Può essere strano, ma penso sempre ai concerti come a una sorta di consumazione – come avere finalmente la possibilità di stare da solo con quel tipo speciale che stai sudando da tempo. Il rapporto tra te, una band e una canzone è finalmente al massimo dell’intimità, che tu sia nell’angolo di un bar o sui campi fangosi di Glastonbury. E per tutto il tempo che hai passato a togliere gli strati di un brano, analizzando ogni nota, ogni parola, ogni minimo dettaglio fino all’ultima lunghezza d’onda, in concerto la pressione è ora sulla band. Assomigliano davvero alla foto del loro profilo?
È snervante quando arriva il momento. Alcune band hanno l’ansia da prestazione, o stavano semplicemente mentendo su ciò che stavano effettivamente confezionando. La maggior parte delle band sono soddisfacentemente WYSIWYG, e rimangono fedeli alle loro promesse. Queste band e queste canzoni qui sotto, tuttavia, rappresentano i momenti più potenti in una connessione tra pubblico ed esecutore – momenti di espansione dinamica che aprono intere nuove parti della canzone che non sapevi nemmeno esistessero. In quel momento è una rivelazione, e in retrospettiva può essere una riscoperta, ma è sempre qualcosa di unico.
Abbiamo cercato di compilare una lista di canzoni che hanno risuonato a diversi livelli. Ci sono punti di svolta culturali, preferiti dai fan, punti di riferimento canonici e, soprattutto, esperienze personali. Nomina un’altra forma d’arte in cui ti è permesso di sentire qualcosa di così personale, così commovente, così bello da far rizzare i capelli in compagnia di centinaia o migliaia di altre persone che probabilmente sentono e si relazionano esattamente con la stessa cosa (nonostante i livelli di MDMA). La soggettività di una performance dal vivo è quasi più appropriata di una registrazione in studio, ma queste qui sono canzoni che abbiamo sentito trascendere le preferenze personali e raggiungere anche coloro che non erano lì (o: probabilmente avrete i brividi guardando questi video).
Ma ci sono più ricordi che video di YouTube
. Ci saranno concerti di una band sconosciuta in mezzo al nulla che lasceranno un’impressione più forte che essere in prima fila ai Radiohead o nel backstage di The Boss, e questo è un fatto. Queste canzoni fanno valere le tue esperienze personali, e anche se forse non crederai mai che qualcosa possa superare la volta in cui il cantante degli Ulterior Motifs ha dato fuoco alla sua chitarra e ha fatto un suplex al bassista contro il floor tom, speriamo che tu passi un po’ di tempo a cooptare la magia che è stata creata con queste performance, performance dal vivo che approfondiscono, espongono e posseggono direttamente le versioni in studio.
-Jeremy D. Larson
Joy Division – “Transmission”
Sul disco, erano puliti. Sul palco, erano puliti. Quindi, qual è la differenza? Con “Transmission”, Curtis non sputa tanto i testi, ma infila una corda fragile ma magnifica, da cui dondola intorno e intorno. Nessuno potrà mai liquidare il mixaggio senza tempo e poco ortodosso di Martin Hannett su Unknown Pleasures, è un esempio indefettibile di lavoro di produzione di diamanti. Ma col senno di poi, il produttore radicale ha semplicemente intrappolato le tendenze carnali del gruppo. All’interno dell’album esisteva ciò che solo pochi sapevano all’epoca: Questo quartetto di Manchester stava lavorando con qualcosa di ultraterreno, e guardare “Transmission” dal vivo lo dimostra. È solo un po’ spettrale, tutto qui. -Michael Roffman
The Flaming Lips – “Race For the Prize”
Palloni, macchine del fumo, coriandoli, schermi di proiezione da 40 piedi, luci colorate, e ballerini di sottofondo che indossano costumi di animali di peluche – “Race for the Prize” non solo ha segnato un punto di svolta nella carriera discografica della band, ma anche la trasformazione delle loro esibizioni dal vivo nel grande spettacolo sensoriale che sono noti per essere oggi. Dopo The Soft Bulletin, non sembrava più che stessimo solo guardando una band in acido, ma che l’intero pubblico fosse in trip con loro. Ora un punto fermo nelle loro setlist, non c’è una canzone nel catalogo dei Flaming Lips più adatta a stabilire il tono dei loro folli spettacoli dal vivo che l’impennata acid-pop di “Race for the Prize”. -Austin Trunick
