Cuatrocientos años desde la creación de su primera ópera, Monteverdi sigue siendo considerado como la figura más poderosa e innovadora de la historia de la música.
Claudio Monteverdi fue uno de los mayores visionarios de la música. Al igual que Beethoven unos 200 años más tarde, dominó y agotó rápidamente la tradición musical que heredó -las obras maestras corales del estilo polifónico renacentista, o «prima prattica»- y aceleró el ritmo del cambio estilístico hacia las glorias del Barroco, o «seconda prattica».
Su impacto en el establecimiento de la forma emergente de la ópera fue incalculable, al igual que su revolucionaria escritura orquestal y las innumerables texturas y efectos novedosos que ideó. También amplió el vocabulario armónico de la música hasta niveles de disonancia casi sin precedentes. Cuando Monteverdi llegó a componer sus célebres Vísperas en 1610, todo fue arrojado, al estilo de Berlioz, al crisol para producir una música a una escala sin precedentes, que recorría toda la gama de emociones, desde la espiritualidad incandescente hasta las insinuaciones de lo erótico.
Ya en 1600, las tendencias «modernistas» de Monteverdi habían sido fustigadas por el eminente teórico de Bolonia, Giovanni Artusi, que publicó un panfleto en el que se burlaba de las técnicas progresistas de Monteverdi.
Monteverdi respondió en el prefacio de su Quinto Libro de Madrigales asegurando a sus oyentes que podían «estar contentos sabiendo que, en lo que respecta a las consonancias y disonancias… mi punto de vista se justifica por la satisfacción que proporciona tanto al oído como a la inteligencia».
Monteverdi no era un mero iconoclasta que arremetía contra la tradición, como demuestran sus cartas, que revelan a un hombre que se preocupaba profundamente por su arte y era muy sensible a las críticas. Sus cartas muestran también que la pérdida de su primera esposa, Claudia, en 1607, fue casi demasiado para él, y que se tomó muy en serio sus obligaciones parentales.
Fue esto, más que nada, lo que impulsó el genio de Monteverdi a tan grandes alturas – mientras luchaba para hacer frente a la paternidad y la depresión, encontró su salida en la música.
Nacido como hijo de un barbero-cirujano cremonense, Monteverdi comenzó a componer en la infancia y tuvo su primer libro de motetes en tres partes publicado en Venecia cuando sólo tenía 15 años. Dos años más tarde publicó un volumen de canzonettas, seguido en 1587 por el primero de nueve libros de madrigales (ocho fueron publicados bajo la supervisión de Monteverdi, el noveno fue publicado póstumamente).
Esta racha de éxitos se vio coronada por su nombramiento en la Corte de Mantua en 1592, como intérprete de violas. Se trataba de una empresa más peligrosa de lo que podría parecer, ya que el duque de Mantua partió a la conquista de los turcos en 1595 y Monteverdi se vio obligado a acompañarlo para levantar la moral de las tropas.
Sobrevivió a las diversas escaramuzas y cuatro años más tarde se casó con una de las cantantes de la corte, Claudia de Cattaneis, con la que tuvo dos hijos y una hija, esta última fallecida en la infancia.
Para cuando fue nombrado maestro di cappella de Mantua en 1601, Monteverdi ya estaba firmemente establecido como una de las estrellas musicales en ascenso de Italia. Sin embargo, fue la publicación de su Cuarto y Quinto Libro de Madrigales, en 1603 y 1605 respectivamente, lo que realmente puso el gato entre las palomas.
Las reglas académicas saltaron por los aires cuando Monteverdi desarrolló novedosas progresiones armónicas que dieron vida a las palabras como nunca antes. Las copias ilícitas circularon ampliamente, inspirando entusiasmo entre los educados musicalmente de la época.
Esta fase creativa inicial alcanzó un clímax con el estreno de la primera ópera de Monteverdi, L’Orfeo. L’Orfeo fue más allá de la obsesión florentina por el recitativo seco, abarcando el madrigal, el canto del laúd y todo tipo de nuevas sonoridades orquestales y efectos teatrales a lo largo del camino.
De un solo golpe, Monteverdi había revolucionado un género todavía en su infancia. Las situaciones dramáticas que antes no habían provocado más que un asentimiento pasajero empezaron a despertar las emociones del público. La música ya no volvería a ser la misma.
El talento de Monteverdi para traducir el espectáculo visual en música de calidad duradera también puede escucharse con un efecto asombroso en sus ballets, sobre todo en Il Ballo Delle Ingrate (1608). Sobre el papel no parece el escenario más apasionante: Venus, Eros y Plutón liberan a varias mujeres disolutas del infierno para mostrar a los habitantes de la tierra lo que les espera si se desvían del camino recto.
