Les 30 meilleures versions live de chansons

Sur disque, ils étaient propres. Sur scène, ils étaient propres. Alors, quelle est la différence ? Avec « Transmission », Curtis ne crache pas tant les paroles qu’il ne tisse une corde fragile mais magnifique, à partir de laquelle il se balance dans tous les sens. Personne ne rejettera jamais le mixage intemporel et peu orthodoxe de Martin Hannett sur Unknown Pleasures, c’est un exemple indéfectible de travail de production de diamant. Mais avec le recul, le producteur radical a simplement piégé les tendances charnelles du groupe. A l’intérieur de l’album se trouvait ce que seuls quelques uns savaient à l’époque : Ce quatuor de Manchester travaillait avec quelque chose d’autre que le monde, et regarder « Transmission » en direct le prouve. C’est juste un peu effrayant, c’est tout. -Michael Roffman

The Flaming Lips – « Race For the Prize »

Ballons, machines à fumée, confettis, écrans de projection de 40 pieds, lumières colorées, et des danseurs de fond portant des costumes d’animaux en peluche – « Race for the Prize » a non seulement marqué un tournant dans la carrière discographique du groupe, mais aussi la transformation de leurs performances live en un grand spectacle surchargé de sens qu’ils sont connus pour être aujourd’hui. Après The Soft Bulletin, on n’avait plus l’impression de regarder un groupe se produire sous l’effet de l’acide, mais de voir le public tout entier tripper avec eux. Devenu un incontournable de leurs setlists, il n’y a pas de chanson dans le catalogue des Flaming Lips mieux adaptée pour donner le ton de leurs concerts déjantés que l’envolée acid-pop de « Race for the Prize ». -Austin Trunick

Tool – « Third Eye »

« Pensez par vous-même… remettez en question l’autorité », le monologue d’ouverture supplie ses auditeurs, juste avant que l’un des numéros musicaux les plus prestigieux et obsédants de Tool ne vienne étouffer un public en direct. « Third Eye » est le dernier morceau de l’album Ænima de 1996, et grâce à cet enregistrement de concert de 1998, les fans peuvent se remémorer les jours où Maynard James Keenan pouvait pousser un cri qui poussait les gens à s’interroger sur leur propre identité. Une version similaire à celle présentée ici peut être trouvée sur la compilation Salival de Tool par achat d’occasion, car elle est maintenant épuisée. -David Buchanan

John Coltrane – « My Favorite Things »

John Coltrane s’est emparé du classique de Broadway de Rodgers et Hammerstein, « My Favorite Things », deux ans seulement après qu’il ait été mis en scène dans la Mélodie du bonheur, en étirant l’air du spectacle en un jam endiablé de 13 […]et demie qui est considéré comme l’un des disques de jazz les plus essentiels de tous les temps. Mais c’est à John Coltrane qu’il revient de détourner son propre tube chaque fois qu’il le joue en concert avec son groupe, notamment au festival de jazz de Newport en 1963. Dans ce qui est peut-être la meilleure performance de sa carrière, Coltrane et ses sidemen emmènent l’air dans une longue virée de 17 minutes si hypnotique et mémorable que vous ne sifflerez plus jamais cette petite mélodie joyeuse de la même façon. -Möhammad Choudhery

Massive Attack- « Angel »

En tournée, « Angel » prend une toute nouvelle vie avec l’aide du spectacle de lumière lunatique caractéristique du groupe et d’un groupe live stellaire qui comprend deux batteurs en direct. Des charlestons sinistres et une ligne de guitare noire font place à une explosion apocalyptique de basse/guitare/batterie juste au moment où Horace Andy a fini de marmonner la phrase « love you, love you, love you ». Ici, Massive Attack s’attaque à leur chanson fétiche devant une foule de milliers de personnes à Glastonbury 2008. Le meilleur moment ? Cette fraction de seconde de silence ébahi juste au moment où le groupe se met en marche et où la foule explose. -Möhammad Choudhery

