Jazz pour les débutants : 20 albums essentiels pour un guide d’introduction

Nous avons classé ces albums par ordre chronologique, afin que vous puissiez vous faire une idée de la progression du jazz au fil des ans. Si vous avez des albums que vous considérez comme du jazz essentiel pour les débutants, alors faites-le nous savoir dans la section des commentaires.

Pendant que vous lisez, écoutez notre playlist Jazz For Beginners ici, et faites défiler vers le bas pour lire notre guide d’introduction à 20 albums de jazz essentiels.

Jazz For Beginners : 20 Albums essentiels pour un guide d’introduction

Louis Armstrong : Satchmo At Symphony Hall (Decca, 1951)

L’un des pères fondateurs du jazz, la sensation à la trompette et le chanteur à la voix grave Louis « Satchmo » Armstrong est devenu une figure ambassadrice du genre dans ses dernières années. Il a enregistré ce concert mémorable à l’âge de 46 ans, à Boston, en novembre 1947. Bien que le bebop commençait à s’imposer dans le monde du jazz, il y avait encore de la place pour Satchmo et son authentique jazz de style Nouvelle-Orléans, comme en témoignent les salles de concert bondées. Satchmo At Symphony Hall contient certains des morceaux phares d’Armstrong et le met en scène avec un groupe de sept musiciens, dont Jack Teagarden au trombone. Il n’a pas été publié avant 1951, lorsqu’il est apparu sous la forme d’un coffret 2LP.
Coupure clé : ‘Royal Garden Blues’

Thelonious Monk : Genius Of Modern Music Volume 2 (Blue Note, 1952)

Thelonious Sphere Le langage musical avancé de Monk – comportant des mélodies anguleuses et des dissonances inhabituelles – a été jugé controversé lorsqu’il a fait son apparition sur la scène jazz new-yorkaise à la fin des années 40. Blue Note Records, cependant, a admiré son individualité et lui a donné sa chance, enregistrant une série de 45 tours 78 tours qui ont finalement été compilés en deux albums. Le deuxième volume contenait initialement huit chansons, dont la première version enregistrée de l’air classique de Monk, « Straight, No Chaser ». L’album a été étendu à 12 chansons en 1956 (lorsqu’il a été publié sous la forme d’un 33 tours 12″) et comprenait « Monk’s Mood ». À l’ère du CD, les deux volumes ont été réunis en un seul album intitulé Genius Of Modern Music, qui constitue une excellente introduction aux enregistrements révolutionnaires de Monk.
Coupure clé : ‘Straight, No Chaser’

Billie Holiday : Billie Holiday Sings (Clef, 1952)

Née Eleanora Fagan, à Baltimore, Billie Holiday possédait l’une des voix les plus reconnaissables du jazz : langoureuse et imprégnée d’une tristesse inhérente et d’une honnêteté émotionnelle nue qui résultait de son éducation difficile et de ses déceptions romantiques. Après son apprentissage au sein de plusieurs big bands, Holiday s’est taillé une brillante carrière solo, d’abord chez Columbia, puis chez Verve. Cet album de 1952 (initialement publié sous forme d’un ensemble de huit pistes sur un format de 10 pouces) l’a vue enregistrer pour le label Clef du producteur Norman Granz et offrir des versions indélébiles de « I Only Have Eyes For You », « You Go To My Head » et une interprétation touchante de « Solitude » de Duke Ellington. En 1956, une version élargie en 12 pouces est sortie sous le titre Solitude. Une collection intemporelle illustrant  » Lady Day  » à son apogée.
Coupe-clé : ‘You Go To My Head’

The Quintet : Jazz At Massey Hall (Debut, 1953)

Le Quintet était un supergroupe de jazz moderne qui s’est formé spécifiquement pour un concert unique au Canada, au Massey Hall de Toronto, le 15 mai 1953. C’est la seule fois que le saxophoniste alto Charlie Parker, le trompettiste Dizzy Gillespie, le pianiste Bud Powell, le bassiste Charles Mingus et le batteur Max Roach ont joué ensemble en tant que groupe (c’est aussi la dernière fois que Parker et Gillespie ont été capturés sur bande ensemble). Malgré ses problèmes de drogue, le fantasque Parker est dans une forme magnifique, brillant sur un album de six pistes qui a été salué comme le plus grand enregistrement de jazz jamais réalisé (même si Charles Mingus, qui l’a publié sur son propre label Debut, s’est senti obligé d’ajouter ses parties de basse en studio, car son instrument était inaudible sur la bande originale). Une rencontre rare entre des géants du jazz.
Coupure clé : ‘A Night In Tunisia’

