Quattrocento anni dalla creazione della sua prima opera, Monteverdi è ancora considerato la figura più potente e innovativa della storia della musica.
Claudio Monteverdi è stato uno dei più grandi visionari della musica. Come Beethoven circa 200 anni dopo, padroneggiò ed esaurì rapidamente la tradizione musicale che aveva ereditato – i capolavori corali dello stile polifonico rinascimentale, o “prima prattica” – e accelerò il ritmo del cambiamento stilistico verso le glorie del barocco, o “seconda prattica”.
Il suo impatto nello stabilire la forma emergente dell’opera fu incalcolabile, così come la sua rivoluzionaria scrittura orchestrale e gli innumerevoli nuovi tessuti ed effetti che ideò. Ha anche ampliato il vocabolario armonico della musica a livelli di dissonanza quasi ineguagliabili. Quando Monteverdi arrivò a comporre i suoi celebri Vespri nel 1610, tutto era stato gettato, come Berlioz, nel crogiolo per produrre musica su una scala senza precedenti, che spaziava da una spiritualità incandescente ad accenni di erotismo.
Già nel 1600, le tendenze “moderniste” di Monteverdi erano state criticate dall’eminente teorico bolognese Giovanni Artusi, che pubblicò un pamphlet deridendo le tecniche progressive di Monteverdi.
Monteverdi rispose nella prefazione al suo Quinto Libro di Madrigali assicurando ai suoi ascoltatori che essi potevano “riposare contenti nella consapevolezza che, per quanto riguarda le consonanze e le dissonanze… il mio punto di vista è giustificato dalla soddisfazione che dà sia all’orecchio che all’intelligenza”.
Monteverdi non era un semplice iconoclasta che inveiva contro la tradizione, come è evidenziato dalle sue lettere superstiti, che rivelano un uomo che aveva a cuore la sua arte ed era molto sensibile alle critiche. Le sue lettere mostrano, inoltre, che la perdita della sua prima moglie, Claudia, nel 1607, divenne quasi troppo per lui da sopportare, e che prese molto seriamente i suoi conseguenti doveri di genitore.
Fu questo, più di ogni altra cosa, a spingere il genio di Monteverdi a così grandi altezze – mentre lottava per affrontare la paternità e la depressione, trovò il suo sfogo nella musica.
Nato come figlio di un barbiere-chirurgo cremonese, Monteverdi iniziò a comporre fin da bambino e fece pubblicare a Venezia il suo primo libro di mottetti in tre parti quando aveva solo 15 anni. Due anni dopo fece pubblicare un volume di canzonette, seguito nel 1587 dal primo di nove libri di madrigali (otto furono pubblicati sotto la supervisione di Monteverdi, il nono fu pubblicato postumo).
Questa serie di successi fu coronata dalla sua nomina alla Corte di Mantova nel 1592, come violista. Fu un’impresa più pericolosa di quanto possa sembrare, perché il duca di Mantova partì alla conquista dei Turchi nel 1595 e Monteverdi fu costretto ad accompagnarlo per sollevare il morale delle truppe.
Sopravvisse alle varie scaramucce e quattro anni dopo sposò una delle cantanti di corte, Claudia de Cattaneis, dalla quale ebbe due figli e una figlia – quest’ultima morì in tenera età.
Quando fu nominato maestro di cappella a Mantova nel 1601, Monteverdi era già saldamente affermato come una delle stelle nascenti della musica italiana. Ma fu la pubblicazione del suo Quarto e Quinto Libro di Madrigali, rispettivamente nel 1603 e nel 1605, che mise davvero il gatto tra i piccioni.
Le regole accademiche furono spazzate via dall’acqua mentre Monteverdi sviluppava nuove progressioni armoniche che davano vita alle parole come mai prima. Copie illecite circolavano ampiamente, ispirando eccitazione tra i musicalmente colti dell’epoca.
Questa fase creativa iniziale raggiunse l’apice con la prima opera di Monteverdi, L’Orfeo. L’Orfeo andò oltre l’ossessione fiorentina per il recitativo secco, abbracciando il madrigale, il canto per liuto e ogni sorta di nuove sonorità orchestrali ed effetti teatrali lungo la strada.
In un solo colpo, Monteverdi aveva rivoluzionato un genere ancora agli inizi. Situazioni drammatiche che prima avrebbero potuto suscitare poco più di un cenno del capo cominciarono a coinvolgere seriamente le emozioni del pubblico. La musica non sarebbe più stata la stessa.
Il talento di Monteverdi nel tradurre lo spettacolo visivo in musica di qualità duratura può essere ascoltato con effetto sorprendente anche nei suoi balletti, in particolare Il Ballo Delle Ingrate (1608). Sulla carta potrebbe non sembrare il più avvincente degli scenari – Venere, Eros e Plutone liberano diverse donne dissolute dall’inferno per mostrare alle persone sulla terra a cosa vanno incontro se sbagliano la retta via.
