Più noto oggi per la sua serie di sereni dipinti di ninfee, l’impressionista del XIX secolo Claude Monet fu un tour de force innovativo nello sviluppo dell’arte espressiva. Durante la sua lunga vita, che ha attraversato gli anni tra il 1840 e il 1926, Monet progredì dal disegnare divertenti caricature di amici a catturare le sfuggenti sfumature delle scene naturali in vari atteggiamenti di luce e colore. Cercando di tradurre la sua percezione unica del mondo naturale direttamente sulla tela, l’artista è stato determinante nel forgiare una direzione completamente nuova per il mondo dell’arte.
I primi anni: 1845-1870
Le radici del realismo
Quando l’artista aveva 11 anni, frequentò una scuola secondaria incentrata sull’arte nella sua città natale, Le Havre, prendendo lezioni di disegno da Jacques-Francois Ochard. Qualche anno dopo, Monet studiò l’arte del paesaggio da un pittore locale, Eugene Boudin, che abituò anche il giovane artista a dipingere all’aria aperta in modo da catturare la natura nel momento. Sotto la tutela informale del maestro del paesaggio, Johan Jongkind, i due uomini divennero abili nel genere.
Uno dei primi dipinti di Monet, completato nel 1858, era un paesaggio realistico intitolato Vista a Rouelles, Le Havre, una scena silvestre realistica che, a prima vista, ha poca somiglianza con le sue opere successive. I primi sforzi dell’artista rendono omaggio alla scuola d’arte realista che si impose durante la sua infanzia. Reagendo contro il Romanticismo, gli artisti realisti come Gustave Courbet si concentrarono sull’accuratezza nella rappresentazione dei loro soggetti, che spesso consistevano in figure della classe operaia e paesaggi naturali non abbelliti.
Viaggi a Parigi
Durante questo periodo, dalla fine dell’adolescenza ai primi 20 anni, Monet trascorse del tempo al Louvre di Parigi, dove incontrò pittori contemporanei, come Edouard Manet, che sarebbero poi diventati colleghi. Mentre altri artisti cercavano di migliorare le loro tecniche copiando i capolavori esposti al Louvre, Monet preferiva disegnare ciò che poteva vedere fuori dalla finestra del venerato museo d’arte.
Chasseurs d’Afrique
L’artista fu arruolato nel 1861 in Les Chasseurs d’Afrique, un’unità di cavalleria leggera diretta in Algeria. Durante il suo anno di servizio, ebbe solo poche opportunità di dipingere, producendo solo un paesaggio, alcuni schizzi e alcuni ritratti militari. Mentre nessuno di questi è sopravvissuto al suo servizio, avrebbe fatto appello ai suoi ricordi della qualità unica della luce di Algeri quando creò le opere future.
Studi con Charles Gleyre
Dopo aver lasciato il servizio all’estero nel 1862, l’artista tornò a Parigi per entrare nello studio privato di Charles Gleyre, un pittore di arte storica. Divide lo studio con Pierre-Auguste Renoir, Frederique Bazille e Alfred Sisley, che in seguito determineranno la futura direzione dell’arte. Gli studenti portavano spesso i loro cavalletti e i loro colori in ambienti esterni e trasferivano le loro impressioni immediate del paesaggio sulla tela con brevi e abili pennellate.
Durante la sua tutela nello studio di Gleyre, l’artista dipinse Donna in abito verde, un ritratto a grandezza naturale della sua futura moglie Camille, e Donne in giardino, per il quale Camille fece anche da modella. Il primo quadro fu accettato per essere esposto al prestigioso Salon di Parigi. L’opera è principalmente in stile realista, senza le miscele di colori brillanti e l’immediatezza che definiranno le sue opere successive.
