Jazz Per Principianti: 20 Album Essenziali Per Una Guida Introduttiva

Abbiamo elencato questi album cronologicamente, in modo che tu possa avere un senso della progressione del jazz nel corso degli anni. Se hai qualche album che consideri essenziale per i principianti, faccelo sapere nella sezione commenti.

Mentre stai leggendo, ascolta la nostra playlist Jazz For Beginners qui, e scorri in basso per leggere la nostra guida introduttiva ai 20 album jazz essenziali.

Jazz per principianti: 20 album essenziali per una guida introduttiva

Louis Armstrong: Satchmo At Symphony Hall (Decca, 1951)

Uno dei padri fondatori del jazz, il sensazionale trombettista e cantante dalla voce grave Louis “Satchmo” Armstrong divenne una figura ambasciatrice del genere nei suoi ultimi anni. Registrò questo memorabile concerto all’età di 46 anni, a Boston, nel novembre 1947. Anche se il bebop cominciava a farsi sentire nel mondo del jazz, c’era ancora spazio per Satchmo e il suo autentico jazz in stile New Orleans, come testimoniano le sale da concerto piene. Satchmo At Symphony Hall contiene alcuni dei brani seminali di Armstrong e lo presenta davanti a una band di sette elementi che include Jack Teagarden al trombone. Non fu pubblicato fino al 1951, quando apparve come un set di 2LP: ‘Royal Garden Blues’

Thelonious Monk: Genius Of Modern Music Volume 2 (Blue Note, 1952)

Il linguaggio musicale avanzato di Monk – caratterizzato da melodie spigolose e dissonanze insolite – fu considerato controverso quando emerse per la prima volta sulla scena jazz di New York alla fine degli anni 40. La Blue Note Records, tuttavia, ammirava la sua individualità e gli diede una possibilità, registrando una serie di singoli a 78 giri da 10 pollici che alla fine furono compilati in due album. Il secondo volume conteneva inizialmente otto canzoni, inclusa la prima versione registrata del classico brano di Monk ‘Straight, No Chaser’. L’album fu espanso a 12 canzoni nel 1956 (quando fu pubblicato come LP a 33 giri da 12″) e includeva ‘Monk’s Mood’. Nell’era dei CD, entrambi i volumi furono combinati in un unico album chiamato Genius Of Modern Music, che costituisce un’eccellente introduzione alle registrazioni rivoluzionarie di Monk: ‘Straight, No Chaser’

Billie Holiday: Billie Holiday Sings (Clef, 1952)

Nata Eleanora Fagan, a Baltimora, Billie Holiday possedeva una delle voci più riconoscibili del jazz: languida e impregnata di una tristezza intrinseca e di una nuda onestà emotiva che derivava dalla sua dura educazione e dalle delusioni romantiche. Dopo il suo apprendistato con diverse big band, la Holiday si ritagliò una distinta carriera solista, prima alla Columbia e poi alla Verve. Questo album del 1952 (inizialmente pubblicato come un set di otto tracce in formato 10″) la trovò a registrare per l’etichetta Clef del produttore Norman Granz e a servire versioni indelebili di ‘I Only Have Eyes For You’, ‘You Go To My Head’, e una toccante interpretazione di ‘Solitude’ di Duke Ellington. Nel 1956, una versione espansa di 12″ fu pubblicata con il titolo Solitude. Una collezione senza tempo che illustra “Lady Day” al suo apice: ‘You Go To My Head’

Il Quintetto: Jazz At Massey Hall (Debut, 1953)

Il Quintetto era un supergruppo di jazz moderno che si formò appositamente per un concerto unico in Canada, alla Massey Hall di Toronto, il 15 maggio 1953. Fu l’unica volta che il sassofonista contralto Charlie Parker, il trombettista Dizzy Gillespie, il pianista Bud Powell, il bassista Charles Mingus e il batterista Max Roach suonarono insieme come gruppo (fu anche l’ultima volta che Parker e Gillespie furono registrati insieme). Nonostante i suoi problemi di droga, il mercuriale Parker è in forma magnifica, brillando in un album di sei tracce che una volta fu salutato come la più grande registrazione jazz di sempre (anche se Charles Mingus, che lo pubblicò sulla sua etichetta Debut, si sentì costretto a sovraincidere le sue parti di basso in uno studio, poiché il suo strumento era inudibile sul nastro originale). Un raro incontro tra giganti del jazz: ‘A Night In Tunisia’

