apagar um grito que fazia com que as pessoas questionassem a sua própria identidade. Uma versão semelhante à aqui apresentada pode ser encontrada na compilação do Tool’s Salival por compra em segunda mão, uma vez que está agora esgotada. -David Buchanan
John Coltrane – “My Favorite Things”
John Coltrane levou o clássico de Rodgers e Hammerstein da Broadway “My Favorite Things” para um giro apenas dois anos depois de ter atingido o palco no Som da Música, esticando a música do espectáculo para um louco 13-e uma compota de meio minuto que é considerada um dos registos de jazz mais essenciais de todos os tempos. Deixar a John Coltrane, no entanto, de dar o seu próprio golpe na cabeça sempre que ele e a sua banda o tocassem ao vivo, mais notavelmente no Festival de Jazz de Newport de 1963. Na talvez a melhor actuação da sua carreira, Coltrane e os seus homens laterais tomam a melodia numa longa viagem de 17 minutos, tão hipnótica e memorável, que nunca mais assobiará essa pequena melodia de chipper da mesma maneira. -Möhammad Choudhery
Ataque massivo- “Angel”
Em digressão, “Angel” ganha uma vida totalmente nova com a ajuda do espectáculo de luz humilde da banda e uma banda ao vivo estelar que inclui dois bateristas ao vivo. Ominosos hi-hats e uma linha de guitarra pitch-black dão lugar a uma explosão apocalíptica de bass/guitarra/tambores, tal como Horace Andy faz murmurando a linha, “ama-te, ama-te, ama-te”. Aqui, Massive Attack ataca a sua canção de assinatura perante uma multidão de milhares em Glastonbury 2008. A melhor parte? Aquele fracção de segundo de silêncio espantoso, à medida que a banda entra em cena e a multidão explode. -Möhammad Choudhery
Okkervil River – “Westfall”
Okkervil River frontman Will Sheff foi inspirado a compor esta melodia sinistra depois de ouvir os detalhes sangrentos dos Assassinatos na Yogurt Shop em Austin, Texas. Enquanto a versão do álbum explora com sucesso a natureza confusa do verdadeiro mal, só a raucosa rendição ao vivo é capaz de capturar o espírito selvagem dos próprios homicídios. A canção começa minimamente, conjurando uma atmosfera de guitarra, bandolim e baixo, antes que um sinistro acorde de cordas arranque o sinistro coda “o mal não se parece com nada”, enquanto Sheff uiva e o resto da banda se desfaz à sua volta. O mesmo crescendo ocorre em disco, mas parece apertado e não caótico. -Dan Caffrey
Talking Heads – “Psycho Killer”
Director Jonathan Demme e Talking Heads’ 1984 masterwork, Stop Making Sense, é o filme do concerto. Embora existam muitas razões para apoiar tal argumento, só uma é verdadeiramente importante – a alegre interpretação de abertura de “Psycho Killer” de David Byrne. Traje afiado, batidas sincopadas, fita cassete, guitarra acústica, e um homem cujo andar poderia ser traduzido em desequilíbrio mental ou comédia física…esqueça Andrew WK e os Beastie Boys; o “boombox” de Byrne bate-lhe ao murro. -David Buchanan
LCD Soundsystem – “Yeah”
James Murphy diz “Yeah” um total de 577 vezes neste vídeo (não é preciso contá-lo – está tudo aí). Isso é mais vezes do que alguma vez disse em toda a minha vida, e mesmo assim nunca se farta de o dizer. Contra aquele tambor e baixo da discoteca, a banda estica ao máximo os pólos da canção, e se por acaso estiver na multidão durante o “Sim”, vai encontrar-se a gritar todas as 577 “Sim” juntamente com ele. O trance-punk teve um nascimento vivo. -Jeremy D. Larson
Bruce Springsteen – “Thunder Road”
Além de ser uma versão ao vivo fantástica do programa “The Boss” – um, track-one ao seu intocável Born To Run, este clip de seis minutos, gravado na sua New Jersey nativa em 1978, é um pequeno encapsulamento do que é exactamente o programa ao vivo do The Boss. Desde a energia e carisma emitidos pelo Springsteen, a assinatura Fender Telecaster, o seu elenco de apoio (Max Weinberg na bateria, o velho amigo Steve Van Zandt na guitarra/vocal de apoio tremido, e o falecido Clarence Clemons – cujo solo de saxofone arrepiante significa mais esta semana do que há um mês atrás), até aos seus fiéis, adorando fãs aplaudindo “Bruuuuuuuuuuuce!” quando o vídeo chega ao fim, é sobre isto que o Springsteen é (e sempre foi). -Winston Robbins
