Todas las películas de Quentin Tarantino clasificadas de peor a mejor

Desde que irrumpió en la escena en 1992 con Reservoir Dogs, Quentin Tarantino ha sido uno de los cineastas más notorios y divisivos de Estados Unidos. Con un conocimiento extraordinario, Tarantino pasó de ser un guionista a un director con una voz y un estilo propios, a pesar de haber generado muchos imitadores. Mientras que algunos consideran que las películas de Tarantino no son más que bromas y violencia, sus películas suelen tener más en cuenta la observación, la consecuencia, la moralidad y la civilización. Puede que se ría en tiempos de guerra y esclavitud, pero sus películas tienen intereses muy reales y una profunda inversión en sus personajes, sin importar lo monstruosos que sean. Hay una razón por la que él y sus películas han seguido siendo una presencia viva en el cine estadounidense durante más de un cuarto de siglo.

He vuelto a ver todos los largometrajes de Tarantino estrenados en salas y los he clasificado. Aunque Tarantino califica a Kill Bill como una sola película, hasta que no haga un lanzamiento amplio de «The Whole Bloody Affair», las califico tal y como se pusieron a la venta en el lanzamiento amplio y en el entretenimiento doméstico: como dos películas separadas.

10) Los odiosos ocho

El filósofo Thomas Hobbes escribió que «la vida del hombre, solitaria, pobre, desagradable, brutal y corta.» Probablemente Hobbes sería un fan de Los odiosos ocho, la película más mala, fea y cínica de Tarantino con diferencia. El título nos hace saber que se supone que esta gente no debe gustarnos, y las películas no necesitan necesariamente a alguien a quien apoyar, siempre que los personajes sean convincentes. Tarantino realmente se pone a prueba con lo de «convincente», ya que nos debatimos entre personajes carismáticos que son también diferentes grados de monstruosidad.

El sombrío corazón de Los odiosos ocho es que las personas se destruirán unas a otras, y la única confianza está en el interés mutuo. El comienzo de la película lo pone de manifiesto, ya que John Ruth (Russell) sólo toma decisiones en función de si los intereses de otra persona coinciden con los suyos. No hay compasión, ni empatía, ni confianza, sólo interés propio, lo que crea un mundo frío y pequeño, que Tarantino elige representar en 70 mm por alguna extraña razón. El alcance épico, tanto visualmente como en términos de narrativa, termina trabajando en contra de la pequeña y mezquina narrativa que Tarantino urde, convirtiendo lo que debería ser un thriller con garra en un tortuoso atasco.

Lo que resulta tan frustrante de Los odiosos ocho es que sus temas son dolorosamente relevantes, y se sienten como una continuación de la fascinante dinámica de poder racial que Tarantino exploró en Django desencadenado. Pero las trampas de la película dan la sensación de que el guionista-director se ha excedido, de modo que al repetir el visionado, Hateful Eight pierde toda su tensión. Sí, tiene sentido que Ruth se presente a todo el mundo en la Mercería de Minnie, pero se hace eterno y ese tipo de ritmo lento convierte una historia lánguida en una historia letárgica. No me disgusta Hateful Eight, pero es la única película de Tarantino que no tengo ganas de volver a ver.

9) Death Proof

Hay algunas cosas que me encantan de Death Proof, la mitad de Tarantino de la película doble de 2007 Grindhouse que hizo con Robert Rodríguez. Me encanta cómo invierte la relación depredador-presa entre sus dos mitades, que se salvan con una escena de muerte realmente impactante. Tarantino se pasa toda la primera mitad haciendo que te involucres en este trío de mujeres y en su viaje y como individuos. Puede que no pienses que son grandes personas, pero te las crees como gente con sus propios viajes y sueños. Y entonces aparece el doble de Mike (Kurt Russell) -encantador, poderoso y peligroso- para asesinar a las personas que creíamos que eran los protagonistas de nuestra historia. A continuación, cambiamos a cuatro mujeres que no conocemos, pero esta vez, Tarantino lo invierte para que no sólo el Stuntman Mike no se salga con la suya al matarlas, sino que quede expuesto como el cobarde que es.