Clifford Brown And Max Roach: Clifford Brown And Max Roach (EmArcy, 1954)

Uno dei primi architetti di uno stile jazz noto come hard bop, che arrivò a dominare il genere negli anni ’50, Clifford Brown era un trombettista di talento che fu stroncato nel fiore degli anni. Anche se rimase ucciso in un incidente d’auto a soli 25 anni, il 25 giugno 1956, il suo genio è conservato dalle numerose registrazioni che fece. Clifford Brown And Max Roach fu una delle sue migliori, fatta in tandem con un quintetto che co-diresse con il batterista Max Roach. C’è il fratello pianista di Bud Powell, Richie, che morì anche lui in quell’incidente stradale fatale con Brown, insieme al sassofonista tenore Harold Land. “Brownie”, come era conosciuto il trombettista, è sensazionale in tutto l’album, ma particolarmente brillante in una versione emozionante di ‘Delilah’ di Victor Young. Mostra la sua abilità come compositore con il suo bel numero ‘Joy Spring’, che è un esempio archetipico di hard hop: ‘Joy Spring’

Count Basie And His Orchestra: April In Paris (Verve, 1957)

Originariamente originario di Red Bank, New Jersey, Bill Basie, come il suo contemporaneo Duke Ellington, adottò un titolo aristocratico come nome d’arte e fu una forza importante nell’ascesa delle big band swing degli anni ’30. Sebbene la maggior parte delle big band avesse preso la polvere negli anni ’50 (in gran parte a causa di fattori economici), Basie continuò a suonare e godette di una sorta di rinascimento. Considerato da molti come il miglior momento della band di Basie in uno studio di registrazione, April In Paris cattura la spavalderia, la verve, la finezza e la potenza di un ensemble che comprendeva tra le sue fila il trombettista Thad Jones, il sassofonista Frank Foster e il chitarrista ritmico Freddie Green. Tra i molti highlights c’è la vivace title track, insieme a ‘Shiny Stockings’ e ‘Corner Pocket’. Big band jazz al suo picco assoluto: ‘Corner Pocket’

John Coltrane: Blue Train (Blue Note, 1958)

Il viaggio di Coltrane da un mediocre suonatore di blues da bar a un esploratore del jazz come un veggente è miracoloso. Blue Train fu il primo vero grande album del sassofonista, che arrivò dopo aver smesso per sempre con il vizio dell’eroina. Fu registrato nel settembre 1957 come pezzo unico per la Blue Note in un periodo in cui “Trane” era in realtà sotto contratto con l’etichetta Prestige di Bob Weinstock. L’album presenta un sestetto – con il trombone di Curtis Fuller che aggiunge sonorità più ricche alla sezione dei corni – e contiene cinque canzoni, tutte scritte da Coltrane tranne una. Il pezzo più memorabile di Blue Train è il brano che dà il titolo all’album, della durata di 10 minuti, che inizia con un caratteristico tema di tromba simile a un richiamo, prima di trasformarsi in una vetrina per l’approccio unico di Coltrane all’improvvisazione (che fu descritto come “fogli di suono” da un critico jazz statunitense).
Taglio chiave: Blue Train’

Cannonball Adderley: Somethin’ Else (Blue Note, 1958)

Un sassofonista alto di Tampa, Florida, Julian “Cannonball” Adderley fu inizialmente visto come l’erede di Charlie Parker. Però trovò la sua voce individuale sul suo strumento, come questo album del 1958 – la sua unica uscita su Blue Note – illustrò chiaramente. Cannonball, che all’epoca suonava nel sestetto di Miles Davis (e che un anno dopo avrebbe registrato l’iconico Kind Of Blue con il trombettista), riuscì a coinvolgere il suo capo nelle sessioni. Miles appare raramente come sideman dopo il 1955, ma brilla in un quintetto di fronte a Cannonball usando un corno muto nelle tracce ‘Autumn Leaves’ e ‘Love For Sale’. Ha anche scritto la canzone del titolo. Uno splendido esempio di hard bop della fine degli anni ’50.
Taglio chiave: ‘Autumn Leaves’