Tool – “Third Eye”
“Pensa per te stesso… metti in discussione l’autorità”, il monologo di apertura implora i suoi ascoltatori, appena prima che uno dei numeri musicali più prestigiosi e ossessionanti dei Tool faccia tacere il pubblico dal vivo. “Third Eye” è il brano di chiusura di Ænima del 1996, e da questa registrazione di concerto del 1998, i fan possono ricordare i giorni in cui Maynard James Keenan poteva lanciare un urlo che metteva in discussione la propria identità. Una versione simile a quella presentata qui può essere trovata sulla compilation Salival dei Tool per l’acquisto di seconda mano, dato che ora è fuori stampa. -David Buchanan
John Coltrane – “My Favorite Things”
John Coltrane ha portato il classico di Broadway di Rodgers e Hammerstein “My Favorite Things” a fare un giro solo due anni dopo essere stato messo in scena in Sound of Music, allungando la canzone dello spettacolo in una jam scatenata di 13 minuti e mezzo.e mezzo che è considerato uno dei dischi jazz più essenziali di tutti i tempi. Lascia a John Coltrane, però, il compito di stravolgere il suo stesso successo ogni volta che lui e la sua band lo suonano dal vivo, in particolare al Newport Jazz Festival del 1963. In forse la migliore performance della sua carriera, Coltrane e i suoi collaboratori portano il brano in un’estesa gita di 17 minuti così ipnotica e memorabile che non fischietterete mai più quella piccola melodia allegra allo stesso modo. -Möhammad Choudhery
Massive Attack- “Angel”
In tour, “Angel” assume una vita completamente nuova con l’aiuto del caratteristico spettacolo di luci lunatiche della band e una band dal vivo stellare che include due batteristi. I minacciosi hi-hat e una linea di chitarra nera come la pece lasciano il posto a un’esplosione apocalittica di basso/chitarra/batteria proprio quando Horace Andy ha finito di mormorare la frase “love you, love you, love you”. Qui, i Massive Attack affrontano la loro canzone simbolo davanti a una folla di migliaia di persone a Glastonbury 2008. La parte migliore? Quella frazione di secondo di silenzio stupito proprio quando la band entra in scena e la folla esplode. -Möhammad Choudhery
Okkervil River – “Westfall”
Il frontman di Okkervil River Will Sheff è stato ispirato a scrivere questo brano inquietante dopo aver sentito i dettagli cruenti degli omicidi della Yogurt Shop di Austin, Texas. Mentre la versione dell’album esplora con successo la natura sconcertante del vero male, solo la rauca interpretazione dal vivo è in grado di catturare lo spirito selvaggio degli omicidi stessi. La canzone inizia in modo minimale, evocando un’atmosfera spoglia con chitarra, mandolino e grancassa prima che un minaccioso accordo di archi dia il via alla martellante coda “evil don’t look like anything”, mentre Sheff ulula e il resto della band gli crolla intorno. Lo stesso crescendo si verifica su disco, ma sembra stretto piuttosto che caotico. -Dan Caffrey
Talking Heads – “Psycho Killer”
Il regista Jonathan Demme e il capolavoro del 1984 dei Talking Heads, Stop Making Sense, sono il film concerto. Anche se esistono molte ragioni per sostenere una tale argomentazione, solo una conta veramente – la sbarazzina interpretazione iniziale di David Byrne di “Psycho Killer”. Outfit affilato, ritmi sincopati, cassetta, chitarra acustica e un uomo la cui andatura potrebbe essere tradotta in squilibrio mentale o commedia fisica… dimenticate Andrew WK e i Beastie Boys; lo stereo di Byrne vi batte sul tempo. -David Buchanan
LCD Soundsystem – “Yeah”
James Murphy dice “Yeah” un totale di 577 volte in questo video (non c’è bisogno di contarli – è tutto lì). È più volte di quanto io abbia mai detto qualcosa in tutta la mia vita, e comunque non ci si stanca mai di sentirlo. Contro quella batteria e quel basso da discoteca, la band estende i poli della canzone al massimo, e se vi capita di essere tra la folla durante “Yeah”, vi troverete a urlare tutti e 577 “Yeah” proprio insieme a lui. Il Trance-punk è stato fatto nascere dal vivo. -Jeremy D. Larson