Mi principal problema con Death Proof es que se siente confundida por ser parte de Grindhouse. La primera mitad de la película parece que Tarantino sigue jugando con las reglas del juego con la película dañada, el montaje abrupto, el rollo «perdido», etc. Pero al llegar a la segunda mitad de la película, esos guiños están prácticamente ausentes. Ahora Tarantino juega limpio, y quizás sea porque está invirtiendo la típica película grindhouse o quizás simplemente esté más interesado en contar esta historia, por lo que prescinde de la distracción de los daños falsos de la película, pero en cualquier caso, lo que había sido un elemento fundacional al principio se descarta para empezar de nuevo, como la propia narrativa. Desde la perspectiva de la historia, funciona, pero tonalmente, se siente discordante con el elemento general «grindhouse».

También hay algunos elementos que se tambalean en el camino, como la forma en que su mensaje de empoderamiento femenino se ve socavado por Abernathy (Rosario Dawson) y sus amigos dejando a Lee (Mary Elizabeth Winstead) con el espeluznante Jasper (Jonathan Loughran), o cómo es difícil divorciar la obsesión visual de Tarantino con los pies del horrible accidente que termina con una pierna cortada. Y luego está toda la calidad confesional del asunto. Hubo una maniobra de coche en Kill Bill que salió mal y dejó gravemente herida a Uma Thurman, y luego Tarantino utilizó a su doble de acción, Zoe Bell, en una pieza épica que incluía una peligrosa maniobra de coche en Death Proof. Es a la vez confesional y sublimado, ya que Tarantino admite a través de la película lo que no admitiría por escrito durante más de una década después.

8) Kill Bill Vol. 1

Como película de acción directa y ligera de subtexto, Kill Bill Vol. 1 es muy divertida. Es prácticamente una caricatura y una carta de amor a las películas de acción japonesas. Es deslumbrante en cuanto a la coreografía de acción, tiene algunas de las mejores agujas de toda la filmografía de Tarantino, y hay una alegría en ella a pesar de la venganza a sangre fría que corre por sus venas. También demuestra que Uma Thurman (y su doble de acción Zoe Bell) es una de las mejores estrellas de acción del siglo XXI aunque ningún otro director haya podido darse cuenta de ello.

El problema con el Volumen 1 es que todo el peso emocional y la recompensa está en el Volumen 2, así que en realidad en el primer volumen sólo tienes la alegría de la venganza. La búsqueda de la novia rara vez se cuestiona, así que sólo estamos en este paseo de asesinatos. Para ser justos, Tarantino deja caer indicios sobre el vacío de la venganza a lo largo del camino, desde la hija de Vernita que presencia la muerte de su madre hasta O-Ren, su propio viaje de venganza que la lleva hasta la cima del mundo del crimen de Tokio sólo para ser derribada por alguien en su propio camino de venganza. Pero esto es más bien un parpadeo que el verdadero ajuste de cuentas que conlleva el viaje de la Novia.

Lo difícil de las películas de Kill Bill es que, en cierto modo, son drásticamente distintas. No hay que confundir las dos en términos de estilo o tono, pero en términos de narrativa, se necesita el Volumen 2 para compensar el Volumen 1 porque por sí solo, el Volumen 1 es sólo un montón de violencia alegre sin el peso emocional que se ve en las películas «completas» de Tarantino. Thurman hace todo lo posible por aportar esa gravedad, y la escena en la que busca su embarazo perdido es devastadora. Pero todo eso se pierde entre Gogo Yubari (Chiaki Kuriyama) lanzando una bola asesina y los litros de sangre que se esparcen por toda la Casa de las Hojas Azules.

7) Kill Bill Vol. 2

Aunque sigue teniendo un par de golpes de acción, todavía me sorprende lo diferente que es el Volumen 2 del Volumen 1. Mientras que el Volumen 1 se centra en la acción, el Volumen 2 es en gran parte conversacional. Pero también se puede ver la forma completa de la película, y lo que Tarantino ha intentado es algo experimental. Intenta contar la historia de Beatrix Kiddo sin que ésta haga nada más que conducir para vengarse. En lugar de ello, sigue siendo un poco una cifra, y las personas a las que derrota nos hablan de ella. Matar a Vernita (Vivica A. Fox) nos dice que a Beatrix no le importa la familia desde que esa vida le fue (aparentemente) arrancada. La historia de fondo de O-ren (Lucy Liu) probablemente tenga alguna similitud con la de Beatrix y muestra de qué sería capaz Beatrix si quisiera ser un capo del hampa.