Tuttavia, con i maghi degli effetti speciali che hanno tirato fuori tutte le fermate – quando il sipario si è alzato, il pubblico è rimasto affascinato dalle nuvole di fumo che rappresentavano le fauci dell’inferno – e l’uso da parte di Monteverdi di nuovi entusiasmanti strumenti musicali, compreso uno spaventoso glissando verso il basso quando Plutone descrive la discesa agli inferi, è diventato il biglietto più caldo della città.
Dopo essere stato costretto a tornare al lavoro in seguito alla morte della moglie nel 1607, Monteverdi era diventato sempre più disincantato dalla vita a Mantova, e le cose ora arrivarono a un punto critico tra il compositore e i suoi oppressivi padroni.
Nel 1610, sperando di assicurarsi un posto a Roma, Monteverdi dedicò un nuovo magnifico volume di musica sacra al Papa. Questo monumentale sforzo creativo fu prodotto durante un periodo penoso della sua vita; era ancora in lutto per la perdita della moglie e si era ammalato così tanto che i medici avevano fatto ricorso al salasso.
Nonostante i suoi sforzi, le proposte di Monteverdi a Roma non approdarono a nulla, e fu solo alla morte del duca di Mantova Vincenzo nel 1612 che gli fu presentata una via d’uscita; il successore di Vincenzo non aveva bisogno dei suoi servizi e lo licenziò. L’anno seguente si rese disponibile il posto di maestro di cappella a San Marco a Venezia. Monteverdi non ebbe bisogno di essere persuaso, e lì ebbe un tale impatto che il suo stipendio iniziale fu quasi raddoppiato nel giro di tre anni.
Il periodo di servizio di Monteverdi a Venezia si dimostrò un giusto culmine della sua lunga e illustre carriera. Nel 1619 pubblicò il Settimo Libro dei Madrigali, che sviluppò ulteriormente l’audacia armonica dei suoi volumi precedenti, e cinque anni dopo il suo intrattenimento ibrido, Il Combattimento Di Tancredi E Clorinda (un’ambientazione di strofe di un famoso poema dell’epoca), creò una sensazione alla sua prima.
Questo rivoluzionario pezzo di “battaglia” – un predecessore della Vittoria di Wellington di Beethoven e dell’Ouverture 1812 di Tchaikovsky – incantò il pubblico.
Per la prima volta l’orchestra appariva come un corpo indipendente con ogni sorta di tecniche nel suo arsenale – in particolare lo stile concitato, caratterizzato da rapide note ripetute per suggerire uno stato agitato o bellicoso. Quando i due combattenti finalmente si affrontano, i bruschi colpi di pizzicato dell’orchestra suggeriscono inequivocabilmente il suono delle spade, mentre il galoppo dei cavalli è brillantemente realizzato da una ripetizione dello stesso accordo a un ritmo saltellante in tempo triplo.
Purtroppo, non tutta la migliore musica di Monteverdi di questo periodo è sopravvissuta. Esiste solo un trio dalla sua opera Proserpina Rapita del 1630, e il Gloria è tutto ciò che rimane di una messa di ringraziamento del 1631 scritta appositamente per San Marco. L’ottavo libro di madrigali (1638) segna un altro punto di svolta per Monteverdi, che sembra usarlo come una retrospettiva sulla sua musica e le sue teorie degli ultimi 30 anni.
Oltre alle opere più vecchie, questo volume contiene anche composizioni che dimostrano il continuo sviluppo delle tecniche musicali e delle teorie di Monteverdi. Quasi voltando le spalle agli intricati contrappunti a cinque parti che aveva fatto tanto per sviluppare, cominciò a pensare di più in termini di pura armonia, con le voci che si muovono insieme in blocco. Fece anche maggiore affidamento sul fatto che alle voci soliste rispondessero altri membri del coro, quasi alla maniera del canto medievale.
Monteverdi avrebbe potuto posare per sempre la sua penna operistica se non fosse stato per l’apertura dei primi teatri d’opera pubblici a Venezia dal 1637, per i quali scrisse tre capolavori finali: Il Ritorno D’Ulisse In Patria (1640), Le Nozze D’Enea Con Lavinia (1641, perduto), e L’incoronazione Di Poppea (1642). Sebbene sia un capolavoro a sé stante, non è affatto certo che quest’ultima sia stata scritta interamente da Monteverdi.
È ormai generalmente accettato, tuttavia, che egli ne abbia composto una parte sostanziale, con ulteriore musica scritta, riscritta o trasposta da altri. La trama coinvolge l’imperatore romano, Nerone, che vuole sostituire sua moglie, Ottavia, con la sua amante intrigante, Poppea. I piani di Otone (che ama Poppea) e Ottavia per assassinare Nerone si ritorcono contro e l’opera si conclude con l’incoronazione di Poppea.
Chiunque siano state le mani responsabili di quello che è probabilmente il più grande capolavoro dell’opera italiana del XVII secolo, il suo impatto fu incalcolabile, non solo in termini di gamma espressiva ma anche per il suo stile innovativo come opera “storica”.
Monteverdi morì l’anno successivo, all’età di 76 anni, poco dopo un’ultima visita alla sua città natale, Cremona. Fu sepolto nella chiesa dei Frari a Venezia, avendo dettato da solo la direzione che la musica italiana avrebbe preso per i successivi 400 anni.