Bruce Springsteen – “Thunder Road”
Oltre ad essere una fantastica versione dal vivo del side-one, track-one del suo intoccabile Born To Run, questo clip di sei minuti, registrato nel suo nativo New Jersey nel 1978, è un piccolo incapsulamento di ciò che è esattamente il live show del Boss. Dall’energia e il carisma emessi da Springsteen, la caratteristica Fender Telecaster, il suo cast di supporto (Max Weinberg alla batteria, il vecchio amico Steve Van Zandt alla chitarra/traballante voce di supporto, e il defunto Clarence Clemons – il cui agghiacciante assolo di sax significa più questa settimana che un mese fa), ai suoi fedeli, adoranti fan che acclamano “Bruuuuuuuuuce!” quando il video arriva alla fine, questo è ciò che Springsteen è (ed è sempre stato). -Winston Robbins
Sufjan Stevens – “Impossible Soul”
In “Impossible Soul”, la catartica chiusura di 25 minuti di Age of Adz, Sufjan Stevens ridefinisce il melodramma e la portata virtuosistica e di genere. Stevens, nella sua maniera tipicamente ostentata, ha scelto di chiudere ogni spettacolo del tour di Age of Adz con tutta la dannata cosa. “Impossible Soul” è un giro sulle montagne russe attraverso il cervello destro di Stevens: dall’intro in stile “call and response”, attraverso un segmento atipico di vocoder, nell’emozionante sezione centrale di una canzone metafisica che alla fine sfocia in un’outro straziante, suonata con le dita. Woah. -Möhammad Choudhery
Bob Marley – “No Woman, No Cry”
Questa versione è così profonda nel groove che non sono sicuro di come qualcuno ne esca quando finisce. Prima che lo Ska accelerasse le cose, Bob Marley rallentò le cose quando portò sul palco “No Woman, No Cry”, che è la versione che la maggior parte delle persone conosce. La versione in studio ha i suoi meriti, ma questa è l’unica opzione per un mixtape da campeggio o un tributo commemorativo. Inoltre, quando dici a qualcuno che “tutto andrà bene”, non vuoi mai affrettare le cose. -Jeremy D. Larson
Phish – “Fluffhead”
Non c’era notizia più grande per il New England nell’inverno del 2009 della notizia che i Phish stavano tornando insieme per un concerto di tre notti all’Hampton Coliseum. Quello che è iniziato come tre spettacoli (molto accurati) di reunion si è trasformato nella prossima tappa della carriera del quartetto del Vermont, e hanno dato il via a tutto con “Fluffhead”. Di tutto il loro catalogo, “Fluffhead” è sempre stato un grande favorito dei fan che ha fatto apparizioni occasionali nelle loro setlist, ma questa volta, è stata la carica per iniziare tutto. Mentre la versione in studio di Phish (o The White Tape) del 1986 suona come un demo giocoso, la versione di Hampton ’09 è come una chiamata musicale alle armi (o al jamming). Mentre quella meravigliosa progressione C-D-G-F risuonava nella notte primaverile della Virginia, era chiaro che le uniche persone più eccitate per questa reunion di Anastasio, Gordon, Fishman e McConnell… erano i fan. -Ted Maider
Led Zeppelin – “Dazed and Confused”
Per quando il concerto alla Royal Albert Hall arrivò nel gennaio 1970, i Led Zeppelin avevano già iniziato a conquistare il mondo. Ma questo spettacolo in particolare avrebbe messo in mostra la loro abilità improvvisativa su “Dazed and Confused”, trasformando la registrazione originale di sei minuti e mezzo in una maestosa opera di 16 minuti. Già un pilastro del loro repertorio dal vivo, questa volta c’era qualcosa nella traccia che è rimasta davvero impressa. Ad oggi, fa ancora rizzare i capelli sulla nuca. È così che si fa. -Megan Caffery
My Morning Jacket – “Dondante”