Okkervil River – « Westfall »

Le frontman d’Okkervil River, Will Sheff, a été inspiré pour écrire cette mélodie sinistre après avoir entendu les détails gores des meurtres du Yogurt Shop à Austin, au Texas. Alors que la version album explore avec succès la nature déroutante du vrai mal, seule l’interprétation rauque en direct est capable de capturer l’esprit sauvage des meurtres eux-mêmes. La chanson commence de manière minimale, en évoquant une atmosphère austère avec une guitare, une mandoline et une grosse caisse avant qu’un accord de cordes sinistre ne donne le coup d’envoi de la coda martelante « evil don’t look like anything », tandis que Sheff hurle et que le reste du groupe s’effondre autour de lui. Le même crescendo se produit sur le disque, mais il semble plus serré que chaotique. -Dan Caffrey

Talking Heads – « Psycho Killer »

Le réalisateur Jonathan Demme et l’œuvre maîtresse des Talking Heads en 1984, Stop Making Sense, est le film du concert. Si de nombreuses raisons existent pour soutenir un tel argument, une seule compte vraiment : l’interprétation d’ouverture joviale de « Psycho Killer » par David Byrne. Une tenue pointue, des rythmes syncopés, une cassette, une guitare acoustique et un homme dont la démarche pourrait se traduire par un déséquilibre mental ou une comédie physique… oubliez Andrew WK et les Beastie Boys ; la boombox de Byrne vous coiffe au poteau. -David Buchanan

LCD Soundsystem – « Yeah »

James Murphy dit « Yeah » un total de 577 fois dans cette vidéo (vous n’avez pas besoin de compter – tout est là). C’est plus de fois que je n’ai jamais dit quoi que ce soit dans toute ma vie, et pourtant on ne s’en lasse pas. Avec cette batterie et cette basse disco, le groupe étire les perches de la chanson au maximum, et si vous vous trouvez dans la foule pendant « Yeah », vous vous retrouverez à crier les 577 « Yeah » en même temps que lui. Le trance-punk a reçu une naissance vivante. -Jeremy D. Larson

Bruce Springsteen – « Thunder Road »

En plus d’être une fantastique version live du side-one, track-one de son intouchable Born To Run, ce clip de six minutes, enregistré dans son New Jersey natal en 1978, est un minuscule condensé de ce qu’est exactement le live du Boss. De l’énergie et du charisme dégagés par Springsteen, de sa Fender Telecaster, de ses musiciens (Max Weinberg à la batterie, son vieil ami Steve Van Zandt à la guitare et aux chœurs, et le regretté Clarence Clemons – dont le solo de saxophone glaçant a plus de sens cette semaine qu’il y a un mois), à ses fidèles fans qui crient « Bruuuuuuuuuce ! » à la fin de la vidéo, voilà ce qu’est (et a toujours été) Springsteen. -Winston Robbins

Sufjan Stevens – « Impossible Soul »

Sur « Impossible Soul », la clôture cathartique de 25 minutes d’Age of Adz, Sufjan Stevens redéfinit le mélodrame et l’étendue virtuose, le saut de genre. Stevens, dans sa manière typiquement ostentatoire, a choisi de clôturer chaque concert de la tournée Age of Adz avec cette satanée chanson. « Impossible Soul  » est un tour de montagnes russes dans le cerveau droit de Stevens : de l’intro en forme d’appel et de réponse, en passant par un segment atypique de vocodeur, jusqu’à la section médiane de la chanson de rallye métaphysique qui mène finalement à une outro déchirante, jouée au doigt. Woah. -Möhammad Choudhery

Bob Marley – « No Woman, No Cry »

