Jazz para principiantes: 20 álbumes esenciales para una guía introductoria

Hemos enumerado estos álbumes cronológicamente, para que pueda tener una idea de la progresión del jazz a través de los años. Si tienes algún álbum que consideres esencial para el jazz para principiantes, háznoslo saber en la sección de comentarios.

Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de Jazz para principiantes aquí, y desplázate hacia abajo para leer nuestra guía introductoria de 20 álbumes de jazz esenciales.

Jazz para principiantes: 20 álbumes esenciales para una guía introductoria

Louis Armstrong: Satchmo At Symphony Hall (Decca, 1951)

Uno de los padres fundadores del jazz, la sensación de la trompeta y el cantante de voz grave Louis «Satchmo» Armstrong se convirtió en una figura embajadora del género en sus últimos años. Grabó este memorable concierto a la edad de 46 años, en Boston, durante noviembre de 1947. Aunque el bebop empezaba a hacerse notar en el mundo del jazz, todavía había espacio para Satchmo y su auténtico jazz al estilo de Nueva Orleans, como atestiguan las salas de conciertos llenas. Satchmo At Symphony Hall contiene algunos de los temas fundamentales de Armstrong y le presenta al frente de una banda de siete músicos que incluye a Jack Teagarden al trombón. No se publicó hasta 1951, cuando apareció como un conjunto de 2LP.
Corte clave: ‘Royal Garden Blues’

Thelonious Monk: Genius Of Modern Music Volume 2 (Blue Note, 1952)

El avanzado lenguaje musical de Thelonious Sphere Monk -con melodías angulosas y disonancias inusuales- se consideró controvertido cuando apareció por primera vez en la escena del jazz de Nueva York a finales de los años 40. Blue Note Records, sin embargo, admiraba su individualidad y se arriesgó con él, grabando un puñado de singles de 78rpm de 10″ que finalmente se recopilaron en dos álbumes. El segundo volumen contenía inicialmente ocho canciones, incluida la primera versión grabada del tema clásico de Monk «Straight, No Chaser». El álbum se amplió a 12 canciones en 1956 (cuando se publicó como un LP de 12″ a 33 rpm) e incluyó «Monk’s Mood». En la era del CD, ambos volúmenes se combinaron en un único álbum llamado Genius Of Modern Music, que constituye una excelente introducción a las revolucionarias grabaciones de Monk.
Corte clave: ‘Straight, No Chaser’

Billie Holiday: Billie Holiday Sings (Clef, 1952)

Nacida Eleanora Fagan, en Baltimore, Billie Holiday poseía una de las voces más reconocibles del jazz: lánguida e impregnada de una tristeza inherente y una desnuda honestidad emocional fruto de su dura educación y de sus desengaños amorosos. Tras su aprendizaje con varias big bands, Holiday se labró una distinguida carrera en solitario, primero en Columbia y después en Verve. Este álbum de 1952 (publicado inicialmente como un conjunto de ocho pistas en formato de 10″) la encontró grabando para el sello Clef del productor Norman Granz y ofreciendo versiones indelebles de ‘I Only Have Eyes For You’, ‘You Go To My Head’ y una conmovedora interpretación de ‘Solitude’ de Duke Ellington. En 1956, se publicó una versión ampliada de 12″ con el título Solitude. Una colección atemporal que ilustra a «Lady Day» en su mejor momento.
Corte clave: ‘You Go To My Head’

El Quinteto: Jazz At Massey Hall (Debut, 1953)

El Quinteto fue un supergrupo de jazz moderno que se formó específicamente para un único concierto en Canadá, en el Massey Hall de Toronto, el 15 de mayo de 1953. Fue la única vez que el saxofonista alto Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, el pianista Bud Powell, el bajista Charles Mingus y el baterista Max Roach tocaron juntos como grupo (también fue la última vez que Parker y Gillespie fueron grabados juntos). A pesar de sus problemas con las drogas, el mercurial Parker está en magnífica forma, brillando en un álbum de seis pistas que en su día fue aclamado como la mejor grabación de jazz de la historia (aunque Charles Mingus, que lo publicó en su propio sello Debut, se sintió obligado a sobregrabar sus partes de bajo en un estudio, ya que su instrumento era inaudible en la cinta original). Una rara reunión de gigantes del jazz.
Corte clave: ‘A Night In Tunisia’

