Plus connu aujourd’hui pour sa série de tableaux de nénuphars sereins, l’impressionniste du XIXe siècle Claude Monet a été un tour de force révolutionnaire dans le développement de l’art expressif. Tout au long de sa longue vie, qui s’étend de 1840 à 1926, Monet passera du dessin de caricatures amusantes d’amis à la capture des nuances insaisissables des scènes naturelles dans diverses attitudes de lumière et de couleur. En s’efforçant de traduire sa perception unique du monde naturel directement sur la toile, l’artiste a contribué à forger une direction entièrement nouvelle pour le monde de l’art.
Les premières années : 1845-1870
Les racines du réalisme
Lorsque l’artiste a 11 ans, il fréquente un collège axé sur l’art dans sa ville natale du Havre, et suit des cours de dessin débutants avec Jacques-Francois Ochard. Quelques années plus tard, Monet a étudié l’art du paysage auprès d’un peintre local, Eugène Boudin, qui a également acclimaté le jeune artiste à la peinture en plein air afin de capturer la nature dans l’instant. Sous la tutelle informelle du maître du paysage, Johan Jongkind, les deux hommes deviennent des adeptes du genre.
L’une des premières peintures de Monet, achevée en 1858, était un paysage réaliste intitulé Vue à Rouelles, Le Havre, une scène sylvestre réaliste qui, à première vue, ressemble peu à ses œuvres ultérieures. Les premiers travaux de l’artiste rendent hommage à l’école d’art réaliste qui s’est imposée pendant son enfance. Réagissant contre le romantisme, les artistes réalistes tels que Gustave Courbet se sont concentrés sur l’exactitude dans la représentation de leurs sujets, qui consistaient souvent en des personnages de la classe ouvrière et des paysages naturels sans fioritures.
Voyages à Paris
Pendant cette période allant de la fin de son adolescence au début de la vingtaine, Monet a passé du temps au Louvre à Paris, où il a rencontré des peintres contemporains, tels qu’Édouard Manet, qui deviendront plus tard des collègues. Alors que d’autres artistes cherchaient à améliorer leurs techniques en copiant les chefs-d’œuvre exposés au Louvre, Monet préférait esquisser ce qu’il pouvait voir par la fenêtre du vénérable musée d’art.
Chasseurs d’Afrique
L’artiste est incorporé en 1861 dans Les Chasseurs d’Afrique, une unité de cavalerie légère en direction de l’Algérie. Pendant son service d’un an, il n’a que peu d’occasions de peindre, ne produisant qu’un seul paysage, quelques esquisses et quelques portraits militaires. Bien qu’aucun d’entre eux n’ait survécu à son service, il fera appel à ses souvenirs de la qualité unique de la lumière à Alger lors de la création d’œuvres futures.
Etudes avec Charles Gleyre
Après avoir quitté le service extérieur en 1862, l’artiste retourne à Paris pour rejoindre l’atelier privé de Charles Gleyre, un peintre d’art historique. Il partage son atelier avec Pierre-Auguste Renoir, Frédérique Bazille et Alfred Sisley, qui détermineront plus tard l’orientation future de l’art. Les étudiants emportaient souvent leurs chevalets et leurs peintures dans des environnements extérieurs et transféraient leurs impressions immédiates du paysage sur la toile avec des coups de pinceau courts et habiles.
Pendant sa tutelle à l’atelier Gleyre, l’artiste a peint Femme en robe verte, un portrait grandeur nature de sa future épouse Camille, et Femmes dans un jardin, pour lequel Camille a également servi de modèle. Le premier tableau a été accepté pour être exposé au prestigieux Salon de Paris. L’œuvre était principalement dans le style réaliste, manquant les mélanges de couleurs vives et l’immédiateté qui définiront ses œuvres ultérieures.