Pero cuando se llega al Volumen 2, las cosas empiezan a ponerse introspectivas. La película empieza a apoyarse mucho en los espejos con la relación entre Budd y Bill (siendo los dos hermanos) y Elle y Beatrix. Budd es una especie de criatura patética. Es perezoso, indiferente y egoísta, y probablemente sea un buen sustituto de lo que Beatrix piensa de Bill antes de que vuelvan a estar juntos en el acto final. Mientras tanto, Elle es toda la rabia de Beatrix, y tiene que dejar atrás esa parte de sí misma -gritando, maldiciendo y ciega- para poder terminar su búsqueda.

Todavía hay toques campestres a lo largo de la película que recuerdan a las películas cursis de artes marciales que Tarantino claramente ama, pero aprecio que el Volumen 2 realmente intente sumergirse en la relación entre Bill y Beatrix para mostrar cómo está fundamentalmente rota y, sin embargo, el amor permanece entre estas dos personas por muy retorcido que sea. Sigo pensando que la película podría ir más allá de sus influencias de género, y a veces se queda atrapada entre la película de venganza y la deconstrucción de la misma, pero al menos Volumen 2 tiene algo de subtexto de carácter para masticar y ofrece algo más que salpicaduras.

6) Once Upon a Time in…Hollywood

Esto es lo más cerca que ha estado Tarantino de hacer una película para pasar el rato. A diferencia de sus otras películas, aquí nadie tiene prisa por llegar a ninguna parte. Toda la tensión dramática proviene de la Familia Manson que acecha en los bordes de la narración, pero el foco de la historia está realmente en tres personas que sólo intentan abrirse camino en Los Ángeles de 1969. Tenemos a Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor de televisión fracasado que lucha por encontrar cualquier papel que pueda; Cliff Booth (Brad Pitt), el simpático doble de Rick que ha sido expulsado de la industria por sus propias razones; y Sharon Tate (Margot Robbie), que representa el futuro de Hollywood y, según cuenta la historia, un futuro que nunca se realizó porque ella, junto con tres de sus amigos y su hijo no nacido, fueron asesinados por la Familia Manson.

Para Tarantino, Once Upon a Time in…Hollywood representa una especie de último hurra, y está claro que mira la agitación de la industria actual a las transiciones de 1969. Se puede sentir el parentesco que tiene con Rick y Cliff, y aunque no hay enemistad con Sharon, también la mantiene a distancia. Nunca llegamos a saber quién es ella o qué quiere más allá de ser una estrella emergente y una persona agradable, por lo que nuestra lealtad está con Rick y Cliff, veteranos que ven pasar el mundo y quieren encontrar la manera de seguir haciendo lo que les gusta. Y la película simplemente deambula en torno a ellos de una manera que quizá no tenga mucho empuje pero que sigue siendo agradable y placentera.

Pero sigue estando la Sharon Tate de todo esto, y ahí es donde me quedo con esta película. Tal vez funcione mejor en la repetición de visionados, pero por ahora, el final se me atasca. Está claro que Tarantino no sabe muy bien cómo resolver la fea realidad con su agradable Hollywood, así que opta por el cuento de hadas, que tiene sus ventajas, pero también conlleva un sentimiento de culpa. Once Upon a Time in…Hollywood te pide en todo momento que te evadas hacia el ídolo de Tarantino, pero para cuando la película llega a sus créditos finales, sientes que te has pasado de la raya.

5) Django Desencadenado

Django Desencadenado es la primera película que Tarantino realiza sin su editora de toda la vida, Sally Menke, que lamentablemente falleció en 2010. Se nota su ausencia, ya que Django Desencadenado no es tan ajustada como las otras películas de Tarantino. Con dos horas y cuarenta y cinco minutos, esta fue la película más larga de Tarantino hasta la fecha, y aunque no hay ninguna escena que merezca ser cortada directamente (algunos argumentarían que es la escena de la bolsa, pero yo echaría de menos la hilaridad y la forma en que se vincula con los temas más amplios de la película), es una película que realmente disfruta de la longitud de las escenas y de cada plano hasta donde la película comienza a perder su urgencia.

Afortunadamente, Django cuenta con algunos de los trabajos temáticos más fuertes de Tarantino, ya que señala las dinámicas de poder racial con los adornos de un spaghetti western. La película está fascinada con lo que significa ser «civilizado», desgarrando constantemente las normas sociales que no se cuestionan. Incluso el heroico Dr. King Schultz (Waltz) participa en una práctica bárbara de asesinato, pero como ese asesinato está sancionado por el Estado, no sólo es libre de hacerlo, sino que recibe un buen sueldo. La película parte de la obviedad de que la esclavitud es mala, pero busca explorar quién se beneficia de ella y ve toda una sociedad podrida en la que puedes tener a un tipo como Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) en la cima, pero todos, desde su abogado (Dennis Christopher) hasta el humilde manipulador de perros (David Steen), necesitan esta casta racial opresiva para existir.

