El arte contemporáneo es un periodo que generalmente se considera que comienza a partir de 1945. Debido a esto, se puede considerar que el arte contemporáneo abarca desde la posguerra hasta la actualidad. Durante este periodo se dieron muchos estilos, géneros y enfoques artísticos diferentes. Por lo tanto, es difícil saber por dónde empezar. ¡Por eso Artpser te da la oportunidad de descubrir 25 obras de arte contemporáneo que es absolutamente necesario conocer para poder entender este periodo artístico!
Andy Warhol, latas de sopa Campbell, 1962
Una obra icónica del artista pop Andy Warhol, Las latas de sopa Campbell, ilustra la cultura consumista y los medios de comunicación de masas en la sociedad americana. Además, el estilo de Andy Warhol es visible en su obra. A través de la repetición del objeto representado, el artista realiza una crítica a una sociedad de consumo, que no deja de producir.
Louise Bourgeois, Maman, 1990
Con una altura de 30 metros y evocando la forma de una araña, Maman es una de las obras icónicas de Louise Bourgeois. La obra existe en varias versiones, con materiales diversos y variados. La escultura fue construida para una exposición en la Tate Modern, y rinde homenaje a la madre de la artista, que murió repentinamente cuando sólo tenía 21 años.
Jackson Pollock, Ritmo de otoño, 1950
Creado en la cima de la carrera de Jackson Pollock, Ritmo de otoño es un ejemplo perfecto de la técnica de pintura «goutte-à-goutte», también conocida como «drip-painting». Esta última técnica, propia de Pollock, le hizo famoso por su originalidad. Para crear sus obras, Pollock se ponía de pie sobre su lienzo y dejaba caer pintura diluida sobre el mismo, dejándola caer de forma natural. Goteaba, salpicaba, raspaba y vertía pintura sobre su lienzo. Para el artista, el movimiento y las propias pinturas impulsaban su arte. Este método único de pintar se considera la marca registrada del artista.
Njideka Akunyili Crosby, I Still Face You, 2015
Una joven y dinámica artista, Njideka Akunyili Crosby, une su doble experiencia cultural en sus vibrantes obras de arte. Tras pasar sus años de formación en Nigeria, se trasladó a Estados Unidos a los 16 años y ahora vive y trabaja en Los Ángeles. Sus piezas, intensamente personales, unen sus ricas influencias culturales, con pinturas de acetona más «tradicionales» superpuestas a complejos decorados, que a menudo son una colación de elementos tomados de la cultura popular nigeriana.
Damien Hirst, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, 1991
Conservada en formol, la obra La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo de Damien Hirst sigue siendo hoy una de las piezas más controvertidas del arte contemporáneo. La pieza original fue encargada por el coleccionista Charles Saatchi en 1991, pero el tiburón tuvo que ser sustituido en 2004 cuando se vendió la obra. Debido a la naturaleza de la obra, muchos se preguntan si esta creación de Damien Hirst debe ser considerada arte o no.
Cecily Brown, La chica que lo tenía todo, 1998
Cecily Brown es conocida por sus obras lujosas y de gran textura. Su arte es una mezcla entre el de los maestros barrocos y el expresionismo abstracto. Mezcla el color y la textura con figuras sugerentes y sexualmente explícitas y formas biomórficas que destacan entre los remolinos abstractos que dominan sus cuadros. Aludiendo simplemente a las formas en lugar de ofrecer una representación concreta, la artista obliga al espectador a examinar adecuadamente los cuadros, de los que nadan las imágenes eróticas.
Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965
Yayoi Kusama ha sido descrita como una de las artistas más excéntricas de nuestro tiempo. Su obra psicodélica y alucinante utiliza motivos y repeticiones para jugar con el concepto de infinito. Infinity Mirror Room es una instalación inmersiva diseñada para envolver al espectador/participante en una abrumadora sensación de infinito y posibilidad. Yayoi Kusama describió su vida como «un guisante perdido entre miles de otros guisantes».
Keith Haring, Untitled, 1982
Este cuadro resume el estilo Pop Art de Keith Haring, con figuras dinámicas y una composición sencilla. Desde sus inicios como grafitero en el metro de Nueva York, Keith Haring comenzó su carrera con sus figuras y patrones inmediatamente reconocibles. Uno de sus símbolos más representados es el corazón. Utilizó su obra para popularizar importantes mensajes sobre la sexualidad y el sida durante una época en la que el estigma y el tabú que rodeaban estos temas seguían vigentes.