Clifford Brown And Max Roach: Clifford Brown And Max Roach (EmArcy, 1954)

Uno de los primeros arquitectos de un estilo de jazz conocido como hard bop, que llegó a dominar el género durante los años 50, Clifford Brown era un trompetista dotado que fue cortado en su mejor momento. Aunque murió en un accidente de coche cuando sólo tenía 25 años, el 25 de junio de 1956, su genio se conserva en las numerosas grabaciones que realizó. Clifford Brown And Max Roach fue una de sus mejores, realizada en conjunto con un quinteto que codirigía con el baterista Max Roach. En él aparece el hermano pianista de Bud Powell, Richie, que también murió en aquel fatal accidente de coche con Brown, junto con el saxofonista tenor Harold Land. «Brownie», como era conocido el trompetista, está sensacional en todo el álbum, pero especialmente brillante en una emocionante versión de ‘Delilah’ de Victor Young. Demuestra su destreza como compositor con su propio y excelente número ‘Joy Spring’, que es un ejemplo arquetípico de hard hop.
Pista clave: ‘Joy Spring’

Count Basie And His Orchestra: April In Paris (Verve, 1957)

Originalmente de Red Bank, Nueva Jersey, Bill Basie, al igual que su contemporáneo Duke Ellington, adoptó un título aristocrático como nombre artístico y fue una fuerza importante en el ascenso de las big bands de swing de los años 30. Aunque la mayoría de las grandes bandas habían mordido el polvo en los años 50 (en gran parte debido a factores económicos), Basie mantuvo la suya y disfrutó de una especie de renacimiento. Considerado por muchos como el mejor momento de la banda de Basie en un estudio de grabación, April In Paris captura la fanfarronería, el brío, la delicadeza y la potencia inyectada de un conjunto que contaba entre sus filas con el trompetista Thad Jones, el saxofonista Frank Foster y el guitarrista rítmico Freddie Green. Entre los muchos momentos destacados se encuentra el boyante tema principal, junto con «Shiny Stockings» y «Corner Pocket». Big band jazz en su máxima expresión.
Corte clave: ‘Corner Pocket’

John Coltrane: Blue Train (Blue Note, 1958)

El paso de Coltrane de ser un bluesero normal y corriente en un bar a ser un vidente del jazz es milagroso. Blue Train fue el primer gran álbum del saxofonista, que llegó después de dejar definitivamente su adicción a la heroína. Se grabó en septiembre de 1957 como un disco único para Blue Note durante una época en la que «Trane» estaba contratado por el sello Prestige de Bob Weinstock. El álbum cuenta con un sexteto -con el trombón de Curtis Fuller añadiendo sonoridades más ricas a la sección de vientos- y contiene cinco canciones, todas menos una escritas por Coltrane. El corte más memorable de Blue Train es la melodía que le da título, de 10 minutos de duración, que comienza con un distintivo tema de trompa parecido a un toque de clarín antes de transformarse en un escaparate del enfoque único de Coltrane para la improvisación (que fue descrito como «hojas de sonido» por un crítico de jazz estadounidense).
Corte clave: ‘Blue Train’

Cannonball Adderley: Somethin’ Else (Blue Note, 1958)

Un saxofonista alto de Tampa, Florida, Julian «Cannonball» Adderley fue visto inicialmente como el heredero de Charlie Parker. Sin embargo, encontró su propia voz individual en su instrumento, como ilustra claramente este álbum de 1958, su único lanzamiento en Blue Note. Cannonball, que tocaba en el sexteto de Miles Davis en ese momento (y que grabaría el icónico Kind Of Blue con el trompetista un año más tarde), se las arregló para involucrar a su jefe en las sesiones. Miles rara vez apareció como sideman después de 1955, pero brilla en un quinteto frente a Cannonball utilizando una trompa silenciada en los temas ‘Autumn Leaves’ y ‘Love For Sale’. También escribió la canción principal. Un impresionante ejemplo de hard bop de finales de los 50.
Corte clave: ‘Autumn Leaves’

