1966-70: OriginiModifica
Background e radiciModifica
Nel 1966, il livello di corrispondenza sociale e artistica tra i musicisti rock inglesi e americani accelerò drammaticamente per gruppi come i Beatles, i Beach Boys e i Byrds che fondevano elementi di musica colta con le tradizioni vernacolari del rock. Il rock progressivo si basava sui gruppi pop “progressivi” degli anni ’60 che combinavano il rock and roll con vari altri stili musicali come i ragas indiani, le melodie orientali e i canti gregoriani, come i Beatles e gli Yardbirds. Paul McCartney dei Beatles disse nel 1967: “ci siamo un po’ annoiati con le 12 battute in continuazione, così abbiamo cercato di dedicarci a qualcos’altro. Poi arrivarono Dylan, gli Who e i Beach Boys. … Stiamo tutti cercando di fare vagamente lo stesso tipo di cose”. La musica rock cominciò a prendersi sul serio, parallelamente ai precedenti tentativi del jazz (mentre lo swing lasciava il posto al bop, una mossa che non ebbe successo di pubblico). In questo periodo, la canzone popolare cominciò a segnalare un nuovo possibile mezzo di espressione che andava oltre la canzone d’amore di tre minuti, portando a un’intersezione tra l'”underground” e l'”establishment” per il pubblico d’ascolto.
Hegarty e Halliwell identificano i Beatles, i Beach Boys, i Doors, i Pretty Things, gli Zombies, i Byrds, i Grateful Dead e i Pink Floyd “non semplicemente come precursori del prog ma come sviluppi essenziali del progressismo dei suoi primi tempi”. Secondo il musicologo Walter Everett, “i timbri sperimentali, i ritmi, le strutture tonali e i testi poetici” dei Beatles nei loro album Rubber Soul (1965) e Revolver (1966) “incoraggiarono una legione di giovani band che avrebbero creato il rock progressivo nei primi anni ’70”. La poesia di Dylan, l’album Freak Out! (1966) e Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) dei Beatles furono tutti importanti nello sviluppo del rock progressivo. Le produzioni di Phil Spector furono influenze chiave, poiché introdussero la possibilità di usare lo studio di registrazione per creare musica che altrimenti non si sarebbe mai potuta ottenere. Lo stesso vale per Pet Sounds (1966) dei Beach Boys, che Brian Wilson intendeva come una risposta a Rubber Soul e che a sua volta influenzò i Beatles quando realizzarono Sgt. Pepper.
Dylan introdusse un elemento letterario nel rock attraverso la sua fascinazione per i surrealisti e i simbolisti francesi, e la sua immersione nella scena artistica di New York City dei primi anni ’60. La tendenza delle band con nomi tratti dalla letteratura, come i Doors, Steppenwolf e le Idi di Marzo, furono un ulteriore segno dell’allineamento della musica rock con la cultura alta. Anche Dylan aprì la strada alla fusione del rock con gli stili della musica folk. Questo fu seguito da gruppi folk rock come i Byrds, che basarono il loro suono iniziale su quello dei Beatles. A loro volta, le armonie vocali dei Byrds ispirarono quelle degli Yes, e gruppi folk rock britannici come i Fairport Convention, che enfatizzavano il virtuosismo strumentale. Alcuni di questi artisti, come la Incredible String Band e Shirley e Dolly Collins, si dimostrarono influenti grazie al loro uso di strumenti presi in prestito dalla world music e dalla musica antica.
Pet Sounds e Sgt. PepperModifica
– Bill Martin
Pet Sounds e Sgt. Pepper, con la loro unità lirica, la struttura estesa, la complessità, l’eclettismo, lo sperimentalismo e le influenze derivate da forme musicali classiche, sono largamente considerati come gli inizi del genere rock progressivo e come punti di svolta in cui il rock, che prima era stato considerato musica da ballo, divenne musica fatta per essere ascoltata. Tra Pet Sounds e Sgt. Pepper, i Beach Boys pubblicarono il singolo “Good Vibrations” (1966), definito una “sinfonia tascabile” da Derek Taylor, il pubblicitario della band. La canzone conteneva una serie eclettica di strumenti esotici e diversi cambi di tonalità e modali disgiunti. Scott Interrante di Popmatters scrisse che la sua influenza sul rock progressivo e sul movimento psichedelico “non può essere sopravvalutata”. Martin paragonò la canzone a “A Day in the Life” dei Beatles da Sgt. Pepper, in quanto mostrano “le stesse ragioni per cui molto rock progressivo è difficile da ballare”.