L’inizio lento e intimo porta a un’esplosione emotiva di voci svettanti seguita da uno dei sassofoni più potenti di questo lato di John Coltrane. Quando è fatto nel modo giusto – e i My Morning Jacket di solito lo fanno nel modo giusto – può davvero essere un’esperienza trascendentale. Per una band ben rispettata dal vivo con innumerevoli buone “versioni dal vivo”, il fatto che “Dondante” di solito viene via come il punto culminante dei loro spettacoli dice tutto. -Carson O’Shoney
Radiohead – “Everything In Its Right Place”
Come si fa a suonare qualsiasi brano di Kid A dal vivo? Come si fa a scrivere un album come Kid A? E come diavolo fa un Thom Yorke distorto, confuso e riciclato a cantare insieme a un vero Thom Yorke, suonando una tastiera che viene anch’essa riciclata e fatta a pezzi, finché la band può lasciare il palco mentre la loro musica continua, mangiandosi lentamente? Chiedete a qualsiasi parigino che li ha visti nel 2001 qui sopra. -Chris Woolfrey
Arcade Fire – “Power Out/Rebellion”
Non molte canzoni possono rallentare il tempo e allo stesso tempo raddoppiare l’energia del pubblico. Eppure è quello che fanno gli Arcade Fire in ogni concerto. Sia che segua un esplosivo “Neighborhood #3 (Power Out)” o più recentemente “Month of May”, “Rebellion (Lies)” è il culmine di una performance dal vivo. C’è il momento sottile in cui il basso e le chiavi iniziano a sbirciare attraverso il rumore martellante della chitarra della canzone precedente, mandando quei brividi lungo la schiena. Poi c’è il singalong. Quando la band urla “Lies!”, lo stesso fa chiunque nella folla. Cioè, tutti. -Joe Marvilli
The Beatles – “Get Back”
“Quattro persone che suonano come non farebbero mai più” è come è stato descritto il concerto sul tetto dei Beatles, ed è facile capire perché. Questa è una band con tensioni dovute a circa un decennio di pubblico, tra le altre cose, che si riunisce per una performance finale da urlo. “Get Back”, con la polizia che si accanisce sul gruppo mentre il quartetto porta la musica a una sorta di diminuzione anti-climatica, chiude il loro set improvvisato in cima alla sede della Apple a Savile Row. Nessuno lo sapeva allora, forse nemmeno i Beatles, ma questa canzone fu l’ultima che avrebbero suonato insieme in concerto, ed è bella proprio perché quel futuro era così incerto. Nelle parole di John Lennon: “Vorrei dire ‘grazie’ a nome del gruppo e di noi stessi, e spero che abbiamo passato l’audizione”. -Chris Woolfrey
U2 – “Where The Streets Have No Name”
Questa è la canzone che ogni fan degli U2 aspetta ad ogni spettacolo. Non importa cos’altro viene suonato o se la band è presente o meno, “Where the Streets Have No Name” è garantita per essere spettacolare. Per prima cosa, c’è lo schermo rosso che si illumina quando arriva l’organo di apertura. Edge arriva con quell’arpeggio gelido che fiorisce in ogni angolo del locale. La batteria entra in scena, tutte le luci si accendono e Bono e i ragazzi sono partiti. Tutti cantano e ballano insieme, stando insieme in questa esperienza commovente che non può essere semplicemente descritta. Devi vederlo e sentirlo per crederci. -Joe Marvilli
My Bloody Valentine – “You Made Me Realise”
“You Made Me Realise”, oltre ad essere il pezzo rock dei My Bloody Valentine (MBV), è nota per chiudere i reunion show della band in un lungo “olocausto” di rumore bianco. Durando tra i 10 minuti e i 30 (rispetto a meno di un minuto nella versione in studio), MBV tiene l’accordo finale prima dell’ultima strofa, lo colpisce a un livello assordante, e quando la band esplode di nuovo nel riff principale – se anche dà fastidio – la maggior parte della folla ha dimenticato quale canzone stava suonando. Chiunque abbia visto MBV nel 2008/2009 sa bene che ogni locale era fornito fino al tetto di tappi per le orecchie gratuiti, e “Realise” ne è la ragione. -Harry Painter
Animal Collective – “Fireworks”