Moyennes années : 1871-1900
Après un mariage en juin 1870, Monet et sa femme passent du temps à Londres où l’artiste peint des œuvres telles que « Hyde Park ». Par la suite, les jeunes mariés séjournent quelque temps aux Pays-Bas où Monet réalise plusieurs œuvres, dont Le Moulin à vent, Amsterdam et la lumineuse Zaandam. Le couple rentre en France à la fin de l’année pour s’installer à Argenteuil, sur la rive droite de la Seine, une banlieue parisienne où Camille passera pratiquement le reste de sa vie. L’artiste acquiert un atelier flottant où il peint le paysage qui l’entoure ainsi que les portraits de son ami Édouard Manet et de la femme de Manet.
L’aube d’un nouveau mouvement
Au début des années 1880, Monet et ses amis artistes, dont Paul Cézanne, Camille Pissarro, Sisley et Edgar Degas, avaient été désillusionnés par les normes restrictives de l’organisation artistique dominante à Paris, l’Académie des Beaus-Arts, qui sélectionnait les peintures à inclure dans les Salons annuels. En 1873, ils se joignent à d’autres collègues partageant les mêmes idées pour créer leur propre organisation artistique, la « Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs et Graveurs », ou l’Association Coopérative et Anonyme des Peintres, Sculpteurs et Graveurs. Le groupe organise sa première exposition, qui comprend les œuvres de 30 artistes, au printemps 1874.
Monet a choisi d’exposer son tableau de 1872, Impression soleil levant, ce qui s’est avéré être une décision fatidique. L’un des critiques d’art qui passait en revue l’exposition a inventé le terme « impressionnisme » par dérision après avoir vu « Impression Sunrise » et des œuvres au rendu similaire exposées, affirmant que les tableaux étaient amateurs et inachevés. Les artistes ont adopté le nouveau titre pour leur mouvement, et par la suite, se sont identifiés comme impressionnistes.
Une fois que le mouvement a eu un nom et une réputation, aussi douteuse soit-elle, Monet a continué à créer certaines de ses œuvres d’art les plus brillantes, comme Madame Monet et l’enfant, qu’il a achevé en 1875, une scène resplendissante avec et la couleur et la vie.
Un temps de perte
Alors qu’ils portaient leur deuxième enfant, Camille Monet a contracté la tuberculose, et affaibli par l’accouchement, est mort en 1879. Le tableau, Camille sur son lit de mort, est le dernier hommage de Monet à sa femme, une figure couverte de fleurs et de coups de pinceau plumeux, son visage baigné de lumière.
Parmi les œuvres de l’artiste dans la période qui a suivi sa perte, on trouve La série des dérives de la glace, un groupe d’une douzaine de peintures représentant la fonte des glaces sur la Seine. Les couleurs sourdes, les décors saturés de brume, les arbres dénudés et les paysages gelés reflètent l’austérité de la vision de l’artiste qui s’est plongé dans le deuil.
L’artiste était de plus en plus séduit par l’intuition que le même paysage subissait des altérations à différents moments de la journée en fonction de la lumière du soleil. Il peignait la même scène à plusieurs reprises pour capturer ces nuances sur la toile. Cette idée est à l’origine de sa « série de dérive glaciaire », de ses peintures de meules de foin du milieu des années 1880 et des années 1990, et de son étonnante série de peupliers des années 1890. En 1892 et 1893, l’artiste a campé dans une chambre louée qui donnait sur la cathédrale de Rouen pour travailler sur plusieurs toiles à la fois, chacune consacrée à un moment différent de la journée, afin de créer des études intensives de la lumière et de l’ombre.
Développement stylistique
Pendant cette période intermédiaire de son développement artistique, les œuvres de Monet ont évolué vers l’abstraction, bien que les sujets soient encore reconnaissables, pour la plupart. Il a expérimenté avec la peinture pour créer non seulement plus de profondeur de couleur, mais aussi pour ajouter de la texture à la surface de la toile. Connu pour son coup de pinceau innovant, l’artiste a utilisé ses coups de pinceau courts caractéristiques et ses teintes non altérées pour encapsuler des aperçus momentanés de l’effet de la lumière sur la perspective.