Anche se Sgt. Pepper fu preceduto da diversi album che avevano iniziato a gettare un ponte tra il pop “usa e getta” e il rock “serio”, riuscì a dare una voce “commerciale” affermata a una cultura giovanile alternativa e segnò il punto in cui il disco LP emerse come un formato creativo la cui importanza era pari o superiore a quella del singolo. Bill Bruford, un veterano di diversi gruppi di rock progressivo, disse che Sgt. Pepper trasformò sia le idee dei musicisti su ciò che era possibile che quelle del pubblico su ciò che era accettabile nella musica. Egli credeva che: “Senza i Beatles, o qualcun altro che avesse fatto quello che i Beatles hanno fatto, è giusto supporre che non ci sarebbe stato il rock progressivo”. All’indomani di Sgt. Pepper, riviste come Melody Maker tracciarono una linea netta tra “pop” e “rock”, eliminando così il “roll” da “rock and roll” (che ora si riferisce allo stile anni ’50). Gli unici artisti che rimasero “rock” sarebbero stati quelli considerati all’avanguardia delle forme compositive, lontani dagli standard “radio friendly”, dato che gli americani usavano sempre più l’aggettivo “progressive” per gruppi come Jethro Tull, Family, East of Eden, Van der Graaf Generator e King Crimson.
Proto-prog e psichedeliaEdit
Secondo AllMusic: “Prog-rock ha cominciato ad emergere dalla scena psichedelica britannica nel 1967, in particolare un ceppo di rock classico/sinfonico guidato dai Nice, Procol Harum, e i Moody Blues (Days of Future Passed)”. La disponibilità di nuove apparecchiature di registrazione a prezzi accessibili coincise con l’ascesa di una scena underground londinese in cui la droga psichedelica LSD era comunemente usata. I Pink Floyd e i Soft Machine funzionavano come house band in eventi che duravano tutta la notte in luoghi come il Middle Earth e l’UFO Club, dove sperimentavano con texture sonore e canzoni di lunga durata. Molti gruppi psichedelici, folk-rock e i primi gruppi progressivi furono aiutati dall’esposizione del DJ della BBC Radio 1 John Peel. Jimi Hendrix, che salì alla ribalta nella scena londinese e registrò con un gruppo di musicisti inglesi, iniziò la tendenza al virtuosismo chitarristico e all’eccentricità nella musica rock. Il gruppo scozzese 1-2-3, poi ribattezzato Clouds, si formò nel 1966 e iniziò ad esibirsi nei club di Londra un anno dopo. Secondo George Knemeyer di Mojo: “alcuni affermano di aver avuto un’influenza vitale sui prog-rockers come Yes, The Nice e Family.”
Gli artisti del rock sinfonico alla fine degli anni ’60 ebbero un certo successo in classifica, inclusi i singoli “Nights in White Satin” (The Moody Blues, 1967) e “A Whiter Shade of Pale” (Procol Harum, 1967). I Moody Blues stabilirono la popolarità del rock sinfonico quando registrarono Days of Future Passed insieme alla London Festival Orchestra, e i Procol Harum iniziarono a usare una maggiore varietà di strumenti acustici, in particolare nel loro album A Salty Dog del 1969. Le influenze classiche a volte presero la forma di pezzi adattati o ispirati da opere classiche, come il “Beck’s Bolero” di Jeff Beck e parti dell’Ars Longa Vita Brevis dei Nice. Questi ultimi, insieme a brani dei Nice come “Rondo” e “America”, riflettono un maggiore interesse per la musica interamente strumentale. Sgt. Pepper’s e Days rappresentano entrambi una crescente tendenza verso cicli di canzoni e suite composte da movimenti multipli.