Art Blakey And The Jazz Messengers: Moanin’ (Blue Note, 1958)

Un batterista potente e un bandleader che poteva guidare i suoi musicisti con un senso propulsivo dello swing, Art Blakey aveva uno zelo da missionario nel suo desiderio di diffondere il vangelo del jazz. Moanin’ rappresenta probabilmente l’apice del lavoro di Blakey con la sua band di lunga data, The Jazz Messengers – soprannominata “The Hard Bop Academy” per via dei molti musicisti di talento che sono passati tra le sue fila (da Wayne Shorter a Wynton Marsalis). La canzone del titolo, influenzata dal gospel (scritta dal pianista di Philadelphia Bobby Timmons), con le sue cadenze antifoniche, anticipa lo stile soul jazz che sarebbe emerso dall’hard bop. Altri grandi momenti dell’album includono i brani ‘Along Came Betty’ e ‘Blues March’, due classici entrambi scritti dall’allora sassofonista tenore di Blakey, Benny Golson. L’abilità di Blakey come suonatore di bacchette è evidenziata nella drammatica “Drum Thunder Suite”: ‘Moanin”

Chet Baker: Chet (Riverside, 1959)

Con il suo contegno cesellato, Chet Baker divenne il manifesto della scena jazz “cool” della West Coast degli anni ’50 (nonostante fosse originario dell’Oklahoma). Dietro l’aspetto da matinee-idol, tuttavia, si nascondeva una grave dipendenza dalla droga che fece deragliare la sua carriera diverse volte. Quando Chet uscì allo scoperto, il trombettista era già stato incarcerato per reati di droga. Nonostante i suoi molti travagli, suona in buona forma in un album che si concentra esclusivamente sulla sua tromba (piuttosto che sulla sua voce). Il materiale è una selezione di standard (tra cui ‘How High The Moon’ e ‘It Never Entered My Mind’) e comprende il pianista Bill Evans, il flautista Herbie Mann e il chitarrista Kenny Burrell. Nonostante l’alta qualità dei suoi assistenti, Baker non è eclissato dalla loro presenza e contribuisce con alcune linee di tromba meravigliosamente liriche: It Never Entered My Mind’

Il Dave Brubeck Quartet: Time Out (Columbia, 1959)

Il pianista californiano Dave Brubeck aveva un’inclinazione per suonare musica in metri insoliti e poco ortodossi, e la canzone più famosa del suo quartetto era il titolo di questo album. Un numero contagioso scritto in 5/4, ‘Take Five’ divenne un singolo di successo nel 1960 e fu scritto dal sassofonista alto di Brubeck, Paul Desmond, inizialmente come un veicolo per mettere in mostra il batterista del quartetto, Joe Morello. Altri pezzi forti dell’album sono ‘Blue Rondo A La Turk’ (reso in 9/4) e ‘Three To Get Ready’ (in 3/4). La popolarità di Brubeck dimostrò che le innovazioni nel jazz non dovevano andare a scapito dell’accessibilità della musica. Senza dubbio uno dei più grandi album di jazz di sempre: ‘Time Out’

Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia, 1959)

Questo album iconico, iniziato come una sessione di routine, riuscì a trasformare Miles Davis in una superstar. Un esperimento fuori dagli schemi nel jazz modale (in cui la musica veniva creata usando scale fisse e meno accordi), Kind Of Blue divenne l’album jazz più venduto di tutti i tempi e dimostrò vividamente che l’innovazione non era necessariamente l’antitesi della commercialità. Davis guida un sestetto stellare che include i sassofonisti John Coltrane e Cannonball Adderley, più Bill Evans al piano. L’album, che ha ridefinito il jazz moderno, ha dimostrato di essere un grande highlight dall’inizio alla fine, iniziando con il groove raffreddato, ‘So What’, e progredendo fino al pastoso e dalle tinte spagnole ‘Flamenco Sketches’.
Taglio chiave: ‘So What’