Django (Jamie Foxx) es un personaje revolucionario porque existe fuera de estos límites, liberado de la esclavitud y luego dotado de las herramientas para promulgar su propósito de salvar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington). Mientras que el resto de los personajes se revuelcan en la mugre de la sociedad americana, Django se convierte en una figura mítica, excepcional a todas luces y que sabe que la única manera de enfrentarse a una sociedad tan corrupta es quemándola toda.

4) Reservoir Dogs

La mayoría de los directores se conformarían con hacer una película tan buena como Reservoir Dogs en toda su filmografía y mucho menos que fuera su debut en el largometraje. En el caso de Tarantino, no es su mejor película, pero no se podría pedir una introducción más segura y confiada. Tiene todas las señas de identidad por las que Tarantino se daría a conocer, pero toca temas a los que Tarantino volvería al centrarse en las dinámicas de poder, la masculinidad y la autodestrucción.

Por supuesto, esos son los elementos que no saltan a la vista al principio. Lo que notas son tipos guays con trajes guays hablando como nos gustaría poder hacerlo con nuestros amigos. Definitivamente hay cierta sobrecompensación aquí con el trozo inicial de Tarantino sobre lo que realmente es «Like a Virgin» (una tendencia que superó rápidamente, afortunadamente), pero la película funciona maravillosamente porque en lugar de sostener a su grupo de ladrones como el epítome de lo cool, ha hecho una película sobre derribarlos. No es un error que la película comience con los tipos riendo, bromeando, lanzando frases como «Si me disparas en un sueño será mejor que te despiertes y te disculpes», y que en la siguiente escena uno de ellos esté gritando de dolor y desangrándose.

Lo que hace Reservoir Dogs, y que tanto los fans como los detractores de Tarantino pasan por alto, es que debajo de las palabrotas, los diálogos ingeniosos, las estupendas agujas y las excelentes interpretaciones, es que Tarantino no admira a este tipo de personajes. Los considera trágicos en el mejor de los casos y grotescos en el peor. La línea entre un Sr. Blanco (Harvey Keitel), que no cree que los policías cuenten como «personas reales», y el Sr. Rubio (Michael Madsen), que está dispuesto a torturar a un policía sólo por diversión, no es tan clara. Son un grupo de asesinos y ladrones, y aunque se puede protestar por lo contrario -las cómicas protestas de «¡Soy un profesional!» del Sr. Pink (Steve Buscemi) ilustran esta inutilidad- al final todos están muertos o capturados. Citando a Freddy Newandyke (Tim Roth), «No saben. No saben una mierda… Se creen cada puta palabra porque eres superguay».

3) Pulp Fiction

La película que convirtió a Tarantino en un nombre conocido sigue siendo un hito, y por una buena razón. En muchos sentidos, da la sensación de que Tarantino refina y amplía el talento que mostró en Reservoir Dogs. Sigue habiendo criminales con trajes en blanco y negro y siguen disparando a la mierda en su camino para cometer crímenes, pero hay más profundidad y matices en Jules (Samuel L. Jackson en el papel que debería haberle hecho ganar un Oscar, sin faltar al respeto al ganador del premio al mejor actor de reparto de ese año, Martin Landau) y Vincent (John Travolta) que en cualquiera de los ladrones de la primera película de Tarantino.

Un segundo largometraje no debería ser tan descarado y seguro como Pulp Fiction, pero Tarantino sabe exactamente lo que quiere hacer y no tiene reservas para impulsar su estilo. Es una película que lanza constantemente bolas curvas al público, pero esa es la cuestión. Todos los personajes principales de esta película creen tener las cosas totalmente resueltas y saben cómo se juega. Están completamente seguros de su estilo de vida y de lo que hacen, y entonces llega Tarantino para estropearlo todo y ver lo que realmente son estos personajes.

Por eso el final de la película es una de mis escenas favoritas de todos los tiempos. Por fin tienes a uno de los personajes, Jules, examinando su postura y dándose cuenta de que no lo tiene todo resuelto y que tiene que encontrar un nuevo camino. Termina la película con una nota tan alta que me hace olvidar los puntos débiles de «La guardia del oro», que tiene un comienzo estupendo con el monólogo de Christopher Walken, pero nunca puedo hacerme cargo de Butch (Bruce Willis), cuyo viaje siempre resulta egoísta y luego conlleva una asquerosa dinámica de poder racial cuando rescata a Marcellus (Ving Rhames). Es un tropiezo notable en una película que suele ser segura.