I Focus incorporarono e articolarono accordi in stile jazz e un drumming irregolare fuori ritmo nei loro successivi Riffs basati sul rock, e apparvero diverse band che includevano sezioni di fiati in stile jazz, inclusi Blood, Sweat & Tears e Chicago. Di questi, Martin evidenzia i Chicago in particolare per la loro sperimentazione con suite e composizioni estese, come il “Ballet for a Girl in Buchannon” su Chicago II. Le influenze jazz apparvero nella musica di gruppi inglesi come Traffic, Colosseum e If, insieme a gruppi della scena di Canterbury come Soft Machine e Caravan. I gruppi della scena di Canterbury enfatizzavano l’uso di strumenti a fiato, complessi cambi di accordi e lunghe improvvisazioni. Martin scrive che nel 1968, “il rock progressivo a tutti gli effetti” non esisteva ancora, ma tre gruppi pubblicarono album che in seguito sarebbero venuti alla ribalta della musica: Jethro Tull, Caravan e Soft Machine.
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Il termine “rock progressivo”, apparso nelle note di copertina dell’LP di debutto dei Caravan del 1968, venne applicato ai gruppi che usavano tecniche di musica classica per espandere gli stili e i concetti disponibili per la musica rock. I Nice, i Moody Blues, i Procol Harum e i Pink Floyd contenevano tutti elementi di quello che oggi si chiama rock progressivo, ma nessuno rappresentava un esempio così completo del genere come diversi gruppi che si formarono poco dopo. Quasi tutte le maggiori band del genere, inclusi Jethro Tull, King Crimson, Yes, Genesis, Van der Graaf Generator, ELP, Gentle Giant e Renaissance, pubblicarono i loro album di debutto negli anni 1968-1970. La maggior parte di questi erano album folk-rock che davano poche indicazioni di quello che sarebbe diventato il suono maturo della band, ma In the Court of the Crimson King dei King Crimson (1969) era un esempio completamente formato del genere. I critici presumevano che l’album fosse la logica estensione e sviluppo del lavoro della fine degli anni ’60 esemplificato dai Moody Blues, Procol Harum, Pink Floyd e i Beatles. Secondo Macan, l’album può essere il più influente per il rock progressivo per aver cristallizzato la musica dei gruppi precedenti “in uno stile distintivo e immediatamente riconoscibile”.
Anni 70-80Modifica
Anni di punta (1971-76)Modifica
La maggior parte delle principali band del genere ha pubblicato i suoi album più acclamati dalla critica negli anni 1971-1976. Il genere sperimentò un alto grado di successo commerciale durante i primi anni ’70. Jethro Tull, ELP, Rush, Yes e Pink Floyd combinarono per quattro album che raggiunsero il numero uno nelle classifiche statunitensi, e sedici dei loro album raggiunsero la top ten. Tubular Bells (1973) di Mike Oldfield, un estratto del quale fu usato come tema per il film L’esorcista, vendette 16 milioni di copie.
Il rock progressivo venne apprezzato oltreoceano, ma rimase soprattutto un fenomeno europeo e specialmente britannico. Poche band americane vi si dedicarono, e i rappresentanti più puri del genere, come Starcastle e Happy the Man, rimasero limitati alle loro regioni geografiche. Questo è almeno in parte dovuto alle differenze dell’industria musicale tra gli Stati Uniti e la Gran Bretagna. Furono coinvolti anche fattori culturali, dato che i musicisti statunitensi tendevano a provenire da un background blues, mentre gli europei tendevano ad avere una base di musica classica. I gruppi e gli artisti nordamericani di rock progressivo spesso rappresentavano stili ibridi come i complessi arrangiamenti dei Rush, l’hard rock di Captain Beyond, il prog con sfumature southern rock dei Kansas, la fusione jazz di Frank Zappa e dei Return to Forever, e l’eclettica fusione dei Dixie Dregs, tutti strumentali. Il progressive rock britannico ha avuto il suo maggior successo negli Stati Uniti nelle stesse aree geografiche in cui i gruppi heavy metal britannici hanno avuto la loro massima popolarità. La sovrapposizione del pubblico portò al successo di gruppi rock da arena, come Boston, Kansas e Styx, che combinavano elementi dei due stili.