C’era molto di cui innamorarsi durante questa epica, conclusiva interpretazione di “Fireworks” degli Strawberry Jam.Con una durata di circa 13 minuti, la band inizia stuzzicando i fan con i tipici ritmi da elicottero di “Fireworks”, mentre inizia “Lablakey Dress” di Hollinndagain, per poi trasformarsi in un’esplorazione di 10 minuti di “Fireworks” spingendo la cosa ai suoi limiti assoluti, compresa una sosta a metà canzone in “Essplode” di Danse Manatee.Ma mentre la lampada frontale di Geologist sbatte in giro, scontrandosi con l’epilettico spettacolo di luci, e mentre Avey Tare canta la melodia contagiosa della canzone sopra le sue strimpellate slavate, il solo guardare Noah Lennox attaccare febbrilmente la sua batteria minimale e alta in spinte sincopate è una delle esperienze più mozzafiato della musica dal vivo.Come di solito accade con questi Animals, è difficile dire cosa stia realmente accadendo, ma con un risultato così assolutamente impressionante, non potrebbe davvero importare di meno. -Drew Litowitz
Rage Against The Machine – “Freedom”
Negli anni ’90, i Rage Against the Machine erano uno dei migliori live act ad abbellire il mainstream, e hanno portato molta tristezza nel 2001 quando hanno annunciato il loro scioglimento. Per finire la loro (prima) corsa, la band ha prenotato due notti al Grand Olympic Auditorium di Los Angeles. Il loro finale, “Freedom”, rimane un punto fermo del loro spettacolo dal vivo, principalmente a causa dei testi improvvisati di Zack de la Rocha che lanciava nel mix (“Forget about your history and just buy…and just buy”). La versione dal vivo (in particolare questa) era l’equivalente sonoro di una rivolta a Washington D.C., mentre de la Rocha urlava “Libertà! Per Mumia! Freedom! Sì!” per quella che sembrava essere l’ultima volta. Per fortuna, però, non lo era. -Ted Maider
The Grateful Dead – “Dark Star”
(Parte 1)
(Parte 2)
(Parte 3, Parte 4)
“Dark Star” è la quintessenza della canzone dei Dead. Composta da non più di un paio di riff e due brevi strofe, la vera carne è l’improvvisazione tra questi elementi, che spesso si estende per oltre 20 minuti di psichedelia sconvolgente. C’è una versione in studio, lunga appena 2:40, che non sarebbe mai dovuta esistere. Quindi, di tutte le versioni live stellari, perché 8/27/72? Sebbene la leggendaria versione Live/Dead rappresenti il suono primordiale del 1969, la performance di Veneta del 1972 fonde lo stile jazz modale dei Dead dei primi anni ’70 con il caos controllato e bruciante degli anni ’60, spingendo questo show nella competizione dei “migliori di sempre”. -Jake Cohen
Duke Ellington Orchestra – “Diminuendo e Crescendo In Blue”
Come sarete in grado di dire nella storia scorrevole del clip, questa canzone è roba da leggende del jazz. Forse non proprio alla pari con Max Roach che lancia un piatto crash a Charlie Parker, o Buddy Rich che insulta il tour bus ogni sera, o Charles Mingus che spara al suo basso con una pistola (sì), ma sicuramente un solido #4. I 28 cori di assolo blues di Paul Gonsalves istigarono quella che passò per una “rivolta” al Newport Jazz Festival del 1956. Anche se solo per 10 minuti, lo spirito della Big Band fu rianimato grazie alla passione e al groove di un sassofonista tenore. -Jeremy D. Larson
Radiohead – “The Gloaming”
Su Hail to the Thief, “The Gloaming. (Softly Open Our Mouths in the Cold.)” è senza pretese, l’unico segno di vita è la pulsazione coronarica della nota di basso ripetuta. Sia per il bisogno di tenere svegli gli spettatori del concerto, sia per l’amore di Thom Yorke per la danza sfrenata e disinibita, i Radiohead la trasformano proprio in questo, un numero di danza ad alta energia. È una vittoria per tutti, perché non solo la sezione ritmica di Colin Greenwood e Phil Selway si ritrova con qualcosa da fare, ma grazie alle voci sparse e in loop di Yorke, “The Gloaming” mantiene il senso di ottusità distorta della versione dell’album. -Harry Painter
Iron & Wine – “Upward Over the Mountain”