Anni centrali: 1871-1900
Dopo il matrimonio del giugno 1870, Monet e sua moglie trascorrono un periodo a Londra dove l’artista dipinge opere come “Hyde Park”. In seguito, gli sposi risiedettero per un periodo nei Paesi Bassi dove Monet produsse diverse opere d’arte, tra cui Il mulino a vento, Amsterdam e il luminoso Zaandam. La coppia tornò in Francia alla fine dell’anno per stabilirsi ad Argenteuil, sulla riva destra della Senna, un sobborgo di Parigi dove Camille avrebbe trascorso praticamente il resto della sua vita. L’artista acquistò uno studio galleggiante dove dipinse il paesaggio che lo circondava e i ritratti del suo amico Edouard Manet e della moglie di Manet.
L’alba di un nuovo movimento
All’inizio degli anni 1880, Monet e i suoi amici artisti, tra cui Paul Cezanne, Camille Pissarro, Sisley e Edgar Degas, erano disillusi dagli standard restrittivi dell’organizzazione artistica dominante a Parigi, L’Academie des Beaus-Arts, che selezionava i dipinti da includere nei Salons annuali. Nel 1873, si unirono ad altri colleghi che la pensavano come loro per formare la propria organizzazione artistica, “Societe Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs”, o l’Associazione cooperativa e anonima di pittori, scultori e incisori. Il gruppo organizzò la sua prima mostra, che comprendeva il lavoro di 30 artisti, nella primavera del 1874.
Monet scelse di esporre il suo dipinto del 1872, Impression Sunrise, che si rivelò una decisione fatale. Uno dei critici d’arte che recensì la mostra coniò il termine “Impressionismo” come uno scherzo derisorio dopo aver visto “Impressione dell’alba” e opere di simile resa in mostra, sostenendo che i dipinti erano amatoriali e incompiuti. Gli artisti abbracciarono il nuovo titolo per il loro movimento e da allora si identificarono come impressionisti.
Una volta che il movimento ebbe un nome e una reputazione, per quanto dubbia, Monet continuò a creare alcune delle sue più brillanti opere d’arte, come Madame Monet and Child, che completò nel 1875, una scena splendente di colore e vita.
Un tempo di perdita
Mentre portava il loro secondo figlio, Camille Monet contrasse la tubercolosi, e indebolita dal parto, morì nel 1879. Il dipinto, Camille sul letto di morte, è l’ultimo omaggio di Monet alla moglie, una figura coperta di fiori e pennellate piumate, il suo viso immerso nella luce.
Tra le opere dell’artista nel periodo successivo alla sua perdita c’è La serie della deriva del ghiaccio, un gruppo di una dozzina di dipinti che raffigurano lo scioglimento dei ghiacci sulla Senna. I colori smorzati, le ambientazioni sature di nebbia, gli alberi denudati e i paesaggi congelati riflettono l’asprezza della visione dell’artista mentre si immergeva nel lutto.
L’artista stava diventando sempre più innamorato dell’intuizione che lo stesso paesaggio subisce alterazioni in diverse ore del giorno quando cambia la luce del sole. Dipinse ripetutamente la stessa scena per catturare queste sfumature sulla tela. Questa idea informò la sua “Ice Drift Series”, i suoi dipinti Haystack della metà degli anni 1880 e 1990, e la sua stupefacente serie Poplars degli anni 1890. Nel 1892 e 1893, l’artista si accampò in una stanza in affitto che si affacciava sulla cattedrale di Rouen per lavorare su diverse tele contemporaneamente, ognuna dedicata a un diverso momento della giornata, per creare studi intensivi di luce e ombra.
Sviluppo stilistico
Durante questo periodo medio del suo sviluppo artistico, le opere di Monet si spostarono verso l’astrazione, anche se i soggetti erano ancora riconoscibili, per la maggior parte. Sperimentò con la pittura per creare non solo una maggiore profondità di colore, ma anche per aggiungere consistenza alla superficie della tela. Conosciuto per la sua pennellata innovativa, l’artista ha utilizzato la sua firma tratti brevi e tonalità pura per incapsulare scorci momentanei dell’effetto della luce sulla prospettiva.