Il rock progressivo raggiunse la popolarità nell’Europa continentale più rapidamente di quanto fece negli Stati Uniti. L’Italia rimase generalmente disinteressata alla musica rock fino a quando la forte scena rock progressiva italiana si sviluppò nei primi anni ’70. Pochi gruppi europei ebbero successo al di fuori dei loro paesi, con le eccezioni di gruppi olandesi come i Focus e i Golden Earring che scrissero testi in inglese, e gli italiani Le Orme e PFM, i cui testi in inglese furono scritti rispettivamente da Peter Hammill e Peter Sinfield. Alcune band europee suonavano in uno stile derivato dalle band inglesi. La scena della “Kosmische music” in Germania venne etichettata come “krautrock” a livello internazionale ed è variamente vista come parte del genere progressive rock o come un fenomeno completamente distinto. I gruppi krautrock come i Can, che includevano due membri che avevano studiato sotto Karlheinz Stockhausen, tendevano ad essere più fortemente influenzati dalla musica classica del XX secolo rispetto ai gruppi prog britannici, il cui vocabolario musicale tendeva più verso l’era romantica. Molti di questi gruppi furono molto influenti anche tra le band che avevano poco entusiasmo per la varietà sinfonica del rock progressivo.
Progressive soulModifica
Concretamente, i musicisti popolari afro-americani attinsero all’approccio concettuale del rock progressivo orientato all’album. Questo portò a un movimento progressive-soul negli anni ’70 che ispirò una ritrovata musicalità sofisticata e un lirismo ambizioso nel pop nero. Tra questi musicisti c’erano Sly Stone, Stevie Wonder, Marvin Gaye, Curtis Mayfield e George Clinton. Nel discutere lo sviluppo, Martin cita gli album degli anni Settanta di Wonder (Talking Book, Innervisions, Songs in the Key of Life), War (All Day Music, The World Is a Ghetto, War Live) e degli Isley Brothers (3 + 3), mentre nota che anche Who Are You (1978) degli Who, influenzato dal rock progressivo, attinse alla variante soul. Dominic Maxwell del Times chiama gli album di Wonder della metà degli anni ’70 “prog soul del più alto ordine, spingendo la forma ma sempre sentita, ambiziosa e ascoltabile”.
Declino e frammentazioneModifica
Le tendenze politiche e sociali della fine degli anni ’70 si allontanarono dagli atteggiamenti hippie dei primi anni ’70 che avevano portato allo sviluppo e alla popolarità del genere. L’aumento del cinismo punk rese fuori moda gli ideali utopici espressi nei testi del rock progressivo. Il virtuosismo fu rifiutato, poiché la spesa per l’acquisto di strumenti di qualità e l’investimento di tempo per imparare a suonarli erano visti come barriere all’energia e all’immediatezza del rock. Ci furono anche cambiamenti nell’industria musicale, poiché le case discografiche scomparvero e si fusero in grandi conglomerati mediatici. Promuovere e sviluppare la musica sperimentale non faceva parte della strategia di marketing di queste grandi corporazioni, che concentravano la loro attenzione sull’identificazione e il targeting di nicchie di mercato redditizie.
Quattro delle band di maggior successo del progressive rock – King Crimson, Yes, ELP e Genesis – andarono in pausa o subirono importanti cambiamenti di personale durante la metà degli anni ’70. Macan nota lo scioglimento dei King Crimson nel settembre 1974 come particolarmente significativo, definendolo il punto in cui “tutte le band inglesi del genere avrebbero dovuto cessare di esistere”. Altri gruppi importanti, tra cui Van der Graaf Generator, Gentle Giant e U.K., si sciolsero tra il 1978 e il 1980. Molte band avevano raggiunto a metà degli anni Settanta il limite di quanto potevano sperimentare in un contesto rock, e i fan si erano stancati delle composizioni epiche ed estese. I suoni dell’Hammond, del Minimoog e del Mellotron erano stati esplorati a fondo, e il loro uso divenne cliché. Quei gruppi che continuarono a registrare spesso semplificarono il loro suono, e il genere si frammentò dalla fine degli anni ’70 in poi. Secondo l’opinione di Robert Fripp, una volta che il “progressive rock” cessò di coprire un terreno nuovo – diventando un insieme di convenzioni da ripetere e imitare – la premessa del genere aveva cessato di essere “progressivo”.