Ella Fitzgerald: Ella In Berlin: Mack The Knife (Verve, 1960)

Durante l’esibizione dal vivo in Germania che portò a questo album classico, la “First Lady Of Song” del jazz fece l’impensabile e dimenticò il testo di una versione improvvisata di ‘Mack The Knife’ (in sua difesa, la canzone non era nel suo repertorio, e lei precede la performance dicendo: “Speriamo di ricordare tutte le parole”). L’incontenibile cantante improvvisò la sua via d’uscita dalla situazione con un nuovo testo creato spontaneamente che includeva, al culmine della canzone, l’indimenticabile frase: “Stiamo facendo un relitto, che relitto, di ‘Mack The Knife'”. La performance vinse alla Fitzgerald un Grammy nella categoria Best Vocal Performance, Female, e rimane un fulgido esempio di come la spontaneità possa dare forma alle più grandi performance del jazz: ‘Mack The Knife’

Jimmy Smith: Back At The Chicken Shack (Blue Note, 1963)

L’uomo che ha dato credibilità all’organo Hammond in un contesto jazz, Jimmy Smith è stato un prolifico artista della Blue Note Records durante la fine degli anni ’50 e i primi anni ’60. Back At The Chicken Shack fu registrato nel 1960 nello stesso periodo dell’album Midnight Special di Smith, ma le sue quattro canzoni furono pubblicate solo tre anni dopo. Trovano l’organista di Norristown in compagnia del sassofonista tenore Stanley Turrentine, del chitarrista Kenny Burrell (su due brani) e del batterista Donald Bailey. La title track è un lungo e pigro blues che incarna l’estetica soul jazz di Smith. Il sax di Turrentine, con la sua intonazione rauca e le sue inflessioni chiesastiche, è anche una caratteristica distintiva di un album che è una masterclass di organo jazz: ‘Back At The Chicken Shack’

Wes Montgomery: The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (Riverside, 1960)

Il super-talentuoso e profondamente influente maestro della tastiera nato a Indianapolis non ha lasciato che la sua incapacità di leggere la musica influenzasse la sua carriera. Influenzato da Charlie Christian, Montgomery brevettò uno stile distintivo e abile che combinava melodie di corno a nota singola con accordi a blocco e ottave all’unisono. Questo fu il suo terzo album, registrato a New York con un quartetto che conteneva il pianista Tommy Flanagan e i fratelli Heath, Percy e Albert, rispettivamente al basso e alla batteria. Montgomery esce dai blocchi con un’interpretazione con le dita veloci di ‘Airegin’, un classico dell’hard bop di Sonny Rollins, ma mostra il suo lato sensibile in ballate tenere come ‘In Your Own Sweet Way’. Sono le sue composizioni che impressionano di più, comunque, specialmente ‘Four On Six’ e ‘West Coast Blues’, che ora sono considerate standard del jazz: ‘Four On Six’

Bill Evans Trio: Waltz For Debby (Riverside, 1962)

Musicista profondamente sensibile che possedeva una straordinaria musicalità e uno squisito buon gusto, Evans fu il pioniere di un approccio singolare al pianoforte che rifletteva il suo interesse per la musica classica (specialmente l’opera dei compositori romantici e impressionisti) tanto quanto per il jazz. L’album che accompagna Sunday At The Village Vanguard, Waltz For Debby fu tratto dalle stesse performance dal vivo, registrate il 25 giugno 1961. Il trio di Evans (con Scott LaFaro, che morì in un incidente d’auto 10 giorni dopo, al basso, e il batterista Paul Motian) mostra una consapevolezza quasi telepatica degli strumenti dell’altro ed eccelle in una splendidamente pensosa ‘This Foolish Heart’ e una sublime versione della title track. Il punto più alto della musica in trio per pianoforte: ‘My Foolish Heart’

