Storia occidentaleModifica
Origini dionisiache, Aristofane e AristoteleModifica
A partire dal 425 a.C, Aristofane, commediografo e autore satirico del teatro greco antico, scrisse 40 commedie, di cui 11 sopravvivono. Aristofane sviluppò il suo tipo di commedia dai precedenti drammi satiri, che erano spesso altamente osceni. Gli unici esempi sopravvissuti delle commedie satire sono di Euripide, che sono esempi molto più tardivi e non rappresentativi del genere. Nell’antica Grecia, la commedia ha avuto origine nelle canzoni oscene e ribollenti o nelle recitazioni a proposito delle processioni falliche e delle feste o dei raduni di fertilità.
Intorno al 335 a.C., Aristotele, nella sua opera Poetica, afferma che la commedia ha avuto origine nelle processioni falliche e nel trattamento leggero di ciò che è altrimenti basso e brutto. Aggiunge anche che le origini della commedia sono oscure perché non è stata trattata seriamente fin dal suo inizio. Tuttavia, la commedia aveva la sua Musa: Thalia.
Aristotele insegnava che la commedia era generalmente positiva per la società, poiché portava la felicità, che per Aristotele era lo stato ideale, il fine ultimo in ogni attività. Per Aristotele, una commedia non aveva bisogno di includere l’umorismo sessuale. Una commedia riguarda la fortunata ascesa di un personaggio simpatico. Aristotele divide la commedia in tre categorie o sottogeneri: farsa, commedia romantica e satira. D’altra parte, Platone insegnava che la commedia è una distruzione dell’io. Credeva che producesse un’emozione che prevale sull’autocontrollo razionale e sull’apprendimento. Nella Repubblica, dice che i guardiani dello stato dovrebbero evitare il riso, “perché normalmente quando uno si abbandona al riso violento, la sua condizione provoca una reazione violenta”. Platone dice che la commedia dovrebbe essere strettamente controllata se si vuole raggiungere lo stato ideale.
Anche nella Poetica, Aristotele definisce la commedia come uno dei quattro generi originali della letteratura. Gli altri tre generi sono la tragedia, la poesia epica e la poesia lirica. La letteratura, in generale, è definita da Aristotele come una mimesi, o imitazione della vita. La commedia è la terza forma di letteratura, essendo la più lontana da una vera mimesi. La tragedia è la mimesi più vera, seguita dalla poesia epica, dalla commedia e dalla poesia lirica. Il genere della commedia è definito da un certo schema secondo la definizione di Aristotele. Le commedie iniziano con personaggi bassi o bassi che cercano obiettivi insignificanti e finiscono con qualche realizzazione degli obiettivi che alleggerisce la bassezza iniziale o rivela l’insignificanza degli obiettivi.
Commedia dell’arte e shakespeariana, Elizabethan comedyEdit
“Commedia”, nel suo uso elisabettiano, aveva un significato molto diverso dalla commedia moderna. Una commedia shakespeariana è una commedia che ha un lieto fine, di solito coinvolge il matrimonio tra i personaggi non sposati, e un tono e uno stile più spensierato rispetto alle altre opere di Shakespeare.
Lo spettacolo Punch and Judy ha radici nella commedia dell’arte italiana del XVI secolo. La figura di Punch deriva dal personaggio napoletano di Pulcinella. La figura che più tardi divenne Mr. Punch fece la sua prima apparizione registrata in Inghilterra nel 1662. Punch e Judy sono rappresentati nello spirito della commedia oltraggiosa – spesso provocando risate scioccate – e sono dominati dalla clownerie anarchica di Mr. Apparendo in un periodo significativo della storia britannica, il professore Glyn Edwards afferma: ” andò particolarmente bene al pubblico inglese della Restaurazione, affamato di divertimento dopo anni di puritanesimo. Ben presto cambiammo il nome di Punch, lo trasformammo da marionetta a burattino a mano, e divenne davvero uno spirito della Gran Bretagna – un sovversivo anticonformista che sfida l’autorità, una specie di burattino equivalente alle nostre vignette politiche.”
Dal XIX all’inizio del XX secoloModifica
Nell’Inghilterra dell’inizio del XIX secolo, la pantomima ha acquisito la sua forma attuale che include la commedia slapstick e ha caratterizzato il primo clown mainstream Joseph Grimaldi, mentre le routine comiche hanno anche avuto un ruolo importante nel teatro britannico del music hall che è diventato popolare negli anni 1850. I comici britannici che hanno affinato le loro abilità negli sketch del music hall includono Charlie Chaplin, Stan Laurel e Dan Leno. Il comico inglese del music hall e impresario teatrale Fred Karno sviluppò una forma di sketch comedy senza dialogo negli anni 1890, e Chaplin e Laurel furono tra i comici che lavorarono per la sua compagnia. Karno fu un pioniere dello slapstick e, nella sua biografia, Laurel dichiarò: “Fred Karno non ha insegnato a me e a Charlie tutto quello che sappiamo sulla commedia. Ci ha solo insegnato la maggior parte”. Il produttore cinematografico Hal Roach dichiarò: “Fred Karno non è solo un genio, è l’uomo che ha dato origine alla commedia slapstick. Noi di Hollywood gli dobbiamo molto”. Il vaudeville americano emerse negli anni 1880 e rimase popolare fino agli anni 1930, e presentò comici come W. C. Fields, Buster Keaton e i fratelli Marx.