L’era delle etichette discografiche che investivano nei loro artisti, dando loro libertà di sperimentare e un controllo limitato sui loro contenuti e sul marketing, finì con la fine degli anni Settanta. Gli artisti aziendali e il personale di repertorio esercitarono una quantità crescente di controllo sul processo creativo che prima era appartenuto agli artisti, e gli artisti affermati furono spinti a creare musica con armonie e strutture di canzoni più semplici e meno cambiamenti di metro. Un certo numero di gruppi pop sinfonici, come Supertramp, 10cc, l’Alan Parsons Project e l’Electric Light Orchestra, portarono gli arrangiamenti in stile orchestrale in un contesto che enfatizzava i singoli pop pur permettendo occasionali istanze di esplorazione. Jethro Tull, Gentle Giant e Pink Floyd optarono per un suono più duro nello stile dell’arena rock. Il supergruppo U.K., di breve durata, fu una notevole eccezione, dato che i suoi membri avevano una reputazione consolidata; produssero due album che erano stilisticamente simili agli artisti precedenti e fecero poco per far progredire il genere. Parte dell’eredità del genere in questo periodo fu la sua influenza su altri stili, dato che diversi chitarristi europei portarono un approccio rock progressivo all’heavy metal e gettarono le basi per il progressive metal. Michael Schenker, degli UFO, e Uli Jon Roth, che sostituì Schenker negli Scorpions, ampliarono il vocabolario modale a disposizione dei chitarristi. Roth ha studiato musica classica con l’intento di usare la chitarra nel modo in cui i compositori classici usavano il violino. Infine, gli olandesi Alex e Eddie Van Halen, nati e formati classicamente, formarono i Van Halen, caratterizzati da performance di chitarra whammy-bar, tapping e cross-picking rivoluzionarie che influenzarono la musica “shred” negli anni ’80.
CommercializzazioneModifica
– John Covach
Alcuni artisti affermati si sono spostati verso una musica più semplice e più commerciabile. Gruppi rock da stadio come Journey, Kansas, Styx, GTR, ELO e Foreigner avevano iniziato come gruppi di rock progressivo o includevano membri con forti legami con il genere. Questi gruppi mantennero parte della complessità delle canzoni e degli arrangiamenti in stile orchestrale, ma si allontanarono dal misticismo lirico in favore di temi più convenzionali come le relazioni. I Genesis si trasformarono in un pop di successo, e i riformati Yes pubblicarono il relativamente mainstream 90125 (1983), che produsse il loro unico singolo americano numero uno, “Owner of a Lonely Heart”. Questi gruppi radio-friendly sono stati chiamati “prog lite”. Un gruppo che rimase di successo negli anni ’80 pur mantenendo un approccio progressivo fu quello dei Pink Floyd, che pubblicarono The Wall alla fine del 1979. L’album, che portò la rabbia punk nel rock progressivo, fu un enorme successo e fu poi ripreso come Pink Floyd – The Wall.