Cette version est si profondément dans le groove que je ne sais pas comment quelqu’un peut en sortir quand elle se termine. Avant que le ska n’accélère les choses, Bob Marley a ralenti les choses lorsqu’il a porté « No Woman, No Cry » sur scène, qui est la version que la plupart des gens connaissent. La version studio a ses mérites, mais c’est la seule option pour une mixtape de feu de camp ou un hommage commémoratif. De plus, quand on dit à quelqu’un que « tout va bien se passer », on ne veut jamais le brusquer. -Jeremy D. Larson

Phish – « Fluffhead »

Il n’y avait pas de plus grande nouvelle pour la Nouvelle-Angleterre à l’hiver 2009 que la nouvelle que Phish se reformait pour un concert de trois soirs au Coliseum de Hampton. Ce qui a commencé comme trois spectacles de retrouvailles (très approfondis) s’est transformé en la prochaine étape de la carrière du quatuor du Vermont, et ils ont tout lancé avec « Fluffhead ». De tout leur catalogue, « Fluffhead » a toujours été un grand favori des fans et a fait des apparitions occasionnelles dans leurs setlists, mais cette fois, c’est lui qui a donné le coup d’envoi. Alors que la version studio de l’album Phish (ou The White Tape) de 1986 ressemble à une démo enjouée, la version d’Hampton ’09 est comme un appel aux armes musicales (ou à l’improvisation). Alors que cette merveilleuse progression C-D-G-F résonnait dans la nuit printanière de Virginie, il était clair que les seules personnes plus excitées par cette réunion qu’Anastasio, Gordon, Fishman et McConnell… étaient les phans. -Ted Maider

Led Zeppelin – « Dazed and Confused »

Au moment du concert au Royal Albert Hall en janvier 1970, Led Zeppelin avait déjà commencé à conquérir le monde. Mais ce concert en particulier allait mettre en valeur leurs prouesses d’improvisation sur  » Dazed and Confused « , transformant l’enregistrement original de six minutes et demie en un majestueux opus de 16 minutes. Déjà un pilier de leur répertoire live, il y avait quelque chose de particulier dans ce morceau cette fois-ci qui les a vraiment marqués. À ce jour, il fait toujours dresser les cheveux sur la nuque. C’est comme ça qu’on le fait. -Megan Caffery

My Morning Jacket – « Dondante »

Le début lent et intime mène à une explosion émotionnelle de voix envolées suivie d’un des jeux de saxophone les plus puissants de ce côté de John Coltrane. Quand c’est fait de la bonne façon – et My Morning Jacket le fait généralement de la bonne façon – cela peut vraiment être une expérience transcendantale. Pour un groupe de scène très respecté, avec d’innombrables bonnes « versions live », le fait que « Dondante » soit généralement le point culminant de leurs concerts en dit long. -Carson O’Shoney

Radiohead – « Everything In Its Right Place »

Comment jouez-vous un morceau de Kid A en concert ? Comment faites-vous pour écrire un album comme Kid A ? Et comment diable un Thom Yorke déformé, confus et recyclé chante-t-il avec un vrai Thom Yorke, jouant d’un clavier qui est recyclé et découpé lui aussi, jusqu’à ce que le groupe puisse quitter la scène pendant que leur musique continue, se mangeant lentement elle-même ? Demandez à n’importe quel Parisien qui les a regardés en 2001 ci-dessus. -Chris Woolfrey

Arcade Fire – « Power Out/Rebellion »

Pas beaucoup de chansons peuvent ralentir le tempo tout en doublant l’énergie du public en même temps. C’est pourtant ce que fait Arcade Fire à chaque concert. Qu’elle sorte d’un explosif « Neighborhood #3 (Power Out) » ou plus récemment « Month of May », « Rebellion (Lies) » est le sommet d’une performance live. Il y a ce moment subtil où la basse et les claviers commencent à percer le bruit des guitares de la chanson précédente, vous donnant des frissons dans le dos. Puis il y a le chant. Quand le groupe crie « Lies ! », tout le monde dans la foule fait de même. Genre, tout le monde. -Joe Marvilli

The Beatles – « Get Back »