Art Blakey And The Jazz Messengers: Moanin’ (Blue Note, 1958)

Un poderoso baterista y director de banda que podía conducir a sus músicos con un sentido propulsivo del swing, Art Blakey tenía un celo de misionero en su deseo de difundir el evangelio del jazz. Moanin’ representa, sin duda, la cumbre del trabajo de Blakey con su banda de larga duración, The Jazz Messengers, apodada «The Hard Bop Academy» por los muchos músicos de talento que pasaron por sus filas (desde Wayne Shorter a Wynton Marsalis). La canción que da título al disco, de influencia gospel (escrita por el pianista de Filadelfia Bobby Timmons), con sus cadencias antifonales, anticipa el estilo de soul jazz que surgiría del hard bop. Otros grandes momentos del álbum son los temas «Along Came Betty» y «Blues March», dos clásicos escritos por el entonces saxofonista tenor de Blakey, Benny Golson. La destreza de Blakey como músico de baquetas se pone de manifiesto en la dramática ‘Drum Thunder Suite’.
Corte clave: ‘Moanin»

Chet Baker: Chet (Riverside, 1959)

Con su cincelado comportamiento, Chet Baker se convirtió en el chico del cartel de la escena del jazz «cool» de la Costa Oeste de los años 50 (a pesar de que procedía de Oklahoma). Sin embargo, detrás de su apariencia de ídolo matinal, se escondía una grave adicción a las drogas que hizo descarrilar su carrera en varias ocasiones. Cuando Chet salió del armario, el trompetista ya había sido encarcelado por delitos de drogas. A pesar de sus muchas tribulaciones, suena en buena forma en un álbum que se centra exclusivamente en su forma de tocar la trompeta (más que en su voz). El material es una selección de estándares (incluyendo «How High The Moon» y «It Never Entered My Mind») y cuenta con la participación del pianista Bill Evans, el flautista Herbie Mann y el guitarrista Kenny Burrell. A pesar de la gran calidad de sus acompañantes, Baker no se ve eclipsado por su presencia y contribuye con algunas líneas de trompeta de gran belleza lírica.
Corte clave: ‘It Never Entered My Mind’

The Dave Brubeck Quartet: Time Out (Columbia, 1959)

El pianista californiano Dave Brubeck tenía una afición por tocar música en metros inusuales y poco ortodoxos, y la canción más famosa de su cuarteto fue el corte que da título a este álbum. Take Five, una canción contagiosa escrita en 5/4, se convirtió en un sencillo de éxito en 1960 y fue escrita por el saxofonista alto de Brubeck, Paul Desmond, inicialmente como un vehículo para mostrar al baterista del cuarteto, Joe Morello. Otros temas destacados del álbum son «Blue Rondo A La Turk» (interpretado en 9/4) y «Three To Get Ready» (en 3/4). La popularidad de Brubeck demostró que las innovaciones en el jazz no tenían por qué ir en detrimento de la accesibilidad de la música. Sin duda, uno de los mejores álbumes de jazz de la historia.
Corte clave: ‘Time Out’

Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia, 1959)

Este icónico álbum, que comenzó como una sesión rutinaria, consiguió transformar a Miles Davis en una superestrella. Un experimento improvisado de jazz modal (en el que la música se creaba utilizando escalas fijas y menos acordes), Kind Of Blue se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos y demostró vívidamente que la innovación no era necesariamente la antítesis de la comercialidad. Davis dirige un sexteto estelar que incluye a los saxofonistas John Coltrane y Cannonball Adderley, además de Bill Evans al piano. El álbum, que redefinió el jazz moderno, demostró ser un gran éxito de principio a fin, comenzando con el relajado groover, ‘So What’, y progresando hasta el suave, con tintes españoles, ‘Flamenco Sketches’.
Corte clave: ‘So What’