Post-punk e post-progressiveModifica
Punk e prog non erano necessariamente così opposti come si crede comunemente. Entrambi i generi rifiutano il commercialismo, e le band punk vedevano la necessità di un avanzamento musicale. L’autore Doyle Green ha notato che il post-punk è emerso come “una sorta di ‘punk progressivo'”. Gli artisti post-punk rifiutarono gli alti riferimenti culturali degli artisti rock degli anni ’60 come i Beatles e Bob Dylan, così come i paradigmi che definivano il rock come “progressivo”, “arte” o “perfezionismo da studio”. In contrasto con il punk rock, bilancia l’energia e lo scetticismo del punk con la coscienza della scuola d’arte, lo sperimentalismo dadaista e i paesaggi sonori atmosferici e ambientali. La musica del mondo, specialmente le tradizioni africane e asiatiche, fu anche una grande influenza. L’impatto del rock progressivo fu sentito nel lavoro di alcuni artisti post-punk, anche se essi tendevano a non emulare il rock classico o i gruppi di Canterbury, ma piuttosto i Roxy Music, i King Crimson, e i gruppi krautrock, in particolare i Can. La musica dei Punishment of Luxury prendeva in prestito sia dal progressive che dal punk rock, mentre gli Alternative TV, che erano guidati dal fondatore dell’influente fanzine punk Sniffin’ Glue Mark Perry, andarono in tour e pubblicarono uno split album dal vivo con i Gong di Here & Now.
Il termine “post-progressivo” identifica il rock progressivo che ritorna ai suoi principi originali pur dissociandosi dagli stili prog degli anni ’70, e può essere collocato dopo il 1978. Martin attribuisce a Brian Eno dei Roxy Music il ruolo di catalizzatore più importante del sottogenere, spiegando che la sua produzione del 1973-77 fondeva aspetti del progressive rock con una nozione preveggente di new wave e punk. La new wave, che emerse intorno al 1978-79 con alcuni degli stessi atteggiamenti ed estetica del punk, fu caratterizzata da Martin come “progressive” moltiplicato per “punk”. Le band del genere tendevano ad essere meno ostili verso il rock progressivo rispetto ai punk, e ci furono crossover, come il coinvolgimento di Fripp ed Eno con i Talking Heads, e la sostituzione di Rick Wakeman e Jon Anderson con il duo pop dei Buggles da parte degli Yes. Quando i King Crimson si riformarono nel 1981, pubblicarono un album, Discipline, che secondo Macan “inaugurò” il nuovo stile post-progressivo. La nuova formazione dei King Crimson includeva il chitarrista e cantante Adrian Belew, che collaborò anche con i Talking Heads, suonando dal vivo con la band e partecipando al loro album del 1980 Remain in Light. Secondo Martin, i Talking Heads crearono anche “un tipo di musica new-wave che era la perfetta sintesi dell’urgenza e dell’attitudine punk e della raffinatezza e creatività del progressive-rock. Una buona parte del rock più interessante dopo quel periodo è chiaramente musica ‘post-Talking Heads’, ma questo significa che è anche rock post-progressivo.”
Rock neo-progressivoModifica
Una seconda ondata di gruppi di rock progressivo apparve nei primi anni ’80 e da allora sono stati classificati come un sottogenere separato “neo-progressive rock”. Queste band, in gran parte basate sulla tastiera, suonavano composizioni estese con strutture musicali e liriche complesse. Molte di queste band sono state firmate da grandi etichette discografiche, tra cui Marillion, IQ, Pendragon e Pallas. La maggior parte dei principali gruppi del genere pubblicarono album di debutto tra il 1983 e il 1985 e condivisero lo stesso manager, Keith Goodwin, un pubblicitario che era stato determinante nella promozione del rock progressivo durante gli anni settanta. Le band del decennio precedente ebbero il vantaggio di apparire durante un importante movimento controculturale che fornì loro un grande pubblico potenziale, ma le band neo-progressive erano limitate ad un pubblico relativamente di nicchia e trovarono difficile attrarre un seguito. Solo i Marillion e i Saga sperimentarono il successo internazionale.
