L’arte contemporanea è un periodo che viene generalmente considerato a partire dal 1945. A causa di questo, l’arte contemporanea può essere considerata dal dopoguerra ad oggi. Molti stili, generi e approcci artistici diversi hanno avuto luogo durante questo periodo. È quindi difficile sapere da dove iniziare. Ecco perché Artpser ti dà l’opportunità di scoprire 25 opere d’arte contemporanea che devi assolutamente conoscere per poter capire questo periodo artistico!
Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962
Un’opera iconica dell’artista pop Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans illustra la cultura consumistica e i mass media nella società americana. Oltre a questo, lo stile di Andy Warhol è visibile nel suo lavoro. Attraverso la ripetizione dell’oggetto rappresentato, l’artista realizza una critica della società dei consumi, che non smette di produrre.
Louise Bourgeois, Maman, 1990
Alta 30 metri ed evocante la forma di un ragno, Maman è una delle opere iconiche di Louise Bourgeois. L’opera esiste in varie versioni, con materiali diversi e vari. La scultura è stata costruita per una mostra alla Tate Modern, e rende omaggio alla madre dell’artista, morta improvvisamente quando aveva solo 21 anni.
Jackson Pollock, Autumn Rhythm, 1950
Creato all’apice della carriera di Jackson Pollock, Autumn Rythm è un perfetto esempio della tecnica di pittura “goutte-à-goutte”, altrimenti nota come “drip-painting”. Quest’ultima tecnica, specifica di Pollock, lo rese famoso per la sua originalità. Per creare le sue opere Pollock stava in piedi sulla sua tela e lasciava cadere il colore diluito sulla tela, lasciandolo cadere naturalmente. Faceva gocciolare, schizzava, raschiava e versava il colore sulla sua tela. Per l’artista, il movimento e i colori stessi guidavano la sua arte. Questo metodo unico di pittura è considerato il marchio di fabbrica dell’artista.
Njideka Akunyili Crosby, I Still Face You, 2015
Giovane artista dinamica, Njideka Akunyili Crosby unisce la sua doppia esperienza culturale nelle sue vibranti opere d’arte. Dopo aver trascorso i suoi anni formativi in Nigeria, si è trasferita in America all’età di 16 anni e ora vive e lavora a Los Angeles. Le sue opere, intensamente personali, uniscono le sue ricche influenze culturali, con dipinti in acetone più “tradizionali” sovrapposti a scenografie complesse, che sono spesso una collazione di elementi tratti dalla cultura popolare nigeriana.
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991
Conservata in formaldeide, l’opera The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living di Damien Hirst è ancora oggi uno dei pezzi più controversi dell’arte contemporanea. Il pezzo originale fu commissionato dal collezionista Charles Saatchi nel 1991, ma lo squalo dovette essere sostituito nel 2004 quando l’opera fu venduta. A causa della natura dell’opera, molti si chiedono se questa creazione di Damien Hirst debba essere considerata arte o meno.
Cecily Brown, The Girl Who Had Everything, 1998
Cecily Brown è nota per le sue opere lussuose ed estremamente strutturate. La sua arte è un mix tra quella dei maestri barocchi e l’espressionismo astratto. Mescola colore e texture con figure suggestive e sessualmente esplicite e forme biomorfe che spiccano tra i vortici astratti che dominano i suoi dipinti. Alludendo semplicemente alle forme piuttosto che offrire una rappresentazione concreta, l’artista costringe lo spettatore a esaminare correttamente i dipinti, da cui le immagini erotiche nuotano a fuoco.
Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965
Yayoi Kusama è stato descritto come uno degli artisti più eccentrici del nostro tempo. Il suo lavoro psichedelico e allucinatorio usa motivi e ripetizioni per giocare con il concetto di infinito. Infinity Mirror Room è un’installazione immersiva progettata per inghiottire lo spettatore/partecipante in un senso travolgente di infinito e possibilità. Yayoi Kusama ha descritto la sua vita come “un pisello perso tra migliaia di altri piselli”.
Keith Haring, Senza titolo, 1982
Questo dipinto riassume lo stile Pop Art di Keith Haring, con figure dinamiche e una composizione semplice. Dai suoi inizi come artista di graffiti nella metropolitana di New York, Keith Haring ha iniziato la sua carriera con le sue figure e modelli immediatamente riconoscibili. Uno dei suoi simboli più comunemente rappresentati è il cuore. Ha usato il suo lavoro per divulgare importanti messaggi sulla sessualità e l’AIDS in un’epoca in cui lo stigma e il tabù che circondano questi argomenti erano ancora prevalenti.
Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1981
Questa vibrante e dinamica opera d’arte, dipinta quando Jean-Michel Basquiat aveva solo vent’anni, è considerata una sorta di enigma dai critici d’arte. Chiamata a volte “Teschio” a causa della forma del viso, questa complessa composizione solleva certamente più domande che risposte. Raffigura un teschio o un volto mezzo formato? Il dipinto rappresenta la vita o la morte? Alcuni si chiedono anche se non sia una sorta di autoritratto dell’artista.
Jenny Saville, Propped, 1992
Il dipinto che ha dato il via alla carriera di Jenny Saville è un sorprendente autoritratto. La Saville si è fatta un nome con i suoi grandi ritratti (spesso autoritratti) che mostrano donne che non sono conformi ai soliti standard di bellezza della società, ma che riflettono la grande diversità della bellezza nelle donne. La sua caratteristica manipolazione dei dipinti a olio e i suoi toni caldi della pelle ricordano Lucian Freud e Francis Bacon.
Banksy, Girl with Balloon, 2002
Questo iconico artista di graffiti di oggi è apparso per la prima volta sul Waterloo Bridge di Londra, anche se da allora è stato ridipinto. Questo lavoro è stato fatto molte volte a sostegno di varie campagne politiche, in particolare la crisi dei rifugiati siriani nel 2014. Nel 2018, una copia incorniciata dell’opera si è stracciata spontaneamente durante un’asta da Sotheby’s grazie a un dispositivo che Banksy stesso ha installato nella cornice. Ha ri-titolato l’opera sminuzzata, Love is in the Bin. La donna che aveva comprato la stampa per un prezzo record ha deciso di procedere con la vendita.
Tracey Emin, My Bed, 1998
My Bed, come indicato dal nome, è una ricostruzione del letto sfatto dell’artista. Tracey Emin spiega che questa idea le è venuta dopo un lungo periodo di depressione causato da relazioni difficili e dall’alcolismo. Dopo essersi ripresa dalla depressione, fu disgustata dai detriti che si erano accumulati nella sua stanza e decise di esporli. L’opera fu nominata per il Turner Prize, il che scatenò un’enorme controversia sul fatto che si qualificasse o meno come arte.
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961
Con Look Mickey, Roy Lichtenstein rappresentò per la prima volta nella sua carriera una scena e uno stile appartenenti alla cultura pop, un passo che sarebbe diventato la sua firma. La sua ricostruzione di una scena preesistente, fino al fumetto, ha portato molti a descrivere l’opera come un insulto alle belle arti. Tuttavia, questo stile unico è stato celebrato. Oggi è considerato come uno dei precursori del movimento della Pop Art.
Takashi Murakami, Flower Ball, 2002
Murakami si è inizialmente formato nell’arte tradizionale giapponese del Nihonga, prima di essere frustrato dall’elitarismo associato a questo genere. Ha inventato il termine “superflat” all’inizio degli anni 2000 per descrivere l’eredità dell’arte 2D nella cultura giapponese attraverso una lunga eredità di anime e manga, ma anche per rivolgersi alla società giapponese del dopoguerra.
David Hockney, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1972
Considerata l’opera d’arte più costosa di un artista vivente mai venduta all’asta, Portrait of an Artist è uno dei pezzi più iconici di David Hockney. L’opera è stata creata utilizzando due fotografie che sono state messe in scena dall’artista. La prima versione dell’opera fu distrutta. Tuttavia, una seconda versione fu ridipinta nel corso di due settimane nel 1972.
Dorothea Tanning, Door 84, 1984
Questa opera di Dorothea Tanning segna l’inizio di un’evoluzione e di un passaggio dal surrealismo figurativo a composizioni più astratte grazie a pennellate sciolte e dinamiche e a colori brillanti. L’artista ha creato quest’opera con pittura a olio e un segmento di porta. Questa non è una delle opere più conosciute dell’artista. Infatti, l’artista è diventata particolarmente famosa per le sue opere Birthday (1942) e Eine Kleine Nachtmusik (1943).
Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994
L’ex trader di Wall Street, Jeff Koons, è una figura molto controversa nel mondo dell’arte. Ha dichiarato che non c’è nessun messaggio di significato più profondo dietro le sue opere. Inoltre, utilizza un laboratorio per dare vita alle sue visioni. Quindi non crea lui stesso le sue opere. Per queste ragioni, molti si chiedono se le sue opere possano essere legittimamente considerate arte. I suoi cani Balloon metallici sono alcune delle sue opere più riconoscibili.