Clifford Brown And Max Roach : Clifford Brown And Max Roach (EmArcy, 1954)

L’un des premiers architectes d’un style de jazz connu sous le nom de hard bop, qui a dominé le genre au cours des années 50, Clifford Brown était un trompettiste doué qui a été fauché dans la fleur de l’âge. Bien qu’il ait été tué dans un accident de voiture alors qu’il n’avait que 25 ans, le 25 juin 1956, son génie est préservé par les nombreux enregistrements qu’il a réalisés. Clifford Brown And Max Roach est l’un de ses meilleurs, réalisé en tandem avec un quintet qu’il codirigeait avec le batteur Max Roach. On y retrouve le frère pianiste de Bud Powell, Richie, qui est également décédé dans l’accident de voiture fatal avec Brown, ainsi que le saxophoniste ténor Harold Land. « Brownie », comme on surnommait le trompettiste, est sensationnel tout au long de l’album, mais particulièrement brillant sur une version exaltante de « Delilah » de Victor Young. Il montre ses prouesses de compositeur avec son propre beau numéro ‘Joy Spring’, qui est un archétype du hard hop.
Parti clé : ‘Joy Spring’

Count Basie And His Orchestra : April In Paris (Verve, 1957)

Originalement de Red Bank, New Jersey, Bill Basie, comme son contemporain Duke Ellington, a adopté un titre aristocratique pour nom de scène et a été une force majeure dans l’essor des big bands swing des années 30. Bien que la plupart des big bands aient mordu la poussière dans les années 50 (en grande partie à cause de facteurs économiques), Basie a poursuivi sa route et a connu une sorte de renaissance. Considéré par beaucoup comme le meilleur moment du groupe Basie dans un studio d’enregistrement, April In Paris capture l’arrogance, la verve, la finesse et la puissance injectée d’un ensemble qui comptait dans ses rangs le trompettiste Thad Jones, le saxophoniste Frank Foster et le guitariste rythmique Freddie Green. Parmi les nombreux points forts de l’album, citons le morceau-titre, ainsi que « Shiny Stockings » et « Corner Pocket ». Le jazz big band à son apogée absolue.
Coupure clé : ‘Corner Pocket’

John Coltrane : Blue Train (Blue Note, 1958)

Le parcours de Coltrane, qui est passé d’un joueur de blues moyen arpentant les bars à un éclaireur de jazz aux allures de voyant, est miraculeux. Blue Train a été le premier véritable grand album du saxophoniste, venant après qu’il se soit débarrassé pour de bon de son addiction à l’héroïne. Il a été enregistré en septembre 1957 pour Blue Note, à une époque où « Trane » était en fait sous contrat avec le label Prestige de Bob Weinstock. L’album est composé d’un sextet – le trombone de Curtis Fuller ajoutant des sonorités plus riches à la section des cuivres – et contient cinq chansons, toutes écrites par Coltrane sauf une. La coupe la plus mémorable de Blue Train est son morceau-titre de 10 minutes, qui commence par un thème distinctif de cornes ressemblant à un appel de clairon avant de se transformer en une vitrine de l’approche unique de Coltrane en matière d’improvisation (qui a été décrite comme des « feuilles de son » par un critique de jazz américain).
Coupe-clé : ‘Blue Train’

Cannonball Adderley : Somethin’ Else (Blue Note, 1958)

Saxophoniste alto originaire de Tampa, en Floride, Julian « Cannonball » Adderley était initialement considéré comme l’héritier de Charlie Parker. Il a cependant trouvé sa propre voix individuelle sur son instrument, comme l’illustre clairement cet album de 1958 – sa seule sortie sur Blue Note. Cannonball, qui jouait à l’époque dans le sextet de Miles Davis (et qui allait enregistrer l’emblématique Kind Of Blue avec le trompettiste un an plus tard), a réussi à convaincre son patron de participer aux sessions. Miles apparaît rarement en tant que sideman après 1955, mais il brille dans un quintet face à Cannonball en utilisant un cor en sourdine sur les titres « Autumn Leaves » et « Love For Sale ». Il a également écrit la chanson titre. Un exemple étonnant de hard bop de la fin des années 50.
Coupure clé : ‘Autumn Leaves’