Teatro e arte del XX secoloModifica
L’umorismo surreale (noto anche come “umorismo assurdo”), o “commedia surreale”, è una forma di umorismo basata su violazioni deliberate del ragionamento causale, che produce eventi e comportamenti che sono ovviamente illogici. Le costruzioni dell’umorismo surreale tendono a coinvolgere giustapposizioni bizzarre, incongruenze, non-sequitur, situazioni irrazionali o assurde ed espressioni di nonsenso. L’umorismo nasce da una sovversione delle aspettative del pubblico, in modo che il divertimento si fonda sull’imprevedibilità, separata da un’analisi logica della situazione. L’umorismo derivato trae il suo fascino dal ridicolo e dall’inverosimiglianza della situazione. Il genere ha radici nel surrealismo artistico.
L’umorismo surreale è l’effetto dell’illogicità e dell’assurdità utilizzate per l’effetto umoristico. Con queste premesse, si possono identificare i precursori e i primi esempi di umorismo surreale almeno dal XIX secolo, come Alice’s Adventures in Wonderland e Through the Looking-Glass di Lewis Carroll, che usano entrambi l’illogico e l’assurdo (bruchi che fumano il narghilè, partite di croquet con fenicotteri vivi come mazze, ecc. Molte delle storie e delle poesie per bambini di Edward Lear contengono nonsense e hanno un approccio fondamentalmente surreale. Per esempio, The Story of the Four Little Children Who Went Around the World (1871) è pieno di affermazioni contraddittorie e immagini strane destinate a provocare divertimento, come le seguenti:
Dopo un certo tempo videro una terra a distanza; e quando vi giunsero, trovarono che era un’isola fatta di acqua abbastanza circondata da terra. Oltre a ciò, era delimitata da istmi evanescenti con un grande torrente del Golfo che la percorreva tutta, così che era perfettamente bella, e conteneva un solo albero, alto 503 piedi.
All’inizio del XX secolo, diversi movimenti d’avanguardia, tra cui i dadaisti, i surrealisti e i futuristi, iniziarono a sostenere un’arte che fosse casuale, stridente e illogica. Gli obiettivi di questi movimenti erano in un certo senso seri, ed erano impegnati a minare la solennità e l’autocompiacimento dell’establishment artistico contemporaneo. Di conseguenza, molta della loro arte era intenzionalmente divertente.
Un esempio famoso è la Fontana di Marcel Duchamp (1917), un orinatoio rovesciato firmato “R. Mutt”. Questo è diventato uno dei pezzi d’arte più famosi e influenti della storia, e uno dei primi esempi del movimento degli oggetti trovati. È anche uno scherzo, basandosi sull’inversione della funzione dell’oggetto espressa dal suo titolo e sulla sua incongrua presenza in una mostra d’arte.
Film, dischi, radio e televisione del XX secoloModifica
L’avvento del cinema alla fine del XIX secolo, e più tardi della radio e della televisione nel XX secolo, ha ampliato l’accesso dei comici al grande pubblico. Charlie Chaplin, grazie al cinema muto, è diventato uno dei volti più noti del mondo. La tradizione del muto è sopravvissuta fino al XX secolo attraverso artisti mimi come Marcel Marceau e la comicità fisica di artisti come Rowan Atkinson come Mr. Anche la tradizione del clown da circo continuò, con artisti come Bozo the Clown negli Stati Uniti e Oleg Popov in Russia. La radio fornì nuove possibilità – con la Gran Bretagna che produsse l’influente umorismo surreale del Goon Show dopo la seconda guerra mondiale. L’influenza dei Goon si diffuse alla radio americana e alla troupe di registrazione del Firesign Theatre. Il cinema americano ha prodotto un gran numero di artisti comici di fama mondiale, da Stanlio e Ollio, i Tre Marmittoni, Abbott e Costello, Dean Martin e Jerry Lewis, Bob Hope e Phyllis Diller durante la metà del XX secolo, fino ad artisti come George Carlin, Bill Cosby, Joan Rivers, Robin Williams e Eddie Murphy verso la fine del secolo. Hollywood ha attirato molti talenti internazionali come i comici inglesi Peter Sellers, Dudley Moore e Sacha Baron Cohen, i comici canadesi Dan Aykroyd, Jim Carrey e Mike Myers, e il comico australiano Paul Hogan, famoso per Crocodile Dundee. Altri centri di attività comica creativa sono stati il cinema di Hong Kong, Bollywood e la farsa francese.
Anche la televisione americana è stata una forza influente nella commedia mondiale: con serie americane come M*A*S*H, Seinfeld e The Simpsons che hanno ottenuto un grande seguito in tutto il mondo. Anche la commedia televisiva britannica rimane influente, con opere quintessenziali come Fawlty Towers, Monty Python, Dad’s Army, Blackadder e The Office. Il satirico australiano Barry Humphries, le cui creazioni comiche includono la casalinga e “gigastar” Dame Edna Everage, per la sua consegna di umorismo dadaista e assurdo a milioni di persone, è stato descritto dalla biografa Anne Pender nel 2010 come non solo “la figura teatrale più significativa del nostro tempo.. il comico più significativo emerso dopo Charlie Chaplin”.
Storia orientaleModifica
Estetica e dramma indianoModifica
Dal 200 a.C., nel dramma sanscrito antico, il Natya Shastra di Bharata Muni definisce l’umorismo (hāsyam) come uno dei nove nava rasas, o rasas principali (risposte emotive), che possono essere ispirati nel pubblico dai bhavas, le imitazioni delle emozioni che gli attori eseguono. Ogni rasa era associato ad un bhavas specifico rappresentato sul palco. Nel caso dell’umorismo, era associato all’allegria (hasya).