Sufjan Stevens – “Impossible Soul”
p>On “Impossible Soul”, Age of Adz’s cathartic 25-minute closer, Sufjan Stevens redefine melodrama e virtuosismo, genre-leaping scope. Stevens, na sua moda tipicamente ostentatória, optou por encerrar cada espectáculo da digressão da Era de Adz com toda esta maldita coisa. “Impossible Soul” é um passeio de montanha-russa através do cérebro direito de Stevens: desde a introdução da chamada e da resposta, através de um segmento vocalista atípico, até à agitada canção metafísica do rally, a meio da secção que finalmente leva a um outro, com os dedos apanhados. Woah. -Möhammad Choudhery
Bob Marley – “No Woman, No Cry”
Esta versão é tão profunda no sulco que não tenho a certeza de como alguém sai dela quando termina. Antes de Ska acelerar as coisas, Bob Marley abrandou as coisas quando levou “No Woman, No Cry” ao palco, que é a versão com que a maioria das pessoas está familiarizada. A versão de estúdio tem os seus méritos, mas esta é a única opção para uma mixtape de fogueira ou homenagem memorial. Além disso, quando se diz a alguém que “tudo vai ficar bem”, nunca se quer apressar. -Jeremy D. Larson
Phish – “Fluffhead”
Não houve notícia maior para a Nova Inglaterra no Inverno de 2009 do que a palavra de que Phish estava a reunir-se novamente para uma corrida de três noites no Coliseu Hampton. O que começou como três reuniões (muito minuciosas), transformou-se na etapa seguinte da carreira do quarteto Vermont, e eles deram o pontapé de saída com “Fluffhead”. De todo o seu catálogo, “Fluffhead” tem sido sempre um grande favorito dos fãs, que fizeram aparições ocasionais dentro das suas setlists, mas desta vez, foi a carga de começar tudo. Enquanto a versão de estúdio do Phish (ou, The White Tape) de 1986 soa como uma demonstração lúdica, a versão Hampton ’09 é como uma chamada musical às armas (ou ao improviso). Como aquela maravilhosa progressão do C-D-G-F estendeu-se até à noite da Primavera na Virgínia, ficou claro que as únicas pessoas mais entusiasmadas com esta reunião do que Anastasio, Gordon, Fishman, e McConnell… eram os Phans. -Ted Maider
Led Zeppelin – “Dazed and Confused”
Na altura em que o concerto do Royal Albert Hall rolou em Janeiro de 1970, Led Zeppelin já tinha começado a tomar conta do mundo. Mas este espectáculo em particular mostraria as suas proezas improvisadas em “Dazed and Confused”, transformando a gravação original de seis minutos e meio numa majestosa obra de 16 minutos. Já um dos pilares do seu repertório ao vivo, desta vez havia apenas algo na pista que realmente ficou preso. Até à data, ainda faz os pêlos da parte de trás do pescoço levantarem-se. É assim que é feito. -Megan Caffery
My Morning Jacket – “Dondante”
O início lento e íntimo leva a uma explosão emocional de vocais ascendentes seguidos por um dos saxofones mais poderosos a tocar este lado de John Coltrane. Quando feito da forma correcta – e o My Morning Jacket normalmente fá-lo da forma correcta – pode ser verdadeiramente uma experiência transcendental. Para uma banda ao vivo bem respeitada com inúmeras boas “versões ao vivo”, o facto de “Dondante” normalmente aparecer como o ponto alto dos seus espectáculos diz tudo. -Carson O’Shoney
Radiohead – “Everything In Its Right Place”
Como se toca qualquer um dos Kid A ao vivo? Como é que se escreve um álbum como Kid A? E como é que um Thom Yorke distorcido, confuso e reciclado canta juntamente com um Thom Yorke verdadeiro, tocando um teclado que é reciclado e cortado também, até que a banda possa sair do palco enquanto a sua música continua, comendo-se lentamente a si própria? Pergunte a qualquer parisiense que os tenha visto em 2001, acima. -Chris Woolfrey