Pero con los magos de los efectos especiales, que se pusieron en marcha -cuando se levantó el telón, el público se quedó paralizado por las nubes de humo que representaban las fauces del infierno- y el uso que hizo Monteverdi de nuevos y emocionantes recursos musicales, incluido un espeluznante glissando descendente cuando Plutón describe el descenso al infierno, se convirtió en la mejor entrada de la ciudad.
Al verse obligado a volver a trabajar tras la muerte de su esposa en 1607, Monteverdi estaba cada vez más desencantado con la vida en Mantua, y las cosas llegaron a un punto crítico entre el compositor y sus opresivos señores.
En 1610, con la esperanza de asegurarse un puesto en Roma, Monteverdi dedicó un magnífico nuevo volumen de música eclesiástica al Papa. Este monumental esfuerzo creativo se produjo durante un período angustioso de su vida; todavía estaba de luto por la pérdida de su esposa y había enfermado tanto que los médicos habían recurrido a la sangría.
A pesar de sus esfuerzos, las propuestas de Monteverdi a Roma no llegaron a nada, y no fue hasta la muerte del duque de Mantua, Vincenzo, en 1612, cuando se le presentó una salida; el sucesor de Vincenzo no necesitaba sus servicios y lo despidió. Al año siguiente, el puesto de maestro di cappella en San Marcos de Venecia estaba disponible. Monteverdi no necesitó ser persuadido, y tuvo tal impacto allí que su salario inicial fue casi duplicado en tres años.
El período de servicio de Monteverdi en Venecia resultó ser un clímax adecuado para su larga e ilustre carrera. En 1619 publicó el Séptimo Libro de Madrigales, que desarrollaba aún más la audacia armónica de sus volúmenes anteriores, y cinco años más tarde su entretenimiento híbrido, Il Combattimento Di Tancredi E Clorinda (un ajuste de estrofas de un famoso poema de la época), causó sensación en su estreno.
Esta innovadora pieza de «batalla», predecesora de La victoria de Wellington de Beethoven y de la Obertura 1812 de Tchaikovsky, cautivó al público.
Por primera vez, la orquesta apareció como un cuerpo independiente con todo tipo de técnicas en su arsenal, sobre todo el stile concitato, que se caracteriza por la repetición rápida de notas para sugerir un estado agitado o bélico. Cuando los dos combatientes finalmente se enfrentan, los abruptos golpes de pizzicato de la orquesta sugieren inequívocamente el sonido de las espadas, mientras que el galope de los caballos se realiza brillantemente mediante la repetición del mismo acorde a un ritmo de salto en tiempo triple.
Lamentablemente, no toda la mejor música de Monteverdi de este período ha sobrevivido. Sólo existe un trío de su ópera Proserpina Rapita de 1630, y el Gloria es todo lo que queda de una misa de acción de gracias de 1631 escrita específicamente para San Marcos. El Octavo Libro de Madrigales (1638) supuso otro punto de inflexión para Monteverdi, que aparentemente lo utilizó como una retrospectiva de su música y sus teorías de los últimos 30 años.
Además de las obras más antiguas, este volumen también contiene composiciones que demuestran el continuo desarrollo de Monteverdi de sus técnicas musicales y su teorización. Casi dando la espalda a las complejidades contrapuntísticas a cinco voces que tanto había desarrollado, comenzó a pensar más en términos de armonía pura, con voces que se mueven en bloque. También confió más en que las voces solistas fueran respondidas por otros miembros del coro, casi a la manera de los cantos medievales.
Monteverdi podría haber dejado su pluma operística para siempre si no hubiera sido por la apertura de los primeros teatros de ópera públicos en Venecia a partir de 1637, para los que escribió tres últimas obras maestras: Il Ritorno D’Ulisse In Patria (1640), Le Nozze D’Enea Con Lavinia (1641, perdida) y L’incoronazione Di Poppea (1642). Aunque se trata de una obra maestra por derecho propio, no es del todo seguro que esta última haya sido escrita íntegramente por Monteverdi.
Sin embargo, en la actualidad se acepta generalmente que él compuso una parte sustancial de la misma, con música adicional escrita, reescrita o transpuesta por otros. La trama involucra al emperador romano Nerón, que desea sustituir a su esposa Octavia por su intrigante amante Poppea. Los planes de Otho (que ama a Poppea) y Octavia para asesinar a Nerón fracasan y la ópera termina con la coronación de Poppea.
Sea cual sea la mano responsable de la que posiblemente sea la mayor obra maestra de la ópera italiana del siglo XVII, su impacto fue incalculable, no sólo por su gama expresiva sino también por su innovador estilo como ópera «histórica».
Monteverdi murió al año siguiente, a los 76 años, poco después de una última visita a su ciudad natal, Cremona. Fue enterrado en la iglesia de los Frari en Venecia, habiendo dictado él solo la dirección que tomaría la música italiana durante los siguientes 400 años.