« Quatre personnes jouant comme elles ne le feraient plus jamais », c’est ainsi qu’a été décrit le concert sur le toit des Beatles, et il est facile de comprendre pourquoi. Il s’agit d’un groupe dont les tensions sont nées d’une dizaine d’années passées sous les feux de la rampe, entre autres, et qui s’est rallié pour une performance finale à couper le souffle. « Get Back », avec la police qui s’abat sur le groupe alors que le quatuor amène la musique à une sorte de diminuendo anti-climatique, a clôturé leur concert improvisé au sommet des bureaux d’Apple à Savile Row. Personne ne le savait alors, peut-être même pas les Beatles, mais cette chanson était la dernière qu’ils joueraient ensemble en concert, et elle est belle précisément parce que cet avenir était si incertain. Pour reprendre les mots de John Lennon : « Je voudrais vous dire ‘merci’ au nom du groupe et de nous-mêmes, et j’espère que nous avons réussi l’audition. » -Chris Woolfrey

U2 – « Where The Streets Have No Name »

C’est la chanson que tous les fans de U2 attendent à chaque concert. Peu importe ce qui est joué par ailleurs ou si le groupe est présent ou non, « Where the Streets Have No Name » est garanti comme étant spectaculaire. Tout d’abord, il y a l’écran rouge qui s’illumine lorsque l’orgue d’ouverture arrive. Edge arrive avec cet arpège glacé qui se répand dans tous les coins de la salle. La batterie démarre, toutes les lumières s’allument, et Bono et les garçons sont partis. Tout le monde chante et danse avec eux, en étant ensemble dans cette expérience émouvante qui ne peut être décrite. Il faut le voir et l’entendre pour le croire. -Joe Marvilli

My Bloody Valentine – « You Made Me Realise »

« You Made Me Realise », en plus d’être le go-to rocker de My Bloody Valentine (MBV), est connu pour clôturer les spectacles de réunion du groupe dans un « holocauste » prolongé de bruit blanc. D’une durée de 10 à 30 minutes (contre moins d’une minute sur la version studio), MBV retient l’accord final avant le dernier couplet, le frappe à un niveau assourdissant, et au moment où le groupe explose à nouveau dans le riff principal – s’il s’en préoccupe – la plupart de la foule a oublié quelle chanson était jouée. Quiconque a vu MBV en 2008/2009 est bien conscient que chaque salle était remplie jusqu’au toit de bouchons d’oreille gratuits, et « Realise » est la raison pour laquelle. -Harry Painter

Animal Collective – « Fireworks »

Il y avait de quoi tomber amoureux lors de cette interprétation épique, clôturant le spectacle, de la chanson « Fireworks » de Strawberry Jam, qui fait monter l’adrénaline.D’une durée d’environ 13 minutes, le groupe commence par taquiner les fans avec les rythmes d’hélicoptère caractéristiques de « Fireworks », tout en commençant par « Lablakey Dress » de Hollinndagain, pour finalement transformer ce deep-cut en une exploration de 10 minutes de « Fireworks » poussant la chose à ses limites absolues – y compris une pause à mi-parcours dans « Essplode » de Danse Manatee.Mais tandis que la lampe frontale de Geologist se balance dans tous les sens, se mêlant au spectacle de lumières épileptiques, et tandis qu’Avey Tare chante la mélodie infectieuse de la chanson sur ses grattages délavés, le simple fait de regarder Noah Lennox attaquer fébrilement sa batterie minimale et haute en poussées syncopées est l’une des expériences les plus époustouflantes de la musique live.Comme c’est généralement le cas avec ces Animals, il est difficile de savoir ce qui se passe vraiment, mais avec un résultat aussi époustouflant, cela n’a pas d’importance. -Drew Litowitz

Rage Against The Machine – « Freedom »