Arcade Fire – “Power Out/Rebellion”
Não há muitas canções que abrandem o ritmo enquanto duplicam a energia do público ao mesmo tempo. No entanto, é isso que o Arcade Fire faz em cada concerto. Quer se siga de um explosivo “Bairro #3 (Power Out)” ou mais recentemente “Mês de Maio”, “Rebellion (Lies)” é o auge de uma actuação ao vivo. Há o momento subtil em que o baixo e as teclas começam a espreitar através do barulho da guitarra da canção anterior, enviando aqueles arrepios pela sua coluna. Depois há o canto. Quando a banda grita “Lies!”, o mesmo acontece com todos na multidão. Como, toda a gente. -Joe Marvilli
The Beatles – “Get Back”
“Quatro pessoas a tocar como nunca mais tocariam” é como o concerto no telhado dos Beatles tem sido descrito, e é fácil de ver porquê. Trata-se de uma banda com tensões que se manifestam desde há uma década aos olhos do público, entre outras coisas, que se reúne para uma actuação final de knock-out. “Get Back”, contra a polícia que se opunha ao grupo enquanto o quarteto levava a música a uma espécie de diminuendo anticlimático, fechou o seu conjunto improvisado no topo do escritório da Apple em Savile Row. Ninguém o sabia na altura, talvez nem mesmo os Beatles, mas esta canção foi a última canção que tocariam juntos em concerto, e é bela precisamente porque esse futuro era tão incerto. Nas palavras de John Lennon: “Gostaria de dizer ‘obrigado’ em nome do grupo e de nós próprios, e espero que tenhamos passado na audição”. -Chris Woolfrey
U2 – “Where The Streets Have No Name”
Esta é a canção que cada fã dos U2 espera em cada espectáculo. Não importa o que mais é tocado ou se a banda está ou não, “Where the Streets Have No Name” é garantidamente espectacular. Primeiro, há o ecrã vermelho que brilha à medida que o órgão de abertura entra. O bordo chega com aquele arpejo gelado que floresce em cada canto do local. Os tambores fazem efeito, todas as luzes brilham, e Bono e os rapazes estão desligados. Todos cantam e dançam juntos, estando juntos nesta experiência comovente que não pode ser simplesmente descrita. É preciso ver e ouvir para acreditar nisso. -Joe Marvilli
My Bloody Valentine – “You Made Me Realise”
“You Made Me Realise”, além de ser o roqueiro do My Bloody Valentine (MBV), é conhecido por encerrar os espectáculos de reunião da banda num “holocausto” prolongado de ruído branco. Com duração entre 10 minutos e 30 (em comparação com menos de um minuto na versão em estúdio), MBV segura o acorde final antes do verso final, toca-o a um nível ensurdecedor, e quando a banda explode de volta ao riff principal – se é que isso incomoda – a maioria da multidão já se esqueceu da canção que estava a tocar. Qualquer pessoa que tenha visto a MBV em 2008/2009 está bem ciente de que todos os locais foram armazenados até ao telhado em tampões auriculares gratuitos, e “Realise” é a razão pela qual “Realise”. -Harry Painter
Animal Collective – “Fireworks”
Houve muito com que se apaixonar durante esta épica eclosão de espectáculos de entrega de geléia de morango com adrenalina “Fireworks”.Com cerca de 13 minutos de duração, a banda começa por provocar os fãs com a assinatura “Fireworks” em ritmo de pulso de helicóptero, enquanto começa o “Lablakey Dress” de Hollinndagain, acabando por se transformar numa profunda exploração de 10 minutos do “Fireworks”, empurrando a coisa para os seus limites absolutos – incluindo uma paragem a meio da música no “Essplode” de Danse Manatee.Mas enquanto o farol do Geologista se enrola, colidindo com o espectáculo de luzes epilépticas, e enquanto Avey Tare canta a melodia infecciosa da canção por cima dos seus cordões desbotados, só de ver Noah Lennox atacar febrilmente o seu conjunto de bateria de colocação mínima e alta em impulsos sincopados é uma das experiências mais deslumbrantes da música ao vivo.Como é normalmente o caso destes Animais, é difícil dizer o que realmente se está a passar, mas com um resultado tão imponente, não poderia realmente importar menos. -Drew Litowitz