2) Malditos bastardos

La primera de las películas de Tarantino que reescribe la historia, Inglourious Basterds muestra una notable madurez del director sin dejar de mantener su voz y su estilo. Es una película mucho más controlada y dispuesta a deleitarse con largas conversaciones. Utiliza las nociones de lo observado y lo no observado (todo el mundo ofrece un espectáculo para los demás en esta película) para, en última instancia, hacer una película sobre el cine. Y, sin embargo, nunca se siente arrogante en su escenario de la Segunda Guerra Mundial. Tarantino sabe lo espantosa y fea que puede ser la guerra -y especialmente el Holocausto-, pero en lugar de mostrarla directamente, opta por sumergirse en las dinámicas de poder que pueden destruirse a través de la actuación.

Lo que hace que «Inglourious» sea tan fascinante es que Tarantino juega con sus puntos fuertes, pero llevando claramente su juego al siguiente nivel. La conversación inicial entre Hans Landa (Christoph Waltz) y el granjero (Denis Ménochet) es tan tensa que te olvidas de respirar hasta que termina. Y entonces Tarantino da un buen respiro con los Basterds y una de las mejores interpretaciones de Brad Pitt como el teniente Aldo Raine. Pero es fascinante ver cómo la película se superpone continuamente a sí misma y ver cómo se hacen representaciones (los bastardos dejando una masacre a su paso) y se borran (el simple hecho de levantar los tres dedos equivocados).

Y, sin embargo, el corazón de la película es Shoshanna (Mélanie Laurent), una mujer judía que se hace pasar por gentil y que no sólo gana la guerra (el chiste se convierte en que el trabajo de los basterds es un ensañamiento literal y figurado), sino que también muestra el poder duradero del cine. Incluso después de muerta, su rostro fantasmal se ríe de sus víctimas, mostrándoles «la cara de la venganza judía», mientras se queman vivas. Para Tarantino, no hay símbolo más potente que utilizar el cine para derrotar a los enemigos y dejar que ese legado perdure.

1) Jackie Brown

Los detractores de Tarantino dirán que es revelador que su mejor película sea una adaptación, pero yo diría que Jackie Brown muestra una notable cantidad de audacia por parte del director. Sí, está basada en la novela Rum Punch de Elmore Leonard, pero sigue siendo inconfundiblemente una película de Tarantino, a la vez que empuja al director fuera de su zona de confort. Aunque estoy seguro de que existía la tentación de hacer más de lo mismo tras el éxito masivo de Pulp Fiction, Tarantino tomó una dirección drásticamente diferente sin dejar de lado los temas que exploró en sus dos primeros largometrajes.

Lo que se nota inmediatamente en Jackie Brown es cómo Tarantino reajusta todo su estilo porque en lugar de coger a gente guay y destrozarla, su protagonista es una desvalida que va a demostrar que es la persona más guay de toda la película. Eso significa que tiene que haber un acto de equilibrio que muestre a Jackie (Pam Grier, que hace una interpretación increíble) como abrumada y oprimida, pero también lo suficientemente segura de sí misma como para poder llevar a cabo una travesura bastante compleja. Los créditos iniciales de la película lo dicen todo, ya que casi te cuentan la historia de la vida de Jackie sin una sola línea de diálogo mientras la llevan a cuestas, y luego van a contracorriente (un plano brillante con Jackie yendo en una dirección y todos los extras caminando en otra) antes de apresurarse a hacer su entrada, mostrando que está luchando sólo para mantenerse en estos días. Ese tipo de dirección magistral se mantiene a lo largo de Jackie Brown.

Pero lo que hace que Jackie Brown sea tan especial es que es un romance. Por supuesto, todavía hay algo de violencia y Ordell (Samuel L. Jackson) soltando la palabra «n», pero el corazón de la película es la relación entre Jackie y Max Cherry (Robert Forster). Hasta este momento, Tarantino había escrito personajes que llamaban la atención, pero no eran personas a las que pudieras apoyar de verdad. La relación entre Jackie y Max es lo que te anima, y es parte de lo que hace que el final sea tan desgarrador, ya que tienes a dos personas que son lo suficientemente mayores como para saber que quieren cosas diferentes, y saben que no pueden pedirle al otro que renuncie a lo que quiere. Es precioso.