Marc Chagall, soffitto dell’Opéra Garnier di Parigi, 1964
Il soffitto dell’Opéra Garnier di Parigi è certamente una delle opere più famose di Chagall. È stato molto controverso dal momento della sua creazione fino alla sua inaugurazione ufficiale nel 1964. Infatti, i vari pannelli sono stati assemblati sotto la protezione di guardie militari. Questa vibrante opera è considerata come il riflesso dello status di Chagall come “uno dei grandi pittori del nostro tempo” e contiene riferimenti a famosi compositori e artisti nel corso della storia.
Frida Kahlo, Autoritratto, 1948
Questo sorprendente autoritratto fu l’ultimo dipinto da Frida Kahlo. L’autoritratto è l’unica opera d’arte creata dall’artista durante tutto l’anno 1948 a causa del peggioramento delle sue condizioni di salute. In quest’opera, Frida Kahlo indossa un costume tradizionale di Tehuana con un colletto in rilievo che le incornicia il viso e sostituisce il suo solito sfondo ornato e naturale. La nitidezza del suo viso e dell’espressione accentua l’emozione.
Lucian Freud, Reflection, 1985
Lucian Freud è noto per le sue rappresentazioni figurative. Tutto il suo lavoro è autobiografico e tutti i suoi autoritratti sono stati realizzati con l’aiuto di specchi. Quest’opera è un perfetto esempio dello stile artistico del suo creatore: ogni linea, ogni difetto del suo viso e della sua pelle sono visibili. Il nipote dello psicologo Sigmund Freud è considerato da molti un artista che ritrae i suoi soggetti in modo brutale. Offre quindi al pubblico uno sguardo nelle loro menti e nei loro mondi.
Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007
Nel 2007, il fidanzato di Sophie Calle ha messo fine alla loro relazione via e-mail. Terminava con le parole “prenditi cura di te stesso”. Qualche tempo dopo, l’artista ha distribuito questa e-mail a 107 donne, scelte per la loro professione, e ha chiesto loro di interpretare le sue parole. Le risposte includono critiche linguistiche, analisi legali, interpretazioni di danza, codifica e persino un breve filmato di un cacatua che mangia lentamente la nota stampata. Le diverse risposte sono riunite in questa straordinaria esplorazione delle relazioni e della vulnerabilità.
Antony Gormley, Angel of the North, 1998
Anthony Gormley è noto per le sue statue antropomorfe. Queste sono spesso basate su calchi del suo stesso corpo. Angel of the North è una delle opere più note di questo artista. Quest’ultima si trova a Gateshead nel Regno Unito. È stato realizzato in quattro anni e sono state spese 800.000 sterline per costruirlo. Le ali sono leggermente inclinate verso l’interno, suggerendo un abbraccio. Inoltre, la scultura vuole rappresentare il passare del tempo.
Ai Weiwei, Remembering, 2009
L’artista cinese Ai Wei Wei ha creato questa sorprendente opera per rendere omaggio ai bambini vittime di un terremoto. Questo ha avuto luogo nel 2008 nella provincia del Sichuan. Particolarmente devastante, la catastrofe naturale ha distrutto molte scuole. Queste erano costruite male e hanno portato alla morte di molti bambini. L’opera su larga scala è composta da 9.000 zaini per studenti. Lo spettatore può leggere i caratteri cinesi “ha vissuto felicemente in questo mondo per sette anni”. Questa frase è una citazione di una madre addolorata per il suo bambino perduto.
Francis Bacon, Tre studi di Lucian Freud, 1969
Venduto nel 2013, questo trittico è diventato l’opera d’arte più costosa venduta da un artista britannico. Rappresenta l’amico e rivale dell’artista, Lucian Freud. La combinazione di colori è dinamica. Francis Bacon sottolinea l’importanza di non separare i tre studi.
Mark Rothko, Orange, Red, Yellow, 1961
Nel 2012, Orange, Red, Yellow, ha battuto i record all’asta durante la sua vendita. Noto per le sue opere geometriche, astratte e dai colori vibranti, Mark Rothko ha ricevuto tante critiche quante lodi. Rothko ha realizzato le sue opere su una scala molto grande. Per l’artista, il suo lavoro doveva essere “molto intimo e umano”. Raccomandava agli spettatori di stare a 18 metri di distanza da queste opere per sperimentare pienamente l’intimità e la trascendenza tra l’opera e il pubblico.