Rage Against The Machine – “Freedom”
Back in the ’90s, Rage Against the Machine foi um dos melhores actos ao vivo para agraciar o mainstream, e trouxe muita tristeza em 2001 quando anunciaram a sua separação. Para terminar a sua (primeira) corrida, a banda reservou duas noites no Grande Auditório Olímpico de Los Angeles. O seu final, “Freedom”, continua a ser um dos elementos principais do seu espectáculo ao vivo, principalmente devido à letra improvisada de Zack de la Rocha que ele atiraria para a mistura (“Esqueça a sua história e compre…e compre apenas”). A versão ao vivo (particularmente esta) foi o equivalente sónico de um motim em Washington D.C., quando de la Rocha gritou “Liberdade! Para Mumia! Liberdade! Sim!” pelo que parecia ser a última vez. Felizmente, porém, não foi. -Ted Maider
The Grateful Dead – “Dark Star”
(Parte 1)
(Parte 2)
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(Parte 3, Parte 4)
p>”Dark Star” é a quintessencial canção Dead. Consistindo não mais do que um par de riffs e dois versos curtos, a verdadeira carne é a improvisação entre esses elementos, muitas vezes estendendo-se até mais de 20 minutos de psicadélia estonteante. Há uma versão de estúdio, uma versão de 2:40, que nunca deveria ter existido em primeiro lugar. Então, de todas as versões ao vivo estelares, porquê 8/27/72? Embora a lendária versão Live/Dead represente o som primordial de 1969, a performance Veneta de 1972 funde o estilo de jazz modal dos Dead do início dos anos 70 com o caos controlado dos anos 60, impulsionando este espectáculo para a contenção “melhor de sempre”. -Jake Cohen
Duke Ellington Orchestra – “Diminuendo e Crescendo In Blue”
Como poderá contar na história em rolagem do clip, esta canção é o material das lendas do jazz. Talvez não seja bem igual com Max Roach a atirar um címbalo de acidente a Charlie Parker, ou com Buddy Rich a falar palavrões todas as noites, ou com Charles Mingus a disparar o seu baixo com uma arma (sim), mas definitivamente um sólido #4. Os 28 refrões de Paul Gonsalves de blues solo instigaram o que passou por um “motim” no Festival de Jazz de Newport, em 1956. Se apenas por 10 minutos, o espírito da Big Band foi reanimado devido à paixão e ao groove de um saxofonista tenor. -Jeremy D. Larson
Radiohead – “The Gloaming”
On Hail to the Thief, “The Gloaming”. (Softly Open Our Mouths in the Cold.)” é despretensioso, sendo o único sinal de vida o pulso coronário da nota de baixo repetida. Ou por necessidade de manter os frequentadores do concerto acordados, ou por amor de Thom Yorke por uma dança parva desinibida, Radiohead transforma-a num número de dança de alta energia. É um win-win, porque não só a secção de ritmo de Colin Greenwood e Phil Selway se encontra com algo para fazer, mas graças aos vocais dispersos e em loop de Yorke, “The Gloaming” mantém a sensação de obtuseness distorcida da versão do álbum. -Harry Painter
Iron & Wine – “Upward Over the Mountain”
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se me tivesses dito em 2002 (raios, Estou a ficar velho) que um dia estaria a descer – quero dizer literalmente a perder a minha merda – para The Creek Drank Drank the Cradle’s “Upward Over The Mountain” no Festival de Música e Artes de Bonnaroo de 2008, provavelmente teria dito para te recompores, deixar de beber o ácido, e parar de ouvir o teu contrabando de The Grateful Dead’s 1976 Show no Beacon Theater. Quando chegou a altura, Sam Beam saltou para o palco como piloto para uma máquina de improvisar bem oleada e irresistível. E no destaque do cenário, “Upward Over the Mountain”, o folkie barbado estendeu uma das suas escassas e lentas lamentações de lo-fi numa verdadeira epopeia de rock, com percussão, aço pedalado, e uma penetrante melodia de guitarra deslizante, partindo de uma das gravações mais suaves de Beam. -Drew Litowitz