Ella Fitzgerald: Ella In Berlin: Mack The Knife (Verve, 1960)

Durante la actuación en directo en Alemania que dio lugar a este álbum clásico, la «Primera Dama de la Canción» del jazz hizo lo impensable y se olvidó de la letra de una versión improvisada de ‘Mack The Knife’ (en su defensa, la canción no estaba en su repertorio, y prefiere la actuación diciendo: «Esperamos recordar toda la letra»). La incontenible cantante improvisó para salir del apuro con una letra nueva, creada espontáneamente, que incluía, en el clímax de la canción, la inolvidable frase: «We’re making a wreck, what a wreck, of ‘Mack The Knife'». La interpretación le valió a Fitzgerald un Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Vocal Femenina, y sigue siendo un brillante ejemplo de cómo la espontaneidad puede dar forma a las mejores interpretaciones del jazz.
Corte clave: ‘Mack The Knife’

Jimmy Smith: Back At The Chicken Shack (Blue Note, 1963)

El hombre que dio credibilidad al órgano Hammond en el contexto del jazz, Jimmy Smith fue un prolífico artista que grabó para Blue Note Records a finales de los 50 y principios de los 60. Back At The Chicken Shack se grabó en 1960 al mismo tiempo que el álbum Midnight Special de Smith, pero sus cuatro canciones no se publicaron hasta tres años después. El organista de Norristown está acompañado por el saxofonista tenor Stanley Turrentine, el guitarrista Kenny Burrell (en dos temas) y el baterista Donald Bailey. El tema que da título al disco es un largo y perezoso blues que personifica la estética soul jazz de Smith. El saxo de Turrentine, con su entonación ronca y sus inflexiones eclesiásticas, es también una característica destacada de un álbum que es una clase magistral de órgano de jazz.
Corte clave: ‘Back At The Chicken Shack’

Wes Montgomery: The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (Riverside, 1960)

El supertalentoso y profundamente influyente maestro del diapasón nacido en Indianápolis no dejó que su incapacidad para leer música afectara a su carrera. Influenciado por Charlie Christian, Montgomery patentó un estilo distintivo y diestro que combinaba melodías de una sola nota con acordes en bloque y octavas al unísono. Este fue su tercer álbum, grabado en Nueva York con un cuarteto en el que figuraban el pianista Tommy Flanagan y los hermanos Heath, Percy y Albert, al bajo y a la batería, respectivamente. Montgomery se lanza al ruedo con una interpretación rápida de «Airegin», el tema básico del hard bop de Sonny Rollins, pero muestra su lado sensible en baladas tiernas como «In Your Own Sweet Way». Sin embargo, son sus propias composiciones las que más impresionan, especialmente ‘Four On Six’ y ‘West Coast Blues’, que ahora se consideran estándares del jazz.
Corte clave: ‘Four On Six’

Bill Evans Trio: Waltz For Debby (Riverside, 1962)

Músico profundamente sensible que poseía una extraordinaria musicalidad y un exquisito buen gusto, Evans fue pionero en un enfoque singular del piano que reflejaba su interés por la música clásica (especialmente la obra de los compositores románticos e impresionistas) tanto como por el jazz. El álbum que acompaña a Sunday At The Village Vanguard, Waltz For Debby, se extrajo de las mismas actuaciones en directo, grabadas el 25 de junio de 1961. El trío de Evans (con Scott LaFaro, que murió en un accidente de coche 10 días después, al bajo, y el baterista Paul Motian) muestra un conocimiento casi telepático de los instrumentos de los demás y sobresale en una hermosa y pensativa «This Foolish Heart» y en una sublime versión del tema principal. El punto álgido de la música de trío de pianos.
Corte clave: ‘My Foolish Heart’