Les années suivantes : 1901-1926
L’artiste et sa seconde épouse, Alice, avaient déménagé leur famille dans le hameau de Giverny où ils ont acheté une maison avec une propriété en 1890. Monet se mit au travail pour créer un havre privé où il produirait certaines de ses œuvres les plus appréciées au cours des dernières décennies de sa vie. Des jardins fleuris et un étang de nénuphars avec un pittoresque pont japonais constituent les paysages que l’artiste peindra encore et encore au début du siècle. Il déclarera plus tard que les jardins de Giverny constituaient sa plus grande œuvre d’art.
Vues de terres étrangères
Lors de ses voyages dans la première décennie du XXe siècle, l’artiste a peint une série des Chambres du Parlement dans le Palais de Westminster, qui surgit du brouillard ou qui domine les eaux dorées par le soleil au coucher du soleil. Au cours de la même période, l’artiste a réalisé plusieurs tableaux dans une étude du Waterloo Bridge et de la Tamise dans diverses attitudes de lumière et de brouillard. Il a également visité la région méditerranéenne et Madrid au début des années 1900.
Les nénuphars
Son chef d’œuvre, cependant, l’attendait en fait dans son propre jardin où il a produit sa série de peintures de bassins de nénuphars, qui comprend environ 300 toiles au total, dont 40 en grand format. L’artiste a peint ses premiers tableaux dans les années 1890, mais a réalisé la majorité de ses œuvres au cours des deux dernières décennies de sa vie. Les premières peintures de son étang de nénuphars comprenaient les frontières spatiales conventionnelles de l’eau, de la terre environnante et de l’horizon, mais au fur et à mesure qu’il progressait dans ces œuvres, ces frontières ont commencé à fusionner jusqu’à ce que finalement, l’étang sans limites devienne l’univers, son étendue incommensurable et définie exclusivement par la lumière.
Après avoir perdu à la fois sa seconde épouse, Alice, et son fils aîné, Jean, respectivement en 1911 et 1914, l’artiste cherche à se consoler en se lançant dans une nouvelle grande œuvre, une série de panneaux massifs de Nymphéas. Le jour de l’Armistice, en 1918, il s’arrange pour faire don à l’État français des peintures murales ainsi réalisées, qui seront installées au musée de l’Orangerie. Perfectionniste, l’artiste a révisé et retravaillé cette série à plusieurs reprises au cours des années suivantes, jusqu’à son installation finale en 1927 dans deux salles ovoïdes conçues par l’artiste lui-même. L’opus comprend huit panneaux de la taille d’une pièce, chacun mesurant plus de deux mètres de haut, avec des longueurs conçues pour s’adapter à l’espace. André Masson baptisera ces pièces « la chapelle Sixtine de l’impressionnisme » dans une critique de 1952.
L’influence de Claude Monet
Tout comme William Shakespeare sur la littérature, et Sigmund Freud sur la psychologie, l’impact de Monet sur l’art moderne est énorme. Monet était parmi les artistes les plus influents de toutes les époques, et sa palette de couleurs unique, sa vision et sa conformation allaient avoir un impact durable sur les beaux-arts futurs. De nombreux artistes ont été influencés par Monet, dont les techniques ont inspiré les impressionnistes et post-impressionnistes tels que Vincent van Gogh. En termes de forme et d’échelle, l’œuvre de l’artiste a directement influencé des expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock et Mark Rothko. L’artiste populaire Andy Warhol a reflété l’influence de Monet dans ses multiples rendus d’un même sujet. Claude Monet a également jeté les bases du mouvement minimaliste des années 1960. Toujours extrêmement populaire, l’artiste continue jusqu’à aujourd’hui à définir à la fois l’appréciation de l’art par le public et la perception de la beauté dans sa forme la plus pure.