Gli anni successivi: 1901-1926
L’artista e la sua seconda moglie, Alice, avevano trasferito la loro famiglia nella frazione di Giverny dove avevano acquistato una casa con proprietà nel 1890. Monet si mise al lavoro per creare un rifugio privato dove avrebbe prodotto alcune delle sue opere più amate negli ultimi decenni della sua vita. Giardini fioriti e uno stagno di gigli con un pittoresco ponte giapponese fornirono i paesaggi che l’artista avrebbe dipinto più e più volte all’inizio del secolo. Più tardi avrebbe dichiarato che i giardini di Giverny costituivano la sua più grande opera d’arte.
Viste di terre straniere
Durante i suoi viaggi nel primo decennio del XX secolo, l’artista dipinse una serie di Case del Parlamento nel Palazzo di Westminster, che sorge dalla nebbia o torreggia su acque dorate dal sole al tramonto. Durante lo stesso periodo, l’artista ha prodotto diversi dipinti in uno studio di Waterloo Bridge e il Tamigi in vari atteggiamenti di luce e nebbia. Ha anche visitato la regione mediterranea e Madrid nei primi anni del 1900.
Gigli d’acqua
Il suo chef d’oeuvre, tuttavia, lo stava effettivamente aspettando nel suo cortile di casa dove ha prodotto la sua serie di dipinti di stagni di ninfee, che consiste di circa 300 tele in totale, 40 di loro in grande formato. L’artista ha dipinto le sue prime rappresentazioni negli anni 1890, ma ha prodotto la maggior parte delle opere durante gli ultimi due decenni della sua vita. I primi dipinti del suo stagno di ninfee includevano i convenzionali confini spaziali dell’acqua, della terra circostante e dell’orizzonte, ma man mano che progrediva attraverso queste opere, tali confini cominciarono a fondersi fino a quando, infine, lo stagno sconfinato divenne l’universo, la sua portata incommensurabile e definita esclusivamente dalla luce.
Dopo aver perso sia la sua seconda moglie, Alice, che il suo figlio maggiore, Jean, rispettivamente nel 1911 e nel 1914, l’artista cercò consolazione imbarcandosi in una nuova grande opera, una serie di enormi pannelli di Ninfee. Il giorno dell’armistizio nel 1918, si organizzò per donare i murales risultanti allo stato francese per l’installazione nel Museo dell’Orangerie. Da perfezionista, l’artista ha rivisto e rielaborato questa serie ripetutamente negli anni successivi fino alla loro installazione finale nel 1927 in due stanze ovoidali di sua progettazione. L’opera comprende otto pannelli di dimensioni di una stanza, ognuno alto più di due metri e mezzo, con lunghezze progettate per adattarsi allo spazio. Andre Masson battezzerà queste stanze “La Cappella Sistina dell’impressionismo” in una recensione del 1952.
L’influenza di Claude Monet
Come William Shakespeare sulla letteratura e Sigmund Freud sulla psicologia, l’impatto di Monet sull’arte moderna è enorme. Monet è stato tra gli artisti più influenti di qualsiasi epoca, e la sua tavolozza di colori unica, la sua visione e la sua conformazione avrebbero avuto un impatto duraturo sulle belle arti future. Molti artisti sono stati influenzati da Monet, le cui tecniche hanno ispirato impressionisti e post-impressionisti come Vincent van Gogh. In termini di forma e scala, il lavoro dell’artista ha influenzato direttamente gli espressionisti astratti come Jackson Pollock e Mark Rothko. Il popolare artista Andy Warhol rifletteva l’influenza di Monet nelle sue interpretazioni multiple di un singolo soggetto. Claude Monet ha anche posto alcune delle basi per il movimento minimalista degli anni sessanta. Ancora estremamente popolare, l’artista continua ancora oggi a definire sia l’apprezzamento del pubblico per l’arte che la percezione della bellezza nella sua forma più pura.