L’art contemporain une période qui est généralement considérée comme commençant à partir de 1945. De ce fait, l’art contemporain peut être considéré comme allant de l’après-guerre à nos jours. De nombreux styles, genres et approches artistiques différents ont eu lieu durant cette période. Il est donc difficile de savoir par où commencer. C’est pourquoi Artpser vous donne l’occasion de découvrir 25 œuvres d’art contemporain qu’il faut absolument connaître pour pouvoir comprendre cette période artistique !
Andy Warhol, boîtes de soupe Campbell, 1962
Une œuvre emblématique de l’artiste pop Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans illustre la culture consumériste et les médias de masse dans la société américaine. En outre, le style d’Andy Warhol est visible dans son œuvre. A travers la répétition de l’objet représenté, l’artiste réalise une critique de la société de consommation, qui ne cesse de produire.
Louise Bourgeois, Maman, 1990
D’une hauteur de 30 mètres et évoquant la forme d’une araignée, Maman est l’une des œuvres emblématiques de Louise Bourgeois. L’œuvre existe en plusieurs versions, avec des matériaux divers et variés. Réalisée pour une exposition à la Tate Modern, la sculpture rend hommage à la mère de l’artiste, décédée subitement alors qu’elle n’avait que 21 ans.
Jackson Pollock, Rythme automnal, 1950
Créé au sommet de la carrière de Jackson Pollock, Autumn Rythm est un parfait exemple de la technique de peinture « goutte-à-goutte », autrement appelée « drip-painting ». Cette dernière technique, propre à Pollock, l’a rendu célèbre en raison de son originalité. Pour créer ses œuvres, Pollock se tenait debout sur sa toile et faisait tomber de la peinture diluée sur la toile, en la laissant tomber naturellement. Il gouttait, éclaboussait, grattait et versait la peinture sur sa toile. Pour l’artiste, le mouvement et la peinture elle-même étaient le moteur de son art. Cette méthode unique de peinture est considérée comme la marque de fabrique de l’artiste.
Njideka Akunyili Crosby, I Still Face You, 2015
Jeune artiste dynamique, Njideka Akunyili Crosby unit sa double expérience culturelle dans ses œuvres d’art vibrantes. Après avoir passé ses années de formation au Nigeria, elle a déménagé en Amérique à l’âge de 16 ans et vit et travaille maintenant à Los Angeles. Ses pièces intensément personnelles unissent ses riches influences culturelles, avec des peintures à l’acétone plus « traditionnelles » superposées à des décors complexes, qui sont souvent une collation d’éléments tirés de la culture populaire nigériane.
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991
Conservée dans du formaldéhyde, l’œuvre The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living de Damien Hirst est encore aujourd’hui l’une des pièces les plus controversées de l’art contemporain. L’œuvre originale a été commandée par le collectionneur Charles Saatchi en 1991, mais le requin a dû être remplacé en 2004 lors de la vente de l’œuvre. En raison de la nature de l’œuvre, beaucoup se demandent si cette création de Damien Hirst doit être considérée comme de l’art ou non.
Cecily Brown, La fille qui avait tout, 1998
Cecily Brown est connue pour ses œuvres luxueuses et extrêmement texturées. Son art est un mélange entre celui des maîtres baroques et l’expressionnisme abstrait. Elle mélange la couleur et la texture avec des figures suggestives et sexuellement explicites et des formes biomorphiques qui se détachent parmi les tourbillons abstraits qui dominent ses peintures. En faisant simplement allusion aux formes plutôt qu’en offrant une représentation concrète, l’artiste oblige le spectateur à examiner correctement les tableaux, à partir desquels les images érotiques nagent dans le vif.
Yayoi Kusama, Infinity Mirror Room, 1965
Yayoi Kusama a été décrit comme l’un des artistes les plus excentriques de notre époque. Ses œuvres psychédéliques et hallucinatoires utilisent des motifs et des répétitions pour jouer avec le concept d’infini. Infinity Mirror Room est une installation immersive conçue pour engloutir le spectateur/participant dans un sentiment écrasant d’infini et de possibilités. Yayoi Kusama a décrit sa vie comme « un petit pois perdu parmi des milliers d’autres petits pois ».
Keith Haring, Untitled, 1982
Ce tableau résume le style Pop Art de Keith Haring, avec des figures dynamiques et une composition simple. Depuis ses débuts en tant que graffeur dans le métro de New York, Keith Haring a commencé sa carrière avec ses figures et ses motifs immédiatement reconnaissables. L’un de ses symboles les plus couramment représentés est le cœur. Il a utilisé son œuvre pour populariser des messages importants sur la sexualité et le sida à une époque où la stigmatisation et le tabou entourant ces sujets étaient encore prévalents.