Dans les années 90, Rage Against the Machine était l’un des meilleurs groupes de scène à gracier le grand public, et cela a provoqué beaucoup de tristesse en 2001 lorsqu’ils ont annoncé leur séparation. Pour terminer leur (première) tournée, le groupe a réservé deux nuits au Grand Olympic Auditorium de Los Angeles. Leur finale, « Freedom », reste un élément essentiel de leur spectacle live, principalement en raison des paroles improvisées de Zack de la Rocha qu’il lançait dans le mélange (« Forget about your history and just buy…and just buy »). La version live (en particulier celle-ci) était l’équivalent sonore d’une émeute à Washington D.C., alors que de la Rocha criait « Freedom ! Pour Mumia ! Freedom ! Yeah ! » pour ce qui semblait être la dernière fois. Heureusement, ça n’a pas été le cas. -Ted Maider

The Grateful Dead – « Dark Star »

(Part 1)

(Part 2)

(Part 3, Part 4)

« Dark Star » est la quintessence de la chanson de Dead. Composée de quelques riffs et de deux courts couplets, elle se caractérise par l’improvisation entre ces éléments, qui s’étend souvent sur plus de 20 minutes de psychédélisme époustouflant. Il existe une version studio, d’une durée dérisoire de 2:40, qui n’aurait jamais dû exister en premier lieu. Alors, de toutes les versions live exceptionnelles, pourquoi 8/27/72 ? Bien que la légendaire version Live/Dead représente le son primal de 1969, la performance de 1972 à Veneta fusionne le style de jazz modal du début des années 70 des Dead avec le chaos contrôlé fulgurant des années 60, propulsant ce spectacle dans la catégorie des « meilleurs de tous les temps ». -Jake Cohen

Duke Ellington Orchestra – « Diminuendo and Crescendo In Blue »

Comme vous pourrez le constater dans le récit défilant du clip, cette chanson fait partie des légendes du jazz. Peut-être pas tout à fait au même niveau que Max Roach jetant une cymbale crash sur Charlie Parker, ou Buddy Rich jurant sur le bus de tournée tous les soirs, ou Charles Mingus tirant sur sa basse avec un pistolet (oui), mais définitivement un solide #4. Les 28 chorus du solo de blues de Paul Gonsalves ont provoqué ce qui passait pour une « émeute » au festival de jazz de Newport en 1956. Pendant 10 minutes seulement, l’esprit du Big Band a été réanimé grâce à la passion et au groove d’un saxophoniste ténor. -Jeremy D. Larson

Radiohead – « The Gloaming »

Sur Hail to the Thief, « The Gloaming. (Softly Open Our Mouths in the Cold.) » est sans prétention, le seul signe de vie étant la pulsation coronaire de la note de basse répétée. Soit par besoin de garder les spectateurs éveillés, soit par amour de Thom Yorke pour les danses gauches et désinvoltes, Radiohead en fait un numéro de danse très énergique. C’est gagnant-gagnant, car non seulement la section rythmique de Colin Greenwood et Phil Selway se retrouve avec quelque chose à faire, mais grâce aux voix éparpillées et en boucle de Yorke, « The Gloaming » conserve le sens de l’obscurité distordue de la version album. -Harry Painter

Iron & Wine – « Upward Over the Mountain »

Si tu m’avais dit en 2002 (bon sang, je me fais vieux) qu’un jour je me mettrais à fond – je veux dire que je perdrais littéralement mon sang-froid – sur la chanson « Upward Over The Mountain » de The Creek Drank the Cradle au Bonnaroo Music and Arts Festival de 2008, je vous aurais probablement dit de vous ressaisir, de laisser tomber l’acide et d’arrêter d’écouter votre bootleg du show de 1976 du Grateful Dead au Beacon Theater. Et sur le point culminant du concert, « Upward Over the Mountain », le folklorique barbu a transformé l’un de ses morceaux lents et clairsemés en une véritable épopée rock, agrémentée de percussions, de pedal steel et d’une mélodie pénétrante à la guitare slide, extraite de l’offre minimale et tachée de poussière de l’un des enregistrements les plus doux de Sam Beam. -Drew Litowitz

Daft Punk – « Around The World/Harder, Better, Faster, Stronger »

J’ai un jour décrit l’album live Alive 2007 de Daft Punk comme sonnant « beaucoup plus comme une collection de plus grands succès sans faille que comme un effort live. » Cette déclaration vaut aussi bien pour ce clip vidéo que pour l’album. L’inoubliable tournée Alive des Daft Punk n’était pas seulement une production visuellement spectaculaire, mais aussi l’une des plus cohérentes musicalement. Ce morceau particulier est une combinaison de leur plus grand succès des années 90, « Around the World », et de leur plus grand succès des années 2000, « Harder, Better, Faster, Stronger ». Alors que les deux morceaux se fondent l’un dans l’autre avec des lumières, des pyramides et des costumes de robots, il n’est pas difficile de comprendre l’attrait du duo français et pourquoi il est sans doute le DJ de danse/électronique le plus populaire de cette génération. -Winston Robbins

Atoms For Peace – « Harrowdown Hill »

Parmi toutes les boucles informatiques et les rythmes inclinés que l’on retrouve sur The Eraser, « Harrowdown Hill » est certainement le plus groovy. Lorsque vous avez une ligne de basse aussi contagieuse, vous avez besoin du bassiste le plus funky qui soit pour lui donner un peu plus de slap et de pop. C’est là qu’entre en scène Flea, dont le jeu de secousses corporelles complète parfaitement les danses sporadiques de Thom Yorke. Ajoutez à cela une performance organique et percutante du reste du groupe et vous obtenez le point culminant de tout concert d’Atoms for Peace. -Joe Marvilli

Peter Frampton – « Do You Feel Like We Do ? »

Pendant plus de 20 ans, Frampton Comes Alive ! a été l’album live le plus vendu de tous les temps, et « Do You Feel Like We Do ? » est son morceau le plus emblématique. Sans le pop fluff de « Baby, I Love Your Way » ou « Show Me The Way », le près de 15 minutes « Do You Feel Like We Do ? » caractéristiques Frampton la plus virtuose et passionnante utilisation de son talk box marque. La version studio (saviez-vous qu’il en existait une ?), avec son tempo léthargique et sans talk box, réduit le jam à trois accords de 10 à peine plus d’une minute. Cela semble une simple technicité par rapport à la bête de scène. -Jake Cohen

The National – « Mr. November »

Les fans de The National sauront qu’il s’agit de leur célèbre conclusion (bien que « Terrible Love » ait légitimement dépassé cette place ces derniers temps) et c’est le moment du spectacle où Matt Berninger trébuche dans le public, les yeux vitreux, et crie « I won’t fuck us over, I’m Mr. November » à tout le monde. Cependant, au Lollapalooza 2010, Berninger a escaladé un mur, s’est accroupi auprès d’un enfant et a offert à la foule le montage radio le plus attachant que vous ayez jamais entendu. Si cela ne fait pas fondre votre cœur, vous devriez prier pour qu’une fille du Kansas vienne vous huiler les articulations. -Jeremy D. Larson

Blur – « Tender »

Parfois, ce qui fait de l’interprétation live d’une chanson un événement vraiment spécial, c’est la foule elle-même. Lors du grand retour de Blur à Glastonbury, le rapport unique entre le groupe et la foule peut se résumer en un mot :  » Tendre.  » Non seulement Blur était de retour, mais Graham Coxon était de la partie, et une centaine de milliers de fans ont exprimé leur gratitude en criant les répliques de Coxon à pleins poumons et en permettant la transformation de « Tender » en un chant de près de 10 minutes. Ce moment de Glastonbury a fait monter les émotions à un tel niveau pour le reste de la soirée que Damon Albarn a ensuite craqué et pleuré sur scène, et que les fans ont continué à chanter en masse « Oh my baby, oh my baby, oh why, oh my » pendant les rappels et sur le chemin du retour vers leurs tentes. -Frank Mojica