Le band neo-progressive tendevano ad usare i Genesis dell’era di Peter Gabriel come loro “modello principale”. Erano anche influenzati dal funk, dall’hard rock e dal punk rock. La band di maggior successo del genere, i Marillion, soffriva particolarmente delle accuse di somiglianza con i Genesis, anche se usavano uno stile vocale diverso, incorporavano più elementi hard rock ed erano molto influenzati da band come Camel e Pink Floyd. Gli autori Paul Hegarty e Martin Halliwell hanno sottolineato che le band neo-progressive non stavano tanto plagiando il rock progressivo, ma stavano creando un nuovo stile da elementi di rock progressivo, proprio come le band di un decennio prima avevano creato un nuovo stile da elementi jazz e classici. L’autore Edward Macan controbatte facendo notare che queste band erano almeno parzialmente motivate da un desiderio nostalgico di preservare uno stile passato piuttosto che da una spinta all’innovazione.
Anni ’90-2000Modifica
Terza ondataModifica
Una terza ondata di gruppi rock progressivi, che può anche essere descritta come una seconda generazione di band neo-progressive, emerse negli anni ’90. L’uso del termine “progressive” per descrivere gruppi che seguono lo stile di band di dieci o venti anni prima è in qualche modo controverso, poiché è stato visto come una contraddizione dello spirito di sperimentazione e progresso. Questi nuovi gruppi furono aiutati in parte dalla disponibilità di studi di registrazione basati su personal computer, che ridussero le spese di produzione degli album, e da Internet, che rese più facile per i gruppi fuori dal mainstream raggiungere un pubblico diffuso. I negozi di dischi specializzati in rock progressivo apparvero nelle grandi città.
La musica shred degli anni ’80 fu una grande influenza sui gruppi di rock progressivo degli anni ’90. Alcuni dei gruppi più recenti, come i Flower Kings, gli Spock’s Beard e i Glass Hammer, suonavano un prog sinfonico stile anni ’70 ma con un suono aggiornato. Un certo numero di loro cominciò ad esplorare i limiti del CD nel modo in cui i gruppi precedenti avevano teso i limiti dell’LP in vinile.
Progressive metalModifica
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Il rock progressivo e l’heavy metal hanno una linea temporale simile. Entrambi sono emersi dalla psichedelia della fine degli anni ’60 per raggiungere un grande successo all’inizio degli anni ’70 nonostante la mancanza di trasmissione radiofonica e di supporto da parte della critica, poi sono svaniti nella metà e nella fine degli anni ’70 e hanno sperimentato un revival nei primi anni ’80. Ogni genere sperimentò una frammentazione di stili in questo periodo, e molte band metal dalla nuova ondata di heavy metal britannico – in particolare gli Iron Maiden – in poi mostrarono influenze progressive rock. Il progressive metal raggiunse un punto di maturità con il concept album Operation del 1988 dei Queensrÿche: Mindcrime, Nothingface dei Voivod del 1989, che presentava testi astratti e una struttura simile ai King Crimson, e Images and Words dei Dream Theater del 1992.
Elementi di rock progressivo appaiono in altri sottogeneri del metal. Il black metal è concettuale per definizione, a causa del suo tema prominente di mettere in discussione i valori della cristianità. Le sue voci gutturali sono talvolta utilizzate da gruppi che possono essere classificati come progressive, come Mastodon, Mudvayne e Opeth. Il metal sinfonico è un’estensione della tendenza ai passaggi orchestrali nel primo rock progressivo. Il rock progressivo è servito anche come ispirazione chiave per generi come il post-rock, il post-metal e il metal d’avanguardia, il math rock, il power metal e il metal neoclassico.
New progEdit
New prog descrive l’ondata di band progressive rock degli anni 2000 che hanno fatto rivivere il genere. Secondo Evan Serpick di Entertainment Weekly: “Insieme a recenti storie di successo come i System of a Down e band emergenti come i Dillinger Escape Plan, Lightning Bolt, Coheed and Cambria e i Mars Volta creano una musica incredibilmente complessa e inventiva che suona come una versione più pesante e aggressiva di colossi degli anni ’70 come Led Zeppelin e King Crimson.”
2010sEdit
I Progressive Music Awards sono stati lanciati nel 2012 dalla rivista britannica Prog per onorare gli artisti affermati del genere e promuovere le nuove band. I premiati, tuttavia, non sono invitati ad esibirsi alla cerimonia di premiazione, poiché i promotori vogliono un evento “che non duri tre settimane”.