Son public le connaissait sous le nom de « Yardbird », ou plus généralement, simplement « Bird ». La variété des sobriquets donnés au saxophoniste alto de jazz Charlie Parker, qui aurait eu 100 ans le 29 août 2020, est révélatrice de ses différentes personae – le plus important, bien sûr, étant ses personnalités musicales.
Parker était un soliste légendaire, un chef d’orchestre inspirant, un compositeur audacieux, un innovateur ingénieux et une source d’inspiration pour de nombreuses générations encore. Une idole du jazz, point final. Mais sa personnalité en dehors de la scène a révélé une figure plus tragique : un drogué et un alcoolique.
Bird a vécu durement et a perdu sa licence de spectacle, plusieurs emplois et a tenté de se suicider à deux reprises. En somme, sa santé physique et mentale s’étiolait déjà à un âge précoce. Qu’il soit mort jeune alors, à seulement 34 ans, n’a pas vraiment été un choc. Il s’éteint une semaine après sa dernière représentation publique, le 12 mars 1955. Ce dernier concert a eu lieu dans la célèbre boîte de nuit new-yorkaise Birdland – judicieusement nommée en son honneur.
Charlie Parker est considéré comme « l’un des interprètes les plus marquants de toute l’histoire du jazz, et l’un des plus influents », selon le Rough Guide to Jazz. L’encyclopédie qui fait le plus autorité dans les milieux universitaires, le New Grove Dictionary of Jazz, le qualifie en des termes comparables et caractérise Bird comme un « improvisateur suprêmement créatif ».
Les débuts de Bird
Parker naît et grandit dans une famille de musiciens à Kansas City, dans le Missouri, connue pour sa scène musicale dynamique. Il a commencé à jouer du saxophone à l’âge de 11 ans, prenant des cours dans une école de musique locale et rejoignant les groupes du lycée.
Mais il s’est principalement développé en tant que musicien en étudiant attentivement ses pairs plus âgés. Inspiré par les big bands de Bennie Moten et Count Basie, Parker s’est lancé dans la tradition du blues et du swing de son époque. Pourtant, il sentait que quelque chose manquait.
Sa vision auditive était de se pavaner au rythme des quarts de note du swing. Mais l’aventureux Parker cherchait des distractions à cette convention d’exécution prévisible en faisant des accents décalés, des syncopes et des battements à contre-courant du grain métrique. En même temps, il jugeait les mélodies des standards que les musiciens jouaient à son époque plutôt dépassées.
Tout en laissant les harmonies originales des chansons fondamentalement intactes, il s’est mis à remplacer leurs mélodies par des créations de son cru. Ces nouvelles lignes et leurs improvisations ultérieures comprenaient généralement des formules comme le « ya-ba-daba bebop » transcrit en onomatopée « scat singing ».
Bird and Bebop
A travers Parker, la complexité du jazz s’est considérablement accrue. Il visait – et volait – plus haut, littéralement, en exécutant des lignes mélodiques qui sautaient à l’octave suivante, s’appropriant ouvertement des notes d’un registre supérieur. Comme un alto sur le dos d’un soprano, et vice versa. Ce concept musical progressif exigeait également des modifications des accords de soutien. Il enrichissait les harmonies d’accompagnement de notes supplémentaires provenant de ces mêmes octaves supérieures.
Résumer les innovations de Parker dans le jazz revient à décrire le genre du bebop, dont il fut l’un des pères fondateurs et principaux protagonistes. Le bebop est devenu le style dominant du jazz du milieu des années 1940 à la fin des années 1950, où il a ensuite été éclipsé par de nouvelles directions, notamment le free jazz et le jazz-rock.
Le bebop a ensuite été redécouvert dans les années 1970, pour finalement être accepté comme le style « classique » du jazz. Et Bird en est l’incarnation. Il n’a pas seulement influencé sa propre génération et a inspiré ses collègues saxophonistes jusqu’à aujourd’hui. Tout musicien de jazz qui se respecte – quel que soit son instrument – doit étudier le style de jeu unique de Parker qui se résume essentiellement à une centaine de lignes de formules différentes, qu’il cousait dans ses improvisations comme une courtepointe en patchwork.
Bird et Beethoven
La modernisation du jazz par Parker a affecté chaque paramètre de la musique, y compris l’instrumentation. Avec Parker et ses associés, l’ère des big bands rendue légendaire par les orchestres de Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman et consorts, touche à sa fin.
Le petit ensemble, ou combo, avec une modeste section rythmique composée d’une batterie, d’une basse, d’un piano (ou d’une guitare ou d’un vibraphone, d’ailleurs) et de quelques instruments à vent, devient le nouveau jalon du jazz. Le propre quintet de Parker – qui comprenait, entre autres, Miles Davis à la trompette et Max Roach à la batterie – était, une fois de plus, à l’avant-garde.
Vu l’influence considérable de Bird sur l’évolution du jazz, il n’est pas surprenant que de nombreux aficionados considèrent Parker au même titre que des compositeurs classiques comme Mozart et Beethoven. De telles qualifications considèrent le jazz comme l’égal de la musique classique et témoignent du fait qu’il est pris au sérieux en tant que genre musical mature. Le jazz peut être considéré comme la contribution originale de l’Amérique à l’histoire de la musique – et, par conséquent, comme un sujet d’étude universitaire important.
Le centenaire de Parker est actuellement célébré dans le monde entier par de nouvelles (ré)sorties, des documentaires radiophoniques et télévisés, et des concerts d’hommage. Et à juste titre. Une fois que vous avez été séduit par l’Oiseau, vous ne cesserez jamais d’écouter des classiques comme Confirmation, Scrapple from the Apple, Billie’s Bounce, ou celui dont le titre est le plus amusant, mais aussi le plus approprié : Ornithologie.