Jean-Michel Basquiat, Untitled, 1981
Cette œuvre vibrante et dynamique, peinte alors que Jean-Michel Basquiat n’avait que vingt ans, est considérée comme une sorte d’énigme par les critiques d’art. Parfois appelée « Crâne » en raison de la forme du visage, cette composition complexe soulève certainement plus de questions qu’elle n’apporte de réponses. Représente-t-elle un crâne ou un visage à moitié formé ? Le tableau représente-t-il la vie ou la mort ? Certains se demandent même s’il ne s’agit pas d’une sorte d’autoportrait de l’artiste.
Jenny Saville, Propped, 1992
Le tableau qui a lancé la carrière de Jenny Saville est un autoportrait saisissant. Saville s’est fait un nom avec ses grands portraits (souvent des autoportraits) montrant des femmes qui ne se conforment pas aux normes de beauté habituelles de la société, mais qui reflètent la grande diversité de la beauté chez les femmes. Son traitement distinctif des peintures à l’huile et ses tons de peau chauds rappellent Lucian Freud et Francis Bacon.
Banksy, Girl with Balloon, 2002
Ce graffeur emblématique d’aujourd’hui est apparu pour la première fois sur le Waterloo Bridge à Londres, bien qu’il ait été repeint depuis. Cette œuvre a été réalisée à de nombreuses reprises pour soutenir diverses campagnes politiques, notamment la crise des réfugiés syriens en 2014. En 2018, une copie encadrée de l’œuvre s’est spontanément déchiquetée lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s grâce à un dispositif que Banksy a lui-même installé dans le cadre. Il a ré-intitulé l’œuvre déchiquetée, Love is in the Bin. La femme qui avait acheté la gravure pour un prix record a décidé de poursuivre la vente.
Tracey Emin, My Bed, 1998
My Bed, comme l’indique son nom, est une reconstitution du lit défait de l’artiste. Tracey Emin explique que cette idée lui est venue après une longue période de dépression causée par des relations difficiles et l’alcoolisme. Après s’être remise de sa dépression, elle a été dégoûtée par les détritus qui s’étaient accumulés dans sa chambre et a décidé de les exposer. L’œuvre a été nominée pour le Turner Prize, ce qui a déclenché une énorme controverse sur la question de savoir si elle pouvait être qualifiée d’art ou non.
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961
Avec Look Mickey, Roy Lichenstein représente pour la première fois de sa carrière une scène et un style appartenant à la culture pop, c’est une démarche qui deviendra sa signature. Sa reconstruction d’une scène préexistante, jusqu’à la bulle de parole, a conduit beaucoup de gens à décrire l’œuvre comme une insulte aux beaux-arts. Néanmoins, ce style unique a fini par être célébré. Aujourd’hui, il est considéré comme l’un des précurseurs du mouvement Pop Art.
Takashi Murakami, Flower Ball, 2002
Murakami s’est d’abord formé à l’art traditionnel japonais du Nihonga, avant d’être frustré par l’élitisme associé à ce genre. Il a inventé le terme « superflat » au début des années 2000 pour décrire l’héritage de l’art 2D dans la culture japonaise à travers un long héritage d’anime et de manga, mais aussi pour aborder la société japonaise d’après-guerre.
David Hockney, Portrait d’un artiste (piscine avec deux figures), 1972
Considérée comme l’œuvre d’art d’un artiste vivant la plus chère jamais vendue aux enchères, Portrait of an Artist est l’une des pièces les plus emblématiques de David Hockney. L’œuvre a été créée à partir de deux photographies qui ont été mises en scène par l’artiste. La première version de l’œuvre a été détruite. Cependant, une deuxième version a été repeinte en deux semaines en 1972.
Dorothea Tanning, Door 84, 1984
Cette œuvre de Dorothea Tanning marque le début d’une évolution et d’un passage du surréalisme figuratif à des compositions plus abstraites grâce à des traits lâches et dynamiques et des couleurs vives. L’artiste a créé cette œuvre avec de la peinture à l’huile et un segment de porte. Ce n’est pas l’une des œuvres les plus connues de l’artiste. En fait, l’artiste est devenue particulièrement célèbre pour ses œuvres Birthday (1942) et Eine Kleine Nachtmusik (1943).
Jeff Koons, Balloon Dogs, 1994
L’ancien trader de Wall Street, Jeff Koons, est une figure très controversée dans le monde de l’art. Il a déclaré qu’il n’y a pas de message de sens profond derrière ses œuvres. Qui plus est, il utilise un atelier pour donner vie à ses visions. Il ne crée donc pas ses œuvres lui-même. Pour ces raisons, beaucoup se demandent si ses œuvres peuvent être légitimement considérées comme de l’art. Ses chiens métalliques Balloon font partie de ses œuvres les plus reconnaissables.
Marc Chagall, plafond de l’Opéra Garnier de Paris, 1964
Le plafond de l’Opéra Garnier de Paris est certainement l’une des œuvres les plus célèbres de Chagall. Il a été très controversé depuis sa création jusqu’à son inauguration officielle en 1964. En fait, les différents panneaux ont été assemblés sous la protection de gardes militaires. Cette pièce vibrante est considérée comme reflétant le statut de Chagall comme « l’un des grands peintres de notre temps » et contient des références à des compositeurs et artistes célèbres à travers l’histoire.
Frida Kahlo, Autoportrait, 1948
Cet autoportrait saisissant est le dernier que Frida Kahlo a peint. L’autoportrait est la seule œuvre d’art créée par l’artiste tout au long de l’année 1948 en raison de l’aggravation de son état de santé. Dans cette œuvre, Frida Kahlo porte un costume traditionnel de Tehuana avec un col en relief encadrant son visage et remplaçant son habituel fond orné et naturel. La netteté de son visage et de son expression accentue l’émotion.
Lucian Freud, Reflection, 1985
Lucian Freud est connu pour ses représentations figuratives. Toutes ses œuvres sont autobiographiques et tous ses autoportraits ont été réalisés à l’aide de miroirs. Cette œuvre est un parfait exemple du style artistique de son créateur : chaque trait, chaque défaut de son visage et de sa peau sont visibles. Le petit-fils du psychologue Sigmund Freud est considéré par beaucoup comme un artiste qui dépeint ses sujets de manière brutale. Il offre ainsi au public un aperçu de leur esprit et de leur univers.
Sophie Calle, Prenez soin de vous, 2007
En 2007, le petit ami de Sophie Calle a mis fin à leur relation par e-mail. Celui-ci se terminait par les mots « prends soin de toi ». Quelque temps plus tard, l’artiste a distribué cet e-mail à 107 femmes, choisies pour leur profession, et leur a demandé d’interpréter ses mots. Les réponses comprennent des critiques linguistiques, des analyses juridiques, des interprétations de danse, des codages et même un court métrage montrant un cacatoès en train de manger lentement la note imprimée. Les différentes réponses sont réunies dans cette extraordinaire exploration des relations et de la vulnérabilité.
Antony Gormley, Angel of the North, 1998
Anthony Gormley est connu pour ses statues anthropomorphes. Celles-ci sont souvent basées sur des moulages de son propre corps. Angel of the North est l’une des œuvres les plus connues de cet artiste. Cette dernière est située à Gateshead au Royaume-Uni. Elle a été réalisée en quatre ans et 800 000 £ ont été dépensées pour sa construction. Les ailes sont légèrement inclinées vers l’intérieur, suggérant une étreinte. En outre, la sculpture est destinée à représenter le passage du temps.
Ai Weiwei, Remembering, 2009
L’artiste chinois Ai Wei Wei a créé cette pièce saisissante afin de rendre hommage aux enfants victimes d’un tremblement de terre. Celui-ci a eu lieu en 2008 dans la province du Sichuan. Particulièrement dévastatrice, la catastrophe naturelle a détruit de nombreuses écoles. Celles-ci étaient mal construites et ont entraîné la mort de nombreux enfants. L’œuvre à grande échelle est composée de 9 000 sacs à dos d’élèves. Le spectateur peut lire les caractères chinois « elle a vécu heureuse dans ce monde pendant sept ans ». Cette phrase est une citation d’une mère en deuil au sujet de son enfant perdu.
Francis Bacon, Trois études de Lucian Freud, 1969
Vendu en 2013, ce triptyque est devenu l’œuvre d’art la plus chère vendue par un artiste britannique. Il représente l’ami et rival de l’artiste, Lucian Freud. Le jeu de couleurs est dynamique. Francis Bacon souligne l’importance de ne pas séparer les trois études.
Mark Rothko, Orange, Red, Yellow, 1961
En 2012, Orange, Red, Yellow, a battu les records aux enchères lors de sa vente. Connu pour ses œuvres géométriques, abstraites et ses couleurs vibrantes, Mark Rothko a reçu autant de critiques que d’éloges. Rothko réalisait ses œuvres à très grande échelle. Pour l’artiste, son travail devait être « très intime et humain ». Il recommandait aux spectateurs de se tenir à 18 mètres de ces œuvres afin de vivre pleinement l’intimité et la transcendance entre l’œuvre et le public.
Vous pourriez également aimer:
Partager:
.