Oliver Nelson: The Blues And The Abstract Truth (Impulse! 1961)

Sassofonista che ottenne più consensi per la sua sapiente abilità di arrangiatore, Nelson, nato a St Louis, non superò il suo 43° compleanno (morì nel 1975 per un attacco di cuore) ma è ricordato con affetto dagli appassionati di jazz per aver creato questo album, uno dei più grandi del genere. Guidato dal produttore Creed Taylor, che aveva appena lanciato la Impulse! Records, The Blues And The Abstract Truth riunì Nelson con Eric Dolphy, Bill Evans, Freddie Hubbard, il bassista Paul Chambers e il batterista Roy Haynes, per creare un capolavoro senza tempo. La chiave di volta dell’album è una composizione originale di Nelson chiamata ‘Stolen Moments’, che era stata registrata un anno prima da Eddie “Lockjaw” Davis. Ora è considerata uno standard del jazz: Stolen Moments’

Duke Ellington And Coleman Hawkins: Duke Ellington Meets Coleman Hawkins (Impulse!, 1963)

Edward Kennedy “Duke” Ellington aveva 64 anni quando questo, la sua collaborazione con il sassofonista tenore Coleman Hawkins, fu pubblicato. Hawkins era un ammiratore dell’aristocratico del jazz e la possibilità che i due uomini lavorassero insieme era stata ventilata già negli anni ’40, ma per vari motivi, la coppia non unì i propri talenti fino a quando non si riunirono al Van Gelder Studio nell’agosto 1962. Ellington non usò la sua orchestra al completo per la registrazione, chiamando invece una piccola band composta dalle sue principali stelle, incluso il sassofonista contralto Johnny Hodges. Mentre la coppia offre versioni godibili di brani classici di Ellington (‘Mood Indigo’, ‘Solitude’), i numeri più recenti, come l’apertura gioiosa e sbarazzina, ‘Limbo Jazz’, sono anche degni di nota. Un gratificante vertice di giganti del jazz.
Taglio chiave: ‘Limbo Jazz’

Stan Getz And João Gilberto: Getz/Gilberto (Verve, 1963)

Getz/Gilberto fu l’album che non solo lanciò la carriera solista della cantante Astrud Gilberto ma contribuì anche a portare il fenomeno brasiliano della bossa nova sulla scena mondiale. Il sassofonista tenore Stan Getz si era già addentrato nella musica brasiliana con la sua collaborazione del 1962 con il chitarrista Charlie Byrd nell’album Jazz Samba, ma qui cercò l’autenticità unendosi al cantante e chitarrista João Gilberto. Le performance di entrambi furono oscurate da un cameo della moglie di Gilberto, Astrud, nella canzone ‘The Girl From Ipanema’, che divenne un enorme successo globale quando fu pubblicata come singolo (e si guadagnò anche un Grammy). Una sublime fusione di jazz americano e bossa nova brasiliana: The Girl From Ipanema’

Herbie Hancock: Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

Anche se ha studiato ingegneria all’università, il primo amore di Herbie Hancock è stata la musica e, dopo un periodo in cui ha suonato il piano nella band del trombettista Donald Byrd, gli è stato offerto un contratto da solista dalla Blue Note Records nel 1962. Maiden Voyage, un concept album caratterizzato da un tema nautico, fu il suo quinto album per l’etichetta, registrato nel 1965, quando il lavoro diurno di Hancock era suonare il piano nel Quintetto di Miles Davis (il bassista Ron Carter e il batterista Tony Williams, entrambi della band di Miles, prendono parte alle sessioni). Il brano di apertura dell’album, con il suo groove dolcemente pulsante, sul quale il trombettista Freddie Hubbard e il sassofonista tenore George Coleman combinano i loro fiati in una dolce carezza, è ora considerato uno standard del jazz, così come la serena ‘Dolphin Dance’ e la più febbrile ‘The Eye Of The Hurricane’. Hancock ha fatto molti album da allora, ma, per quanto buoni, nessuno possiede la bellezza luminosa di Maiden Voyage: ‘Maiden Voyage’

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