Daft Punk – “Around The World/Harder, Better, Faster, Stronger”
Uma vez descrevi o álbum ao vivo do Daft Punk Alive 2007 como soando “muito mais como uma colecção de grandes êxitos sem costura do que um esforço ao vivo”. Essa declaração é a mesma para este videoclipe que para o álbum. O inesquecível Alive Tour do Daft Punk não foi apenas uma produção visualmente espectacular, mas também uma das mais coesas musicalmente. Este corte particular é uma combinação do seu maior sucesso dos anos 90, “Around the World”, e o seu maior sucesso dos anos 00, “Harder, Better, Faster, Stronger”. Como as duas faixas entram e saem uma da outra sem problemas com luzes, pirâmides e fatos de robô para arrancar, não é difícil ver o fascínio por detrás da dupla francesa e porque são indiscutivelmente os DJs de dança/electrónica mais populares desta geração. -Winston Robbins
Atoms For Peace – “Harrowdown Hill”
entre todos os loops de computador e ritmos inclinados encontrados no The Eraser, “Harrowdown Hill” é certamente o mais grooviest. Quando se tem uma linha de base tão contagiosa, é preciso o baixista mais funki para lhe dar uma bofetada e um estalo extra. Entre Flea, cujo desempenho de agitação corporal complementa na perfeição a dança esporádica de Thom Yorke. Acrescente numa actuação dura e orgânica do resto da banda e terá o destaque de qualquer concerto de Atoms for Peace. -Joe Marvilli
Peter Frampton – “Do You Feel Like We Do?”
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Durante mais de 20 anos, Frampton Comes Alive! foi o álbum mais vendido ao vivo de todos os tempos, e “Do You Feel Like We Do?” é a sua faixa mais icónica. Livres da penugem pop de “Baby, I Love Your Way” ou “Show Me The Way”, a faixa de quase 15 minutos “Do You Feel Like We Do?” apresenta o uso mais virtuoso e excitante de Frampton da sua caixa de conversa de marca registada. A versão de estúdio (sabia mesmo que existia?), com o seu ritmo letárgico e sem caixa de conversa, encolhe o encravamento de três cordas de 10 para pouco mais de um minuto. Parece um mero tecnicismo em comparação com a besta ao vivo. -Jake Cohen
The National – “Mr. November”
Fans of The National saberá isto como o seu famoso mais próximo (embora “Terrible Love” tenha ultrapassado legitimamente aquele ponto de atraso) e é a parte do espectáculo em que Matt Berninger tropeça na audiência com os olhos vidrados e grita “Não nos vou foder, sou o Sr. Novembro” com um e todos. No entanto, na Lollapalooza de 2010, Berninger escalou uma parede e agachou-se a uma criança e deu à multidão a mais cativante edição de rádio que alguma vez ouviu. Se isso não derreter um pouco o seu coração, é melhor rezar para que uma rapariga do Kansas apareça e olear as suas articulações. -Jeremy D. Larson
Blur – “Tender”
p>Por vezes o que torna a actuação ao vivo de uma canção um acontecimento verdadeiramente especial é a própria multidão. No regresso de Glastonbury do Blur, a relação única entre a banda e a multidão pode ser resumida numa palavra: “Tender”. Não só o Borrão voltou, como também Graham Coxon estava de volta, e cem mil fãs expressaram a sua gratidão, gritando ao longo das linhas de Coxon no topo dos seus pulmões e permitindo a transformação de “Tender” num canto de quase 10 minutos. Este momento de Glastonbury elevou as emoções tão alto durante o resto da noite que Damon Albarn mais tarde se partiu e chorou no palco, e os fãs continuaram a cantar em massa “Oh meu bebé, oh meu bebé, oh porquê, oh meu” durante as pausas do bis e no caminho de volta para as suas tendas. -Frank Mojica
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