Oliver Nelson: The Blues And The Abstract Truth (Impulse!, 1961)

Un saxofonista que obtuvo más reconocimiento por su habilidad para los arreglos, Nelson, nacido en San Luis, no pasó de los 43 años (murió en 1975 de un ataque al corazón), pero es recordado con cariño por los aficionados al jazz por haber creado este álbum, uno de los mejores del género. ¡Dirigido por el productor Creed Taylor, que acababa de lanzar Impulse! Records, The Blues And The Abstract Truth reunió a Nelson con Eric Dolphy, Bill Evans, Freddie Hubbard, el bajista Paul Chambers y el baterista Roy Haynes, para crear una obra maestra atemporal. La piedra angular del álbum es una composición original de Nelson llamada ‘Stolen Moments’, que había sido grabada un año antes por Eddie «Lockjaw» Davis. Ahora se considera un estándar del jazz.
Corte clave: ‘Stolen Moments’

Duke Ellington And Coleman Hawkins: Duke Ellington Meets Coleman Hawkins (Impulse!, 1963)

Edward Kennedy «Duke» Ellington tenía 64 años cuando se publicó esta colaboración con el saxofonista tenor Coleman Hawkins. Hawkins era un admirador del aristócrata del jazz y la posibilidad de que los dos hombres trabajaran juntos se había planteado ya en los años 40, pero por diversas razones, la pareja no combinó sus talentos hasta que se reunieron en el estudio Van Gelder en agosto de 1962. Ellington no utilizó su orquesta completa para la grabación, sino que recurrió a una banda más pequeña compuesta por sus principales estrellas, incluido el saxofonista alto Johnny Hodges. Mientras que la pareja ofrece agradables versiones de temas clásicos de Ellington («Mood Indigo», «Solitude»), también son dignos de mención los números más nuevos, como el alegre y jovial comienzo, «Limbo Jazz». Una gratificante cumbre de gigantes del jazz.
Corte clave: ‘Limbo Jazz’

Stan Getz y João Gilberto: Getz/Gilberto (Verve, 1963)

Getz/Gilberto fue el álbum que no sólo lanzó la carrera en solitario de la cantante Astrud Gilberto, sino que también ayudó a poner el fenómeno de la bossa nova brasileña en el escenario mundial. El saxofonista tenor Stan Getz ya se había adentrado en la música brasileña a través de su colaboración en 1962 con el guitarrista Charlie Byrd en el álbum Jazz Samba, pero aquí buscó la autenticidad al unirse al vocalista y guitarrista João Gilberto. Las actuaciones de ambos se vieron eclipsadas por un cameo de la esposa de Gilberto, Astrud, en la canción «The Girl From Ipanema», que se convirtió en un gran éxito mundial cuando se publicó como sencillo (y también obtuvo un Grammy). Una fusión sublime de jazz americano y bossa nova brasileña.
Corte clave: ‘The Girl From Ipanema’

Herbie Hancock: Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

Aunque estudió ingeniería en la universidad, el primer amor de Herbie Hancock fue la música y, tras una temporada tocando el piano en la banda del trompetista Donald Byrd, le ofrecieron un contrato en solitario con Blue Note Records en 1962. Maiden Voyage, un álbum conceptual caracterizado por su temática náutica, fue su quinto álbum para el sello, grabado en 1965, cuando el trabajo diario de Hancock era tocar el piano en el Quinteto de Miles Davis (el bajista Ron Carter y el batería Tony Williams, ambos de la banda de Miles, participan en las sesiones). El tema que abre el álbum, con su suave ritmo, sobre el que el trompetista Freddie Hubbard y el saxofonista tenor George Coleman combinan sus trompas en una dulce caricia, se considera ahora un estándar del jazz, al igual que la serena «Dolphin Dance» y la más febril «The Eye Of The Hurricane». Hancock ha hecho muchos discos desde entonces, pero, por muy buenos que sean, ninguno posee la luminosa belleza de Maiden Voyage.
Corte clave: ‘Maiden Voyage’

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