Jean-Michel Basquiat, Sin título, 1981
Esta vibrante y dinámica obra de arte, pintada cuando Jean-Michel Basquiat tenía sólo veinte años, es considerada una especie de enigma por los críticos de arte. Llamada a veces «Cráneo» por la forma de la cara, esta compleja composición plantea ciertamente más preguntas que respuestas. ¿Representa una calavera o un rostro a medio formar? ¿Representa el cuadro la vida o la muerte? Algunos incluso se preguntan si no es una especie de autorretrato del artista.
Jenny Saville, Propped, 1992
El cuadro que dio el pistoletazo de salida a la carrera de Jenny Saville es un sorprendente autorretrato. Saville se dio a conocer con sus grandes retratos (a menudo autorretratos) que muestran a mujeres que no se ajustan a los estándares de belleza habituales de la sociedad, sino que reflejan la gran diversidad de la belleza femenina. Su característico manejo del óleo y sus cálidos tonos de piel recuerdan a Lucian Freud y Francis Bacon.
Banksy, Chica con globo, 2002
Este icónico grafitero de hoy en día apareció por primera vez en el puente de Waterloo en Londres, aunque desde entonces ha sido repintado. Esta obra se realizó en numerosas ocasiones en apoyo de diversas campañas políticas, sobre todo de la crisis de los refugiados sirios en 2014. En 2018, una copia enmarcada de la obra se destrozó espontáneamente durante una subasta en Sotheby’s gracias a un dispositivo que el propio Banksy instaló en el marco. Volvió a titular la obra destrozada, El amor está en la papelera. La mujer que había comprado el grabado por un precio récord decidió seguir adelante con la venta.
Tracey Emin, My Bed, 1998
My Bed, como indica su nombre, es una reconstrucción de la cama deshecha de la artista. Tracey Emin explica que esta idea se le ocurrió tras un largo periodo de depresión causado por relaciones difíciles y por el alcoholismo. Tras recuperarse de su depresión, se sintió asqueada por el detritus que se había acumulado en su habitación y decidió exponerlo. La obra fue nominada al Premio Turner, lo que desató una gran polémica sobre si se calificaba o no como arte.
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961
Con Look Mickey, Roy Lichenstein representó por primera vez en su carrera una escena y un estilo pertenecientes a la cultura pop, un paso que se convertiría en su firma. Su reconstrucción de una escena preexistente, hasta el bocadillo, ha llevado a muchos a calificar la obra como un insulto a las bellas artes. Sin embargo, este estilo único llegó a ser celebrado. Hoy se le considera uno de los precursores del movimiento Pop Art.
Takashi Murakami, Flower Ball, 2002
Murakami se formó inicialmente en el arte tradicional japonés del Nihonga, antes de sentirse frustrado por el elitismo asociado a este género. Inventó el término «superflat» a principios de la década de 2000 para describir el legado del arte 2D en la cultura japonesa a través de un largo legado de anime y manga, pero también para abordar la sociedad japonesa de la posguerra.
David Hockney, Retrato de un artista (Piscina con dos figuras), 1972
Considerada la obra de arte más cara de un artista vivo jamás vendida en una subasta, Portrait of an Artist es una de las piezas más icónicas de David Hockney. La obra fue creada a partir de dos fotografías montadas por el artista. La primera versión de la obra fue destruida. Sin embargo, una segunda versión fue repintada durante dos semanas en 1972.
Dorothea Tanning, Puerta 84, 1984
Esta obra de Dorothea Tanning marca el inicio de una evolución y paso del surrealismo figurativo a composiciones más abstractas gracias a trazos sueltos y dinámicos y a colores vivos. La artista creó esta obra con pintura al óleo y un segmento de puerta. No es una de las obras más conocidas del artista. De hecho, la artista se hizo especialmente famosa por sus obras Birthday (1942) y Eine Kleine Nachtmusik (1943).
Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994
El antiguo comerciante de Wall Street, Jeff Koons, es una figura muy controvertida en el mundo del arte. Ha declarado que no hay ningún mensaje de significado más profundo detrás de sus obras. Es más, utiliza un taller para dar vida a sus visiones. Por lo tanto, no crea sus obras él mismo. Por estas razones, muchos se preguntan si sus obras pueden considerarse legítimamente como arte. Sus perros metálicos Balloon son algunas de sus obras más reconocidas.
Marc Chagall, techo de la Ópera Garnier de París, 1964
El techo de la Ópera Garnier de París es sin duda una de las obras más famosas de Chagall. Ha sido muy controvertida desde su creación hasta su inauguración oficial en 1964. De hecho, los distintos paneles se montaron bajo la protección de guardias militares. Se considera que esta vibrante obra refleja la condición de Chagall como «uno de los grandes pintores de nuestro tiempo» y contiene referencias a famosos compositores y artistas a lo largo de la historia.
Frida Kahlo, Autorretrato, 1948
Este impactante autorretrato fue el último que pintó Frida Kahlo. Autorretrato es la única obra de arte creada por la artista a lo largo del año 1948 debido al empeoramiento de su estado de salud. En esta obra, Frida Kahlo lleva un traje tradicional de tehuana con un cuello en relieve que enmarca su rostro y sustituye su habitual fondo ornamentado y natural. La nitidez de su rostro y expresión acentúa la emoción.
Lucian Freud, Reflexión, 1985
Lucian Freud es conocido por sus representaciones figurativas. Toda su obra es autobiográfica y todos sus autorretratos fueron realizados con la ayuda de espejos. Esta obra es un ejemplo perfecto del estilo artístico de su creador: cada línea, cada defecto de su rostro y de su piel son visibles. El nieto del psicólogo Sigmund Freud es considerado por muchos como un artista que retrata a sus sujetos de forma brutal. Así, ofrece al público un vistazo a sus mentes y sus mundos.
Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007
En 2007, el novio de Sophie Calle terminó su relación por correo electrónico. Terminaba con las palabras «cuídate». Tiempo después, la artista distribuyó este correo a 107 mujeres, elegidas por su profesión, y les pidió que interpretaran sus palabras. Las respuestas incluyen críticas lingüísticas, análisis jurídicos, interpretaciones de danza, codificación e incluso un cortometraje de una cacatúa que se come lentamente la nota impresa. Las diferentes respuestas se reúnen en esta extraordinaria exploración de las relaciones y la vulnerabilidad.
Antony Gormley, Ángel del Norte, 1998
Anthony Gormley es conocido por sus estatuas antropomórficas. A menudo se basan en moldes de su propio cuerpo. Ángel del Norte es una de las obras más conocidas de este artista. Ésta se encuentra en Gateshead, en el Reino Unido. Se realizó durante cuatro años y se gastaron 800.000 libras en su construcción. Las alas están ligeramente inclinadas hacia dentro, sugiriendo un abrazo. Además, la escultura pretende representar el paso del tiempo.
Ai Weiwei, Recordando, 2009
El artista chino Ai Wei Wei creó esta impactante obra para rendir homenaje a los niños víctimas de un terremoto. Este tuvo lugar en 2008 en la provincia de Sichuan. La catástrofe natural, especialmente devastadora, derribó muchas escuelas. Estas estaban mal construidas y provocaron la muerte de muchos niños. La obra a gran escala está compuesta por 9.000 mochilas de estudiantes. El espectador puede leer los caracteres chinos «vivió felizmente en este mundo durante siete años». Esta frase es una cita de una madre afligida por la pérdida de su hijo.
Francis Bacon, Tres estudios de Lucian Freud, 1969
Vendido en 2013, este tríptico se convirtió en la obra de arte más cara vendida por un artista británico. Representa al amigo y rival del artista, Lucian Freud. La combinación de colores es dinámica. Francis Bacon destaca la importancia de no separar los tres estudios.
Mark Rothko, Naranja, Rojo, Amarillo, 1961
En 2012, Orange, Red, Yellow, batió los récords en subasta durante su venta. Conocido por sus obras geométricas, abstractas y de colores vibrantes, Mark Rothko ha recibido tantas críticas como elogios. Rothko realizaba sus obras a gran escala. Para el artista, su obra debía ser «muy íntima y humana». Recomendaba a los espectadores situarse a 18 metros de estas obras para experimentar plenamente la intimidad y la trascendencia entre la obra y el público.