Se mi aveste detto nel 2002 (accidenti, Sto diventando vecchio) che un giorno mi sarei buttato a terra – intendo letteralmente perdere la testa – per “Upward Over The Mountain” dei The Creek Drank the Cradle al Bonnaroo Music and Arts Festival del 2008, probabilmente ti avrei detto di riprenderti, di smettere con gli acidi e di smettere di ascoltare il tuo bootleg di The Grateful Dead’s 1976 Show at the Beacon Theater. Quando è arrivato il momento, Sam Beam è saltato sul palco come pilota di una macchina da jam ben oliata e irresistibile, e sul pezzo forte del set, “Upward Over the Mountain”, il folkie barbuto ha allungato uno dei suoi sparuti e lenti lo-fi gloomer in una vera e propria epopea rock, con percussioni, pedal steel e una penetrante melodia di chitarra slide estratta dalle offerte minimali e macchiate di polvere di una delle registrazioni più pastose di Beam. -Drew Litowitz
Daft Punk – “Around The World/Harder, Better, Faster, Stronger”
Una volta ho descritto l’album live Alive 2007 dei Daft Punk come “molto più simile a una raccolta di greatest hits senza soluzione di continuità che a uno sforzo live”. Quella dichiarazione vale anche per questo videoclip come per l’album. L’indimenticabile Alive Tour dei Daft Punk non è stato solo una produzione visivamente spettacolare, ma anche una delle più coese dal punto di vista musicale. Questo particolare taglio è una combinazione del loro più grande successo degli anni ’90, “Around the World”, e il loro più grande successo degli anni ’00, “Harder, Better, Faster, Stronger”. Mentre le due tracce sanguinano l’una nell’altra senza soluzione di continuità, con luci, piramidi e tute robotiche, non è difficile capire il fascino del duo francese e perché sono probabilmente i DJ dance/elettronici più popolari di questa generazione. -Winston Robbins
Atoms For Peace – “Harrowdown Hill”
Tra tutti i loop informatici e i ritmi obliqui di The Eraser, “Harrowdown Hill” è certamente il più groove. Quando hai una linea di basso così contagiosa, hai bisogno del bassista più funky in circolazione per dargli un po’ di slap e pop extra. Entra Flea, la cui performance che scuote il corpo completa perfettamente la danza sporadica di Thom Yorke. Aggiungete una performance dura e organica del resto della band e avrete il momento clou di ogni concerto degli Atoms for Peace. -Joe Marvilli
Peter Frampton – “Do You Feel Like We Do?”
Per oltre 20 anni, Frampton Comes Alive! è stato l’album live più venduto di tutti i tempi, e “Do You Feel Like We Do?” è il suo brano più iconico. Privo delle sciocchezze pop di “Baby, I Love Your Way” o “Show Me The Way”, i quasi 15 minuti di “Do You Feel Like We Do?” presentano l’uso più virtuoso ed emozionante di Frampton della sua talk box. La versione in studio (sapevate che esisteva?), con il suo tempo letargico e senza talk box, riduce la jam di tre accordi da 10 a poco più di un minuto. Sembra un mero tecnicismo in confronto alla bestia dal vivo. -Jake Cohen
The National – “Mr. November”
I fan dei The National conosceranno questa canzone come la loro famosa chiusura (anche se “Terrible Love” ha giustamente superato quel posto di recente) ed è la parte dello show in cui Matt Berninger inciampa tra il pubblico con gli occhi vitrei e urla “Non ci fotterò, sono Mr. Tuttavia, al Lollapalooza del 2010, Berninger ha scalato un muro e si è accovacciato su un bambino e ha dato alla folla il più accattivante radio edit che abbiate mai sentito. Voglio dire, se questo non ti fa sciogliere un po’ il cuore, faresti meglio a pregare che arrivi una ragazza del Kansas e ti oli le giunture. -Jeremy D. Larson
Blur – “Tender”
A volte ciò che rende la performance live di una canzone un evento davvero speciale è la folla stessa. Al grande ritorno dei Blur a Glastonbury, il rapporto unico tra la band e la folla può essere riassunto in una parola: “Tender”. Non solo i Blur erano tornati, ma c’era anche Graham Coxon, e centomila fan hanno espresso la loro gratitudine urlando a squarciagola i versi di Coxon e permettendo la trasformazione di “Tender” in un singalong di quasi 10 minuti. Questo momento di Glastonbury ha elevato così tanto le emozioni per il resto della serata che Damon Albarn più tardi è scoppiato a piangere sul palco, e i fan hanno continuato a cantare in massa “Oh my baby, oh my baby, oh why, oh my” durante le pause del bis e sulla via del ritorno alle loro tende. -Frank Mojica