Art Blakey And The Jazz Messengers : Moanin’ (Blue Note, 1958)

Batteur puissant et chef d’orchestre capable d’entraîner ses musiciens avec un sens du swing propulsif, Art Blakey avait un zèle de missionnaire dans son désir de répandre l’évangile du jazz. Moanin’ représente sans doute l’apogée du travail de Blakey avec son groupe de longue date, The Jazz Messengers – surnommé « The Hard Bop Academy » en raison du grand nombre de musiciens talentueux qui sont passés par ses rangs (de Wayne Shorter à Wynton Marsalis). La chanson titre, d’influence gospel, écrite par le pianiste de Philadelphie Bobby Timmons, avec ses cadences antiphoniques, anticipe le style soul jazz qui émergera du hard bop. Parmi les autres grands moments de l’album figurent les morceaux « Along Came Betty » et « Blues March », deux classiques écrits par Benny Golson, le saxophoniste ténor de Blakey à l’époque. Les prouesses de Blakey en tant que sticksman sont mises en évidence sur la dramatique ‘Drum Thunder Suite’.
Coupure clé : ‘Moanin »

Chet Baker : Chet (Riverside, 1959)

Avec son allure ciselée, Chet Baker est devenu la tête d’affiche de la scène jazz « cool » de la côte ouest des années 50 (bien qu’il soit originaire de l’Oklahoma). Derrière son physique d’idole, se cachait cependant une grave addiction à la drogue qui a fait dérailler sa carrière à plusieurs reprises. Au moment de la sortie de Chet, le trompettiste avait déjà été incarcéré pour des délits liés à la drogue. Malgré ses nombreux déboires, il semble en bonne forme sur cet album qui se concentre exclusivement sur son jeu de trompette (plutôt que sur sa voix). Il s’agit d’une sélection de standards (dont « How High The Moon » et « It Never Entered My Mind ») avec le pianiste Bill Evans, le flûtiste Herbie Mann et le guitariste Kenny Burrell. Malgré la grande qualité de ses sidemen, Baker n’est pas éclipsé par leur présence et apporte quelques lignes de trompette magnifiquement lyriques.
Coupure clé : ‘It Never Entered My Mind’

Le Dave Brubeck Quartet : Time Out (Columbia, 1959)

Le pianiste Dave Brubeck, né en Californie, avait un penchant pour jouer de la musique dans des mètres inhabituels et peu orthodoxes, et la chanson la plus célèbre de son quartet était le morceau-titre de cet album. Le morceau le plus célèbre de son quartet est le titre de cet album. Ce numéro contagieux écrit en 5/4, « Take Five », devenu un hit en 1960, a été écrit par le saxophoniste alto de Brubeck, Paul Desmond, initialement pour mettre en valeur le batteur du quartet, Joe Morello. Parmi les autres points forts de l’album, citons le « Blue Rondo A La Turk » (rendu en 9/4) et « Three To Get Ready » (en 3/4). La popularité de Brubeck a montré que les innovations dans le jazz ne devaient pas nécessairement se faire au détriment de l’accessibilité de la musique. Sans aucun doute l’un des plus grands albums de jazz de tous les temps.
Coupe-clé : ‘Time Out’

Miles Davis : Kind Of Blue (Columbia, 1959)

Cet album emblématique, qui a commencé comme une session de routine, a réussi à transformer Miles Davis en superstar. Expérience improvisée de jazz modal (dans lequel la musique est créée à l’aide de gammes fixes et de moins d’accords), Kind Of Blue est devenu l’album de jazz le plus vendu de tous les temps et a démontré de manière éclatante que l’innovation n’était pas nécessairement aux antipodes de la commercialité. Davis est à la tête d’un sextet exceptionnel comprenant les saxophonistes John Coltrane et Cannonball Adderley, ainsi que Bill Evans au piano. L’album, qui a redéfini le jazz moderne, s’est révélé être un grand moment du début à la fin, en commençant par le groover refroidi, ‘So What’, et en progressant vers le moelleux, teinté d’espagnol, ‘Flamenco Sketches’.
Coupure clé : ‘So What’

Ella Fitzgerald : Ella In Berlin : Mack The Knife (Verve, 1960)

Lors de la performance live en Allemagne qui a donné lieu à cet album classique, la  » First Lady Of Song  » du jazz a fait l’impensable et a oublié les paroles d’une version impromptue de  » Mack The Knife  » (pour sa défense, la chanson ne faisait pas partie de son répertoire, et elle fait précéder la performance de  » We hope we remember all the words « ). L’irrépressible chanteuse improvise pour se sortir de ce mauvais pas en écrivant de nouvelles paroles, créées spontanément, dont l’inoubliable phrase « We’re making a wreck, what a wreck, of ‘Mack The Knife' », au point culminant de la chanson. Cette performance a valu à Fitzgerald un Grammy dans la catégorie de la meilleure performance vocale, féminine, et reste un exemple brillant de la façon dont la spontanéité peut façonner les plus grandes performances du jazz.
Coupe clé : ‘Mack The Knife’

Jimmy Smith : Back At The Chicken Shack (Blue Note, 1963)

L’homme qui a donné de la crédibilité à l’orgue Hammond dans un contexte de jazz, Jimmy Smith était un artiste prolifique pour Blue Note Records à la fin des années 50 et au début des années 60. Back At The Chicken Shack a été enregistré en 1960 en même temps que l’album Midnight Special de Smith, mais ses quatre chansons n’ont été publiées que trois ans plus tard. On y retrouve l’organiste de Norristown en compagnie du saxophoniste ténor Stanley Turrentine, du guitariste Kenny Burrell (sur deux morceaux) et du batteur Donald Bailey. Le morceau titre est un long blues paresseux qui incarne l’esthétique soul jazz de Smith. Le saxophone de Turrentine, avec son intonation rauque et ses inflexions ecclésiastiques, est également un élément marquant d’un album qui est un cours magistral d’orgue de jazz.
Coupure clé : ‘Back At The Chicken Shack’

Wes Montgomery : The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (Riverside, 1960)

Le maestro du fretboard super-talentueux et profondément influent, né à Indianapolis, n’a pas laissé son incapacité à lire la musique affecter sa carrière. Influencé par Charlie Christian, Montgomery a breveté un style distinctif et dextre qui combinait des mélodies monotones de type cor avec des accords de blocs et des octaves à l’unisson. Il s’agit de son troisième album, enregistré à New York avec un quartet comprenant le pianiste Tommy Flanagan et les frères Heath, Percy et Albert, respectivement à la basse et à la batterie. Montgomery démarre en trombe avec une interprétation pleine d’allant de l’incontournable « Airegin » de Sonny Rollins, mais montre son côté sensible sur des ballades tendres comme « In Your Own Sweet Way ». Ce sont ses propres compositions qui impressionnent le plus, cependant, en particulier ‘Four On Six’ et ‘West Coast Blues’, qui sont maintenant considérés comme des standards du jazz.
Coupure clé : ‘Four On Six’

Bill Evans Trio : Waltz For Debby (Riverside, 1962)

Musicien profondément sensible qui possédait une musicalité extraordinaire et un bon goût exquis, Evans a été le pionnier d’une approche singulière du piano qui reflétait son intérêt pour la musique classique (notamment l’œuvre des compositeurs romantiques et impressionnistes) autant que pour le jazz. L’album qui accompagne Sunday At The Village Vanguard, Waltz For Debby, est tiré des mêmes performances live, enregistrées le 25 juin 1961. Le trio d’Evans (avec Scott LaFaro, mort dans un accident de voiture dix jours plus tard, à la basse, et le batteur Paul Motian) fait preuve d’une conscience presque télépathique des instruments de chacun et excelle sur un « This Foolish Heart » magnifiquement pensif et une version sublime de la chanson titre. Le point culminant de la musique en trio avec piano.
Coupe-clé : ‘My Foolish Heart’

Oliver Nelson : The Blues And The Abstract Truth (Impulse !, 1961)

Saxophoniste plus acclamé pour ses savants talents d’arrangeur, Nelson, né à St Louis, n’a pas dépassé son 43e anniversaire (il est mort en 1975 d’une crise cardiaque) mais les amateurs de jazz se souviennent avec émotion de la création de cet album, l’un des plus grands du genre. Sous la houlette du producteur Creed Taylor, qui venait de lancer Impulse ! Records, The Blues And The Abstract Truth a réuni Nelson avec Eric Dolphy, Bill Evans, Freddie Hubbard, le bassiste Paul Chambers et le batteur Roy Haynes, pour créer un chef-d’œuvre intemporel. La clé de voûte de l’album est une composition originale de Nelson intitulée « Stolen Moments », qui avait été enregistrée un an plus tôt par Eddie « Lockjaw » Davis. Elle est désormais considérée comme un standard du jazz.
Coupure clé : ‘Stolen Moments’

Duke Ellington et Coleman Hawkins : Duke Ellington Meets Coleman Hawkins (Impulse !, 1963)

Edward Kennedy « Duke » Ellington avait 64 ans lorsque ce disque, sa collaboration avec le saxophoniste ténor Coleman Hawkins, est sorti. Hawkins était un admirateur de l’aristocrate du jazz et la possibilité que les deux hommes travaillent ensemble avait été abordée dès les années 40, mais pour diverses raisons, les deux hommes n’ont pas combiné leurs talents jusqu’à ce qu’ils se réunissent au studio Van Gelder en août 1962. Ellington n’a pas utilisé son orchestre complet pour l’enregistrement, mais a fait appel à un groupe plus petit composé de ses principales vedettes, dont le saxophoniste alto Johnny Hodges. Si les deux musiciens proposent des versions agréables des classiques d’Ellington (« Mood Indigo », « Solitude »), des morceaux plus récents, comme le joyeux morceau d’ouverture, « Limbo Jazz », sont également dignes d’intérêt. Un sommet gratifiant de géants du jazz.
Coupure clé : ‘Limbo Jazz’

Stan Getz et João Gilberto : Getz/Gilberto (Verve, 1963)

Getz/Gilberto est l’album qui a non seulement lancé la carrière solo de la chanteuse Astrud Gilberto, mais qui a également contribué à placer le phénomène brésilien de la bossa nova sur la scène mondiale. Le saxophoniste ténor Stan Getz s’était déjà plongé dans la musique brésilienne en 1962 en collaborant avec le guitariste Charlie Byrd sur l’album Jazz Samba, mais il a cherché ici l’authenticité en s’associant au chanteur/guitariste João Gilberto. Les performances des deux musiciens sont éclipsées par une apparition de la femme de Gilberto, Astrud, sur la chanson « The Girl From Ipanema », qui devient un énorme succès mondial lors de sa sortie en single (et qui lui vaut un Grammy). Un sublime mélange de jazz américain et de bossa nova brésilienne.
Coupure clé : ‘The Girl From Ipanema’

Herbie Hancock : Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

Bien qu’il ait étudié l’ingénierie à l’université, le premier amour de Herbie Hancock était la musique et, après un passage au piano dans le groupe du trompettiste Donald Byrd, il se voit proposer un contrat solo par Blue Note Records en 1962. Maiden Voyage, un album concept caractérisé par un thème nautique, est son cinquième album pour le label, enregistré en 1965, alors que le travail de Hancock consistait à jouer du piano dans le Miles Davis Quintet (le bassiste Ron Carter et le batteur Tony Williams, tous deux du groupe de Miles, participent aux sessions). Le premier titre de l’album, avec son groove doucement pulsé, sur lequel le trompettiste Freddie Hubbard et le saxophoniste ténor George Coleman combinent leurs cors dans une douce caresse, est aujourd’hui considéré comme un standard du jazz, tout comme le serein « Dolphin Dance » et le plus fébrile « The Eye Of The Hurricane ». Hancock a réalisé de nombreux albums depuis, mais, aussi bons soient-ils, aucun ne possède la beauté lumineuse de Maiden Voyage.
Coupure